Arabic – English – German – French

سيرة ذاتية

من خلال سفراتي إلى جنوب شرق آسيا أتيحت لي أن التقي بعض الفنانين في محترفهم الخاص أكثر شي لاحظتُ طريقة العيش، وممارساتهم اليومية، والصفاء والهدوء الذين يحيطان بهم. كان وهاجسهم هو الفن ومن أجل الفن. وهذا مع الأسف ما يفتقده الفنان العربي. زرتُ تقريباً أغلب أماكن شغل الفنانين، وأكاد أعرف أغلبيتهم من سوريا إلى لبنان إلى مصر فتونس والأردن. الإبداع الحقيقيّ مختفٍ وراء قناع الانشغال بالحروب الصغيرة.

في جنوب شرق آسيا تكمن المسألة في طريقة العيش. الفنانون محاطون بالطبيعة وطريقتهم على المائدة. زرتُ مرةً فناناً من هونك كونك، مشهورا جدا وتُعْرَض أعماله في المتاحف العالمية. كان يشتغل بهدوء وصمت، أو هو قليل الكلام، ولديه معاون يساعده في تحضير الأشياء. أعجبني كثيراً كيف يأكلون وأسلوبهم في تقسيم الوجبات. هناك صفاء روحي عجيب لم أر مثيلاً له مع الأسف عند أكثر فنانينا العرب الذين التقيتُ بهم. لهذا السبب صرتُ ابتعد عن أية مشاركات ولقاءات تَجْمَع بالآخرين. أتكلم بصدق انطلاقاً من تجربتي. وهنا أقول ما شاهدته بأم عيني وليس من قبيل إقامة المقارنة أو تصويب الانتقاد.

من أين يا ترى يأتي هذا الصفاء عندهم؟ يأتي من ثقافتهم وطريقة عيشهم، وجغرافية بلدانهم، وخصوصياتهم المحلية، والرضا بالأقلّ من القليل، ثم من معتقداتهم الدينية، وعوامل كثيرة أخرى، كالأكل الذي يلعب مرة أخرى دوراً كبيراً في تكوين شخصية الإنسان، وهذا الأمر صحيح علمياً. هناك تعبير يقول “رأيت الإسلام في بلد الكفار، ورأيت الكفر في بلد المسلمين”، هنا لا أودّ جلد الذات، فللآخرين أيضاً جوانبهم السيئة الكثيرة. وهنا لا أقوم بالمقارنات فيما بيننا وبينهم. فهي محص صدفة أتاحت لي زيارة بعضهم، وأعطتني فكرة عنهم. شخصياً أحاول أن أعيش تقريباً ذات الأجواء، ولعلي زرتُ هناك فنانين هم الأقرب لذائقتي.

أؤمن اليوم أن الانشغال في الفن إنما هو الأمر الأهمّ بالنسبة إليّ، وما عداه يأتي في الهامش فقط. كل يوم احمد الله كثيراً أن يمدّني بالقوة للعمل وإنجاز الكثير الذي ينتظرني. وأتمنّى أن أعيش وقتاً أطول لوجود عمل كثير يتوجب إنجازه بعد.

لقد وقع سؤالي فيما إذا كانت أعمالي الأخيرة، تخرج من تجربة مغايرة للأعمال السابقة؟، وأقول إنها امتداد لها. فهي تطوّر طبيعيّ للتجربة السابقة وبالحسّاسية نفسها. ولكني صرت اشتغل بخامات مختلفة بكل ما للمفردة من معنى: من خشب ومسامير وجلود وأقمشة ومواد معدنية، وصارت الأحجام كبيرة جداً. صرتُ أجد متعة في اكتشاف مواد غير متوقعة يمكن إدماجها في سياق العمل الفنيّ. لعلي لم أشتغل على الشكل الكرويّ أبداً فحسب لأني غير ميّالة إليه. أعمل إذا شئنا على نوع من تكوين مفتوح، هذا الانفتاح سمة أساسية في عملي. في فترة ما اشتغلت على جذوع الأشجار، وأظن أن الفكرة قد جاءت محض صدفة، عندما رأيتُ أكواماً من جذوع الشجر التي أهملتها البلدية مرمية في الشارع أمام بيتي. كانت الفكرة تستهدف أطفال الحارة والجيران والتساؤل عن كيفية تحويِل الأشياء المتروكة والمهملة إلى أعمال فنية. كنت أريد مشاطرة المحيطين بي فكرة الفن. ولقد لاقت الفكرة الإعجاب والتقدير حتى من قبل رئيس البلدية الذي زار المكان ورأى طبيعة العمل. الأعمال التي أنجزتها مع أطفال المنطقة ونسائها – بعضها مشغول بحبال ومسامير – لا تمثل شغلي في نهاية المطاف، لقد كانت نوعاً من المتعة واللعب بحيث أننا جميعاً استمتعنا بإنجازها.

قد يسألني سائل هنا عن الناحية التقنية، وعن هذا الخليط من المواد، لماذا هذا الولع بالمواد؟

تتضح المواد أمام عينيّ، وتعطيني الكثير من الأفكار، وتَمُسّ العمل بعناصر إضافية. في هذه الحالة يقوم، من جديد وبطريقة مغايرة، نوع من اللعب والمتعة والاكتشاف في الفن. إذا لم تكن هذه العوامل موجودة في العمل الفنيّ يصيبنا الضجر.

هذا المواد موصولة بحاسّة اللمس، يقيناً، وهنا دلالة كبيرة، لا تخفى على أحد. هذه المواد تستلزم بعض المساعدين لإنجازها.

لا توجد حسّاسية أنثوية مختلفة تجاه ملمس الموادّ ومرأى الألوان. الأمر مُتشابِه عند الجميع في اعتقادي.

هناك أثاث، مثل بعض الطاولات في منزلي، هي من عملي أيضاً. يُنفّذ النجار النموذج بعد أن أعطيه التصوّر والتصميم، لأتابع بعدها الاشتغال عليه من جديد. وقد أنجزتُ في الفترة الماضية القريبة الكثير من تصاميم الأثاث، منها دولاب في المنزل وأخرى في المرسم وورشة عملي. بعض النماذج مصنوعة مما يجتمع بين يدي من القطع والمسامير أثناء سفراتي، ولدي الآلاف من القطع التي أحبها لأنها من الأشياء التي نرى عليها فناً وشغلَ يدٍ. في هذه الأوقات أشتغل على موضع (بيت الفنان) أستقبل فيه زوّار السلطنة من سائحين وأجانب، وأعرض هذه المقتنيات عرضاً فنياً، تساعدني في ذلك دينا ابنتي التي هي مصمّمة ديكور. كلانا مهمومتان بالفكرة بحيث تُعرض جميع الأشياء التي جمعتها خلال أكثر من ثلاثين سنة بطريقة فنية، بالترابط مع مشروعي في تصاميم الأثاث ليكونا مُتكاملين ويشدّان إزر بعضهما. كل ما أذكره هو جزء مني، وهو أنا نفسي. بعض القطع فريدة وثمينة. بيت الفنان جزء منه، كما أن هذه الأشياء تدخل في مجال الفن مباشرة، لكن في فهرست آخر مختلف. الفكرة هي كيف الإفادة من هذه الأشياء وعرضها بطريقة ملائمة تليق بها. بذلك كله أودّ الخروج بالفن من أطار اللوحة الضيق إلى أمرٍ أكثر اتساعاً وإنسانيةً. أريد كذلك عرض قططي وكلبتي وحديقتي. هذا حلمي الآن بعد أن أخلق الغاليري. ومن الجليّ أن على “دزاين” الأثاث أن ينسجم مع بحث الفنان الجماليّ العميق. عندما يكتمل المشروع يكون لكل حادث حديث.

في لوحات كثيرة أشتغل على الورق الذي أصنعه بنفسي. فكيف تعلمتُ صناعة الورق؟. ولأي غرض تعلمتُه؟ الاشتغال اليوميّ والممارسة مهمتان بالنسبة للرسم، فعن طريقهما يكتشف الفنان تقنيات جديدة، أحياننا بالصدفة، وهنا أعلى أنواع الاكتشاف والمتعة. وهكذا توصلتُ لاكتشاف الورق. أجلب الورق أثناء سفراتي إلى شرق آسيا، وهناك هم مبدعون في هذا المجال دون شك. كنتُ أذهب إلى مصانعهم بمدى عظيم من المتعة التي كنتُ أشعر بها هناك. في الهند كنتُ أذهب إلى أماكن تصنيع القماش والورق، وكنت أرى العجيب والمدهش. وعندما كنتُ أجلبه معي، كنت أقوم بدوري بالاشتغال عليه ثانية.

ولعل هناك من يسأل عن فائدة نوع الورق بالنسبة للرسام؟ هي إحدى أدوات الرسام، على الأقل بالنسبة لي في المرحلة الحالية. هناك فنانون يشتغلون بطرق وأساليب مختلفة ليس الورق من ضمنها. لا أعرف إلى أين سأصل في المرحلة القادمة، لكنني مستمتعة بذلك في المرحلة الحالية. ثمة تنوّع كبير وثمة اكتشاف للمواد التي اشتغل عليها: الورق والقماش. إنني حالياً في حالة اكتشاف، ولعلي في مرحلة قادمة سوف أشعر بالملل وأنتقل إلى مواد أخرى.

التجربة هي التي تقود الفنان من منطقة تشكيلية لأخرى مجاورة. أكرّس نفسي لذلك للعمل اليوميّ والعزلة، وأتفرغ مانحة مكاناً للزهد والابتعاد عن تفاهات الحياة من أجل الحصول على الصفاء الروحي، وكلها عوامل مهمة تساعد الفنان على العمل الرصين. يستغرب أحياناً الأهل والمحيطون بي مني أنني لا أشعر بالملل من هذا النمط من الحياة، والبقاء طوال الوقت في المرسم وفي البيت، حيث لا أذهب لمناسبات أخرى أبداً، حتى أنني لا أزور أحداً من القريبين إلى العائلة، ولا أستقبل أحداً. بالنسبة للبعض هذا أمر غريب، لأنه لا يعرف مدى المتعة التي أستشعرها عند العمل الفنيّ، ومقدار الكشف وذهاب الملل اليوميّ. أعتبر نفسي محظوظة لأن الله قد أحبني ومنحني هذه الموهبة.
لهذا السبب يستغني الكثير من الفنانين عن متع الحياة الأخرى ويكتفي بعالم الفن، حتى أن بعضهم لم يتزوج أو لم يستمر في الزواج. هذا الهوس العجيب الغريب لا يحسّ به سوى الفنان الحقيقي الذي يعيش التجربة وليس المتطفل على الفن، وما أكثرهم في هذا الزمن.

إن تجربتي أيام إدارتي للغاليري، منذ منتصف التسعينيات حتى سنة 2005، قد أتاحت لي أن ألتقي بشراً كان ذوقهم وحساسيتهم العالية حول شغلي وثقافتهم الفنية وشغفهم بالفن صدمة ومفاجأة بالنسبة لي. خاصة وأن شغلي صعب وقد لا يُرضي الأذواق. كثير من الألمان واليابانيين كانوا شغوفين بشغلي.
بعض الفنانين يتنازل لإرضاء الذوق العام من أجل الكسب الماديّ أو الشهرة المجانية، وهؤلاء سوف يرفضهم التاريخ.

أنتونيو سياليري – من يذكره الآن – شاهدت فيلمه في سنوات بداياتي، ولقد أثّر بي جداً، ولعب دوراً في مسار حياتي. ومن حينها أغرمتُ بموزارت. مرة قال لي نزيه خاطر أثناء حورات كثيرة دارت بيننا عن الفن والحياة، بأنه كان شغوفاً للغاية بعملي، وأنني كنتً أشكّل بالنسبة إليه اكتشافا كبيراً، خاصة لأنني من منطقة الخليج التي نعرف التصورات عنها. كان يقولها بين المزح والجدّ.

هل الفن الراقي هو فن نخبويّ؟ بالتأكيد، اقصد أن النخبة هم المثقفون الحقيقيون. وعلى ذكر النخب أتذكر أن ضياء العزاوي كان يأتي إلى الغاليري المذكور حيث كان الشيخ حسن يكلفه بشراء بعض اللوحات لمجموعته الفنية. كنت ألاحظ أنه في كل مرة كان يختار أعمالاً فيها ألوان كثيرة وزخرفة، وكان يستبعد أعمالي، ولا أذكر أنه اشترى عملاً لي. سألته ذات مرة لماذا لا يقتني أحد أعمالي لمجموعة الشيخ حسن، فأجابني: أعمالك أنت للنخبة فقط. وعندما جاء ضياء بصحبة الشيخ اشتكيته للأخير، فضحك الشيخ، وأمر أن يشتري حالاً أعمالاً لي. ولكني أكيدة أن أعمالي لا ترضي ذوق العزاوي، لأنها خالية من الزخرفة والألوان المبهرة، لأنها تجريدات صافية.
لنذكر بمناسبة هذه النخبة دائماً أن أنتونيو سياليري كان يجلس في الصف الأول مع الملك، وأن موزارت كان ضعيف العود نحيلاً وفقيراً ويجلس في الصف الخلفي. أيام فان كوخ كم كان هناك من أثرياء ورسامي الحاشية، فمن بقي منهم الآن، ومن يذكرهم.

كيف يمكن أن يؤثر المكان ويتدخل في عمل الفنان؟.

المكان والجغرافيا لهما تأثير كبير على الفنان وعمله، فالفنان ابن بيئته، لذا نرى أن الفنان الذي يعيش في الهند يختلف عن الفنان الذي يعيش في كولومبيا مثلا، من ناحية الخصوصية والمواد التي توفرها لها بيئته. بالنسبة لي يهمّني أن أرسم في مكان مفتوح، حيث أشعر بالاختناق في الأماكن المغلقة، وهكذا تعودتُ، وهكذا أصبحت هذه العادة عادة ضرورية. وبما أني أشتغل على مساحات كبيرة ولدي مساعدين، فمن المهم بالنسبة لي أن يكون لدي مساحة كبير في فضاء مفتوح. أعتبر نفسي محظوظة أني أعيش مثل هذه الأجواء في مرسمي الذي يطل على فضاء وافق شاسع وعلى مدينة مسقط الجميلة. كل هذا ساعدني أن أكون أكثر هدوءاً وفي عزلة عن العالم الخارجي، مما يلبّي رغباتي ويشبع حاجاتي الروحية.

ولكن الخصوصية والهوية تقع الآن في قيمة العمل الفني. فماذا نقول مثلا عن فنانين كبار وعالميين في اليابان يرسمون تجريدات صافية بعيدة عما غُرفت به اليابان من اتجاهات. الصين أيضا يوازي أشهرُ فنانيها المعاصرين حداثيي أوربا. الوسائل الحديثة جعلت العالم صغيرا والأفكار تنتقل بسرعة البرق. اليوم يعتمد الفن بشكل عام على الأفكار أكثر من اعتماده على العاطفة. هناك سرقات كثيرة تحصل، في هذا السياق، مع الأسف. لكن المتابع المطلع على مواقع الفن في العالم يكتشف هذا بسهولة. وهنا تأتي مشكلة التأثر والتأثير وتوارد الأفكار. لا نعرف أين تقع الحقيقة، إذ أن أفكارنا وتجاربنا في كل الأحوال هي تراكمات لتجارب من مضى قبلنا. كذلك من مشاهداتنا، لذلك ليس من الغريب أو من المستبعد أن اذهب إلى متحف عالميّ وأرى فناناً يشتغل بروحية قريبة إلى شغلي، رغم أنه أما أن يكون قد سبقني في الزمن أو سبقته أنا، مع أني أشاهد لأول مرة عمله وأتعرف على شغله. من المهم هنا أن يتمتع الفنان بالفرادة.

سابقا كنت اشتغل على بياض الورق أو “الكنفس”. كان العمل يجري على اللحظة الإبداعية والعاطفة في آن واحد، أحياننا تحضر المصادفة أو يقع الاكتشاف.ولعل حالة النسيان هي الأكثر صدقا، ذلك أن عملية ما قبل الشروع بالشغل هي الأهمّ.

تأتي الأفكار وتزدحم في ذهني من حيث لا أدري. الوقت يشكل معوقاً عندي. إذ هناك مشاريع كبيرة تحتاج تنفيذاً متأنياً، لكن يبدو لي الوقت قصيراً للتنفيذ. كلّ صباح بالنسبة لي عيد، حينها أشكر الله أني بكامل قوتي: أشرع بالعمل مبكرا وانتهي مساءً. أشعر في اليوم الذي لا أشتغل فيه أنني عاطلة عن العمل. لا أعرف كيف ستكون حياتي بدون الفن، خاصة وأني أعيش في بلد يفتقر لأبسط أنواع المتع: لا يوجد لدينا مسرح ولا مكتبات ولا غاليري ولا سينما. الشغل هو متعتي الوحيدة.

. إن آراءنا وأفكارنا نحو الأشخاص والأعمال تتغير أحياننا تبع النضج والتجربة والعمر، حتى أن من كان يبهرنا سابقا لم يعد يثير فينا أي شعور الآن.

ما الذي تضيفه التجربة العالمية التشكيلية لتجربة الفنان العربي، وما الذي تضيفه تجربة الفنان العربي للتجربة العالمية؟. لم تضف التجارب العربية أي قدر حقيقيّ للعالم منذ أكثر من مئة عام على الأقل. لا توجد أصلاً حركات فنية في العالم العربي، وكل التجارب التي اشتغل عليها الفنانون العرب منذ عهد الحروفية وتجارب إثبات الهوية أثبتت فشلها. هناك بعض الفنانين الذين نالوا شهرة عالمية لسبب وآخر، مثال مروان قصاب باش التي تكرّس أعماله منجزات الرسّام (بيكون). فالعربيّ الذي كان دائما مهموماً بالتراث والهوية وإرضاء السلطة والجمهور، لم يشتغل بصدق وتجرد لكي يبتعد عن هذه المؤثرات التي استفدت طاقته. هناك فنانون عاشوا في الغرب عقوداً من الزمن، مثال الصلحي وضياء العزاوي، ما زالوا يدورون في فلك أفكارهم الأولى التي أطلقوها منذ 50 سنة، فلم يتغيروا ولم يفيدوا من تجربة العيش في الغرب للأسف.

هناك أفراد يمكن عدّهم على أصابع اليد الواحدة، عرب مهمون ومؤثرون في حركة الفن في العالم مثل منى حاطوم، وزها حديد التي تقع خارج كل تصنيف. صحيح أنها معمارية ولكنها ليست بعيدة قطّ عن الفن التشكيليّ، وأجزم لو أنها تعرفت على شغلي فلسوف يعجبها.

غالبية الفنانين الذين التقيت بهم في المناسبات الفنية العديدة، كانوا يتعاركون على الجوائز ومناصب الدولة، بشكل يدعو للحزن. الفنان المشغول بمعارك مثل هذه مشغول بقضايا خارج الفن ولا تخدم الفنّ.

أرى من الضروري أن نطرح الأسئلة التالية في هذا السياق: ما هي إشكاليات تلقي الفن في بلداننا؟ ومن هو المتلقي الحقيقي فيها؟ أليس التلقي مشكلة حقيقية وإعادة قراءة للأثر التشكيلي؟

المشكلة عند الإجابة على هذه الأسئلة تكمن في الكيفية التي يتلقى فيها الإنسان العربيّ الجهد الفنيّ بينما يعيش في وضع مزرٍ. من أين تأتي ثقافته الفنية في الوقت الذي لا توجد فيه مؤسسات ثقافية حقيقية، وحيث موازنات الثقافة في دولنا هي الأقلّ، وحيث التعليم في أدنى مستوياته.

تجربتي تقول لي إن جلّ الذين التقي بهم من العامة، لا يستطيع أن يفرّق بين عمل جيد وعمل رديء. على المتلقي امتلاك خلفية ثقافية عميقة تمكّنه من أن يتذوق الفن ويفهمه. وهذا الأمر يَصْدق على المسرح والسينما والموسيقى وجميع مجالات الفن. ليس من السهل أن يمتلك الشخص شغفاً وحباً لقضايا كالموسيقى، فمن أبسط الأمور بهذا الشأن ضرورة التفريق بين موزارت وموسيقيّ آخر، وهو ما يستوجب المعرفة وسماع المزيد من الموسيقى، إذا لم نتحدث عن البحث والشغف.

مفهوم الشغف موضوع يحتاج تطويراً في ثقافتنا. عندما زرتُ ألمانيا، رأيت مناظر الأطفال في سن دار الحضانة وهم يؤخذون إلى المتاحف في طوابير يا له من منظر حضاري راقٍ، لم أشاهد مثيله مع الأسف الشديد. في بلداننا العربية يحدث العكس، إذ لا تتوفر لدينا أبسط المعايير. نحن بلدان ينخرها الفساد، ولذلك لا نتوقع أي اهتمام بالفن. عندئذ يُحارب الفنان الحقيقي لصالح بشر لا يملكون الموهبة أو الثقافة الفنية.

أتكلم انطلاقاً من التجربة. ثمة مثلاً مشروع (ملتقى الفن) الذي أنجزته مع وزارة السياحة في بلدي، وقد بذلتُ جهداً وتعباً وصرفتُ المصاريف من مالي الشخصيّ، من دون أن أستلم بالمقابل أي قرش من الوزارة المذكورة. أما الأعمال التي كانت تُعرض في الملتقى (هناك أكثر من مئة لوحة) فلا أعرف مصيرها حتى بعد أن راجعتُ الوزارة. فقد رُميت في المخازن بدون حسّ بالمسؤولية، ولا خوف من محاسبة. المخازن نفسها غير مهيأة أصلاً لحفظ الأعمال الفنية.

لقد واجهتُ الكثير من الصعاب، لأني إنسانة حرة، لا أتقرب من أحد، ولا أتمسّح بمعطف أحد. تاريخي نظيف ومعروف للجميع. لقد عملتُ بمجهودي الشخصيّ، ولم أنتسب الى أي مؤسسة، ولم أسافر أبداً بدعوة رسمية، فلقد كانت جميع معارضي نتاج دعوات من مؤسسات ثقافية في الخارج. ولو أني تنازلت قليلاً عن كبريائي وكرامتي، لكنت اليوم في موقع السلطة، في الأقل سلطة الفن. والدتي ربّتني على أن قيم الكرامة هي أهم شيّ في حياة الكائن الإنساني. بالنسبة للبعض هذه الكرامة رديف للمغرورة أو العنيدة، وهذا من أكبر الأوهام. وبها كسبت احترام الجميع. وهذا معروف في مسقط.

ما زلت أخوض بعض الحروب بشكل أو بآخر، في هذا الاتجاه. فلقد زارني مرة صديق صحفي عربي أيام إشرافي على الغاليري، وقال لي: يا نادرة، المسؤول عن الإعلام والثقافة، قد اقترح الأسماء التي عليّ مقابلتها، وهي لأشخاص شعراء وآخرين من مستويات ضعيفة، وعندما اقترحتُ عليه مقابلتك رفض بشدة.

كان الغاليري يقع في فندق الأنتركونتنتال، وكان ثمة بار في الفندق، من الجهة الخلفية من الغاليري، ويُعتبر من أفخم البارات في السلطنة. أما أنا فعندي عقدة خوف من السكارى منذ كنت صغيرة، فقد رأيت سكراناً في منطقتنا. كان حدثاً كبيراً إذ نحن عائلة متدينة ومحافظة. من وقتها صرتُ أخشى رؤية أي شخص في حالة السكر. ولأن الصدفة جعلت مكان ذاك البار يقع بالقرب من الغاليري، فكنتُ أقفل عند موعد زيارة روّاد البار. كان جلهم من المثقفين والكتاب الذين يلتقون هناك، ومنهم ضيوف السلطنة، أذكر من بينهم سركون بولص وسعدي يوسف وفاضل العزاوي وآخرين كثيرين. كان على غالبية زوار السلطنة المرور عند هذا البار الذي لم أدخله أبداً، إلا لمرة واحدة يوم جاء شخص يسأل في الغاليري عن سعدي يوسف، وكان الذين ذكرتهم مجتمعين على طاولة مستطيلة كبيرة في البار. استغربوا عند رؤيتي لأنهم يعرفون أني لم أدخله قط، فصاروا يصرخون: “واووو نادرة هنا”. قلت لهم إن هناك شخصاً يسال عن سعدي. كانوا يحترمونني ويحبونني بسبب الجانب البريّ فيّ، لكن أيضا بسبب الوجهة المحافظة إلى جانب تحرري الفكري. بين هذا الجانب وذاك، ثمة خيط رفيع يفصل، حافظتُ عليه. لذلك أُعتبرُ بالنسبة لكثير من أشخاص الجيل الجديد والنساء المثال والقدوة. في مثل مجتمعنا الصغير نسبيا والمحافظة من الضروريّ أن نكتسب احترام الآخرين وان نكون متحررين فكرياً في آن واحد، خاصة بالنسبة للنساء.

وعلى ذكر النساء أود أن أضيف بأنني لم التزم بالزيّ الخليجيّ أبداً، ففي منطقة مثل الخليج يعتبر الزيّ التقليديّ واجباً لازماً للمرأة المحلية التي ما زالت تواظب على ارتدائه. بالنسبة لي عدم ارتدائه، صار أمراً مقبولاً من قبل الأهل والمجتمع حيث تآلفوا مع شخصيتي من دونه بكل احترام.

أحياناً يروقني ارتداء العباءة والشال كنوع من الموضة والتغيير. حينها يقول لي الأهل والصديقات هذا جميل ولكننا تعودنا رؤيتك من دون العباءة. لقد عودتهم بالفعل، وفرضت شكلي وقوانيني وأعرافي. عندما كنت في العشرينيات من عمري، ظهرتُ مقابلة في التلفزيون العمانيّ، وذكرتُ بأن الإنسان يمكن أن يعيش حياته كلها [كما يرغب] حتى لو حُوصر بالقوانين والتقاليد. وقتها كان البث مباشراً فاتصل وزير الإعلام وطلب من المذيع إنهاء الحوار معي. في حينها كان مثل هذا الرأي من غير المسموح به.

مؤخراً طُرح عليّ سؤال فحواه أن تجربتي الإبداعية وتلقيها، ربما كانت موصولة بوجود (شيء مختلف)، ثقافيا وإنسانياً، في المجتمع العمانيّ مقارنة بالمجتمعات الخليجية الأخرى؟.
صحيح أن عُمَان بلد له الكثير من الخصوصية، ويختلف عن بلدان الخليج الأخرى، فمن الناحية الجغرافية ثمة تنوع كبير، إذ أن عمان بمساحة سوريا ولبنان. يمتد هذا التنوع على قضايا أخرى كالأزياء وطرق العيش ووجود أصول عرقية أخرى واللهجات. كل هذا أنتج شباباً واعياً، ذكياً وموهوباً، نراه في كثرة الكتاب والشعراء الذين يُنْظر لنتاجهم بجدية من قبل الكتاب الآخرين خارج عمان. لنُشِرْ بأن الوفرة المادية تُفسد الإبداع والفن أحياناً

 

---

 

نادرة بنت محمود

سيرة حياة

لو سألني أحد عن الدوافع العميعة التي تجعلني رسامة تجريدية، فسأجيب أنها الأسباب نفسها التي تجعل شاعراً يكتب قصيده تفعلية وآخر قصيدة نثر . أجد في التجريد حرية أوسع وأصعب في الوقت نفسه، ولأني أجد أن التشخيصية تستجيب لمرحلة سابقة ولرؤية قديمة للعالم، والانضباط فيها شكلاني في أحيان كثيرة .

سأبدا بطفولتي. دائما كان عندي احساسي في تلك الطفولة بأني كنتُ مختلفة عن الاطفال الاخرين وهو ما اكتشفته لاحقاً بالفعل. فقد كنت أعامل بشكل مختلف من المدرسة والبيت، وما زلت مختلفة. ما زالت رسوم طفولتي موجودة وأنا أحتفظ به. اليوم عندما أراها أعجب كيف رسمتها في تلك السن المبكر . لعل في هذه الرسوم دلالة صغيرة أو كبيرة لما سأكون عليه لاحقا. لقد رسمت فيها وجوه ناس ونساء. لم تكن تجريدية طبعا، ولكن مرسومة بشكل منضبط وأكاد أقول ببعض المبالغة “أكاديمي محترف” تقريباً. كنت في المرحله الابتدائية .

في وقت مبكر، بل في ذلك الوقت عرفت سعدي يوسف وفاضل العزاوي. عندما جاء العزاوي إلى عمان بعد 20 سة سأل عني أول ما سأل، فهو الذي اكتشفني وكتب عني عندما كان عمري 12 عاماً لا غير. كنت أدرس في العراق بسبب عدم وجود مدرسة في عمان. كتب عني في مجلة ألف باء الأسبوعية التي كان مديرا لتحريرها يوم ذاك. ما زلت أحتفظ بذلك العدد. تكلم عني طبعا فيما بعد غيره مثل نزيه خاطر. أما القاصة سالمة صالح زوجة العزاوي فقد قامت بإجراء لقاء معي في بغداد للمجلة نفسها . كانت أجوبتي على أسئلتها ناضجة وفيها أتكلم عن الحرية والعبودية من حينها. كنت أرسم وجوها، ولو سألني أحد لماذا كنت أرسمها لقلت له إن الوجه هو العالم، هو ملخص للعالم. الغريب أن أفكاري لم تتغير .

اليوم أتساءل هل كنت ميالة الى الألوان أم الأشكال “الفيكرات”؟ وأجيب بأنني كنت ميالة لكليهما، وهذا ساعدني لاحقاً، لأنه منحني أساساً متيناً . لم يكن هناك في رسومي المبكرة هاجس لوني بالضرورة. لم تكن أيضا نزعة عفوية. كنت أبني بناءً. لم تكن أعمالا تشبه أعمال من كان بسني. الفارق الأول أنني كنت متمكنه جداً من أدواتي. اليوم لا أستطيع أن أرسم بالطريقة نفسها بالطبع، ولا بالبراعة ذاتها. اليوم اختلف الوضع .

نحن من عائله تهتم بالعلم والقراءة، وقد درسنا في جامعات خارج عمان لاحقاً. كان في عمان مدرسه واحدة هي السعيدية. جاءت لعائلتي فرصة أن ندرس المرحلة الابتدائية في العراق، ثم الجامعية في بيروت. كانت السعيدية تقع وسط مسقط.. لم يكن توجد في عمان قبل سنوات السبعينيات مدارس. كان كل شيء صعباً. كانت عمان مسوّرة بسور. أرسلنا الأهل للتعلم في العراق لأنه البلد الذي كان في وقتها يضمن لنا إمكانية التعلم أكثر من أي مكان آخر . أضف لذلك أن اللهجة قريبة من اللهجة المسقطية . كانت الدراسة مكرّسة للأولاد وللنخبويين فحسب .

لا بد أن بيئة مسقط وجغرافيتها والطبيعة فيها، تركت اثراً مهماً وذكريات بَصَرِيّة عندي، لأنني بنت عمان، ونحن نعرف أن البلد والمكان يتركان تأثيراً أكيداً على المرء. أتحدث عن تاثير البحر والبيوت خاصة. لم يكن لونا آخر غير الأبيض مسموحا به لبيوت عمان . هذا اللون سيمتد إلى هاجسي المستمر بالنظافة. انا موسوسة بالنظافة. طابع البيت العماني القديم يروق لي. لقد ظل اللون الأبيض في ذاكرتي البصرية، حتى أن عينيّ صارتا تتعبان من الألوان الأخرى، في الغالب لاشعورياً وفي العقل الباطن. البيت بالنسبة لي أبيض، ملابسي أيضاً كلها تقريبا بيضاء .

في صغري لم أكن في الخقيقة أدقق بالتفاصيل. كنت أنظر نحو الاشياء العامة والكبيرة. التدقيق في التفاصيل يتعبني. أتردد اليوم أحيانا على مرسم للاطفال، وأتعلم منهم لأنهم الأكثر قدرة على التعبير عن أنفسهم بصدق . هذا الصدق أهم عنصر في كل عمل إبداعي. نحن نفتقد هذا الأمر مع التكرار والزمن .

لا تسبّب لي استعادة الطفولة الآن أي ذكريات سيئة. فأنا من عائله كبيرة العدد، تتكون من أربعة أولاد، توفي الكبير منهم، ثلاث بنات، أنا الاصغر من بينهم. عائلتي متدينة جداً ومتصوفة. عندما كنا صغاراً كنا نصلي مع بعض في المنزل والويل لمن كان يتخلى عن الفرض الذي كان هو والصيام من الأمور الأساسية في البيت. كنا نتلقى تربية دينية صارمة لم نتفلت منها قليلاً إلا في لبنان فيما بعد. ما زالت الصلاة مهمة لأولادي اليوم .

بسبب ظروف عمان كانت العائلة تعيش متنقلة بين مسقط والعراق. وكانت تشتغل بالتجارة. عندما أصبت في مرحلة الطفولة المبكرة بمرض في العظام ابتدات علاقتي لأول مرة بالرسم . استلمت ذات مرة هدية هي عبارة عن علبة ألوان ودفتر رسم. لا أعرف من أهداها لي بالضبط لكنه كان أحد أفراد العائلة من دون شك. أتذكر هذه الفتره جيداً كأنها من الأمس القريب. كنت أُعامل معاملة خاصة حتى على مستوى المدرسة . تجربة الألم هي تجربة وجودية كبيرة يعرفها فقط من مر بها بشكل من الأشكال .

لا تأتي الأشياء في الفن بسهولة. إنها نتيجة التجارب الحقيقة العميقة في الحياة. تجربة الألم القديمة تلك كانت تسبب لي أكبر مشكلة في متابعة الدروس، في العراق أولاً ولاحقاً عوالجت في بيروت . .

كانت هناك جالية عمانية كبيرة تسكن العراق بشكل مجموعات بقيت تحافظ على تقاليدها العماني. في بغداد لكن لديها بيوت في النجف وكربلاء. عائلتنا قطنت محلة العيواضية في بغداد. هناك أتذكر حديقة بيتنا، كنا نسميها البستان. جل الفواكه والخضروات تأتي من هذا البستان.أتذكر اشجار البرثقال، وشجرة النبق التي كان إخواني يتسلقونها دائماً. كما أني لا أنسى شجرة التوت الاسود التي تمتد عبر الأسوارمن ثالث جار حتى بيتنا. اتذكر جذع هذه الشجرة كأنه شيء خرافي. كانت تسكنها الأفاعي، وكنا أنا وإخوتي وأولاد الجيران نلعب تحتها. ونتندر بقصص الأفاعي والثعابين. اليوم إذا كنت أخاف من أمر فأكثر شي يخيفني هي الافعى. لا أعرف لماذا. ربما بسبب هذه التجربة الطفولية، فإننا نعرف أن اللاوعي مثل البئر، ما يسقط به يبقى في ظلامه الكبير .

كانت مدرستنا قرب البيت اسمها “المدرسة النموذجية”، وكنت أذهب اليها مشياً على الأقدام مع اثنين من إخواني. كانت مختلطة . يبدا الدوام صباحاً وينتهي الساعة الرابعة عصراً. كانت تجربة الاختلاط شيئا عادياً، وقد تربيت على هذه الشاكلة. كان أهلي ناس متفتحون على العالم، بل حتى المحيطين بنا من الأصدقاء والجيران كانوا من المتنورين. عندما أسمع اليوم بعض الأفكار الظلامية العجيبة عن المرأة والحجاب وما إلى ذلك من السجالات التي لا جدوى ولا فحوى فيها والتي لم أتعود عليها في تربيتي الأولى، أرى أن الوعي الاجتماعي في سبعينيات القرن الماضي كان ضاربا في التنوير والانفتاح. في المناخ الثقافي الحالي أشعر وكأني قادمة من عالم آخر. أشعر بغربه فضيعة كأنني غير قادرة بعد على الانسجام مع أحد، بحيث أنني اليوم لا أزور ولا أزار إلا ضمن خيارات محددة صارمة. دعوتُ مرةً في منزلي مجموعة من الشاعرات والفنانات والمثقفات العمانيات وحاولت أن أقيم صداقات معهنّ، فلم أقدر بسبب هيمنة مناخ منغلق وأفكار مسبقة، ففضّلتُ عزلتي. لا استطيع أن أرى بنات جلدتي مُختطّات بالسواد من أعلاهن وحتى أخماص أقدامهنّ. لقد اختنقت وكانت هيئتي غريبة بينهنّ، ولم انسجم معهنّ في نهاية المطاف. لذا غالبا ما أدعو اصدقاء لي من خارج عمان، كان آخرهم الشاعر سعدي يوسف .

وفي العودة إلى الطفولة أذكر أننا كنا نقضي في المدرسة أكثر الوقت . أذكر الساحة الكبيرة فيها ودروس الموسيقى ودرس التاريخ . بعض الاحيان يأخذوننا إلى الأماكن التاريخية مثل آثار بابل والمدرسة المستنصرية، العباسية، التي لعلها أقدم جامعة في التاريخ. كانت المدرسة تقع بين الأعظمية وباب المعظم . أتذكر باب النصر قرب الحلة أي باب مدينة بابل العتيق، باب عشتارالذي رأيت نسخته الأصلية في متحف الفن الإسلامي في برلين. بعد سنوات لاحقة رأيتُ مثل هذه الآثار الرافدينية في متحف المتروبوليتان في نيويورك. تجربة بغداد مفصل مهم. مرة زارني صديق وقال لي : لو انك لم تقطني العراق لما أصبحتِ فنانة، وكان كلامه صحيحاً .

الآن ما الذي يبقى في ذاكرتي من ذلك كله؟. حديقة بيتنا والمدرسة والآثار ثم الإخوة. لم يكن إخوتي يقربوا مني. كانوا يخافون لأني كنت مدللة، خاصةَ لأني كنت الأصغر سناً من بين الجميع في البيت . القيلولة كانت من الطقوس المهمة يومها في الصيف. لكن إخوتي كانوا يتقافزون كالشياطين في عز الظهيرة لأنهم كانوا يرغبون باللعب في الحديقة بدل النوم . كنت ألاحقهم وكانوا يطردونني .

وصلت الصف الثامن، أي المرحلة المتوسطة كما يُقال في العراق .

بعد أن كبرت قليلاً بدأتُ أحب القراءة. وعلى الفور شرعتُ باالاطلاع على جون بول سارتر وسيمون دي بوفوار مثلاً، بل كولن ولسن الذي كان مشهوراً أيضاً في تلك الفترة. صرتُ متمردة وأتحدث بكلام أكبر من وعي من هو بمثل سني . الشيء الكثير مما كنت أقرأه لم أكن أفهمه تماماً وبدقة. بعد أن كبرت أكثر من ذلك بدأتُ أفهم بطريقة أفضل. كانت تلك الكتب موجودة في البيت، ولا أعرف لمن كانت تعود. بعد ذلك صرتُ متمردة على كل شيْ رغم أنني كنت منذ البدء امرأة محافظة بمعنى ما وتقلدية في بعض الاشياء. لعل البعض يجد في كوني متمردة وتقليدية في آن واحد مفارقة. منذ وقت جد مبكر لم أكن أحب التبرج وكنت ارتدي ثياباً جد محتشمة. وفي هذا السياق أذكر أن أصدقائي الذين أجالسهم لاحقاً، خاصة من العرب، كثيرا ما كانو يقولون لي بأنهم ينسون أنني امرأة تقليدية، لأن حواراتنا كانت تنطلق من الفكر أولاً ومن فكر لفكر .

تركت بغداد في بداية سنوات السبعينيات، عام 1972م، ثم زرتها عام 1976 كما أظن، زيارة قصيرة، ولأم أرها من حينها حتى اليوم .

أمضيت الثانوية والمتوسطة في مسقط.. في تلك الفترة لم أتأثر بأستاذ من أساتذتي لكنني كنت منذ وقت مبكر أحب شغل الراحل شاكر حسن السعيد وأفكاره حول التدين واحترمها. ولاحقا بعض أعمال الفنان السوري الراحل فاتح المدرس وأفكاره كذلك. لوحاتي الأولى فيها كثير من شاكر السعيد. بعدئد إلتقيتُ يهما وانعقدت بيننا علاقه روحية كبيرة. كان المدرس يحب ويقدر شغلي، ودعاني الى سوريه جيث أقمت معرضاً في دمشق عام 1992 إذا لم تخني الذاكرة. كان هذا اول معرض لي خارج عمان بعد الشارقة. وقد استغرب البعض حضور فانة عمانية ترسم لوحات تجريدية. كان الفكرة السائدة أن العمانية منقبة وترسم الجِّمال. في سوريا زرت الفنانين في بيوتهم، مثلا نذير إسماعيل ونزيه اسماعيل ونصير شورة. ما زلت أتذكر سلّم بيت نزيه اسماعيل،

منذ بعض الوقت سألت صديقة سورية فيما إذا كان نزيه يسكن في المكان نفسه. وهو ما زال لكنه صار يتوقف ليستريح عندما يصعد ذلك السلم . مشهور سلم نذير هذا، فمن يصعده وهو مصاب بمرض في القلب يتعرض لمشاكل جمة لوعورته. أذكر كذلك زوجته المصريه الشلبية من بين ذكريات جميله في سوريا .

العودة إلى مسقط :

ثم أنني أنهيتُ المرحلة الثانوية في مسقط بعد بيروت. كنت في مدرسة مسقط الثانوية .لكن روائح الأضرحة والأماكن التي زرتُها أو عشتُها ما زالت في أنفي حتى اللحظة. ويحدث أن تختلط الروائح عندي بالألوان. لكل رائحة لون . أنا استعمل على الدوام ألوان الطبيعة في أعمالي وهذا الأمر معروف عني جيداً. ألوان أجلبها معي من السفر، خاصة من الهند. استعمل أحيانا أخرى لون القهوة للتدرّجات البنيّة. أحيانا الشاي والأعشاب المجففة، وكلها للبُنيّات. كما أني أصنع بنفسي عجينة الورق الذي اشتغل عليه. عندما اسافر أجلبه من تلك الأماكن الآسيوية التي يباع بها الورق: كوريا الصين. تغير نوعية الورق وتلك الألوان ملمس العمل .

اعتقد بأنني خليط من عدة حضارات وتجارب وملل وعقائد ومذاهب. وهذا ما تكلم عنه ربرتوا تشلي واهتم به . ..

عندما عدت من العراق إلى مسقط عام 1972م لم تكن المدينة مثلما هي عليه الآن، فقد شهدت تغيرات من حيتها تعيرات معمارية وإنسانية وثقافية .

في ذلك العام، بداية السبعينيات، كانت توجد مدرسه واحدة فقط للبنات . وكان هناك شارع واحد. كنا نتنقل في سيارات “الجيب” لأن الطرق جبال وعرة . كما كانت توجد في مسقط إذعة واحدة هي عبارة عن غرف قليلة مبنية بالخشب . الشخص نفسه كان يقوم بعدة أدوار ووظائف، فهو ذاته من يقوم بتحرير الاخبار ويقوم بدور المذيع. لم يكن يوجد تلفزيون بطبيعة الحال. عندما تأسس التلفزيون بعد ذلك اشتغلت به بصفتي مذيعة ومهندسة ديكور .

لكنني أتذكر أكثر ما أتذكر نساء مسقط.. كنَّ يليسن الثياب الملوّنة بألوان حارة بهيجة، المنقوشة بالورود والزهور. كان منظرهنّ زاهياً كأنهنّ فراشات ملوّنة. بل أستطيع القول أنهنّ كنّ يتمتعن بحرية في ارتداء الملابس. كانت ملابسهن العمانة هذه تميزهنّ بشكل لافت. ملابس جميلة أصلا، منها كان يسمى ماكسي ولحاف. واللحاف هو الذي يوضع على الراس. كان القماش من الويل الخفيف. كنا نتبين الشعر من خلال اللحاف، وليس كما هو الحال اليوم .

كانت أكثر بيوت مسقط مبنية بالطين والحجارة. كانت بسيطة وصلصالية، ولم يكن توجد الكهرباء حتى سنة 1970م. كانت الحياة في غاية الصعوبة جدا وذات إيقاع ممل . كان الأكل غير صحي أيضاً لأنه كان يأتي من خارج البلاد. كان مجمدا ماعدا السمك الذي يأتي من البحر فورا وكان رخيص الثمن وطازجًا، خاصة وأن عائلة مثل عائلتي كانت تسكن أمام البحر مباشرة. في العراق كان بيتنا أمام نهر دجلة أيضاً، وكانت حديقته تُسقى من النهر الواقع خلف المنزل تماماً. اليوم أسكن فوق جبل في مسقط، في منطقة مرتفعة. ليس البحر أمامي اليوم لكنه لا يبعد سوى خمس دقائق في السيارة. في أكثر من مناسبة تحدثت عن السور في مسقط المحفور في ذاكرتي. المغامرة البيروتية :

ذهابي إلى لبنان يستحق وقفة كذلك. إذ عندما عدت إلى العاصمة العمانية لم يكن يوجد صف ثامن، الأمر الذي دعى عائلتي إلى إرسالي إلى بيروت عن طريق اليونسيف ضمنب رنامج دراسي خاص . كنا بنتين وبضعة شباب .

سكنا في بيت من بيوت الطالبات، كان هناك مشرف مسئول عنا. كنا لا نحبه . كان ثقيل دم. أينما توجهنا كنا نراه أمامنا كالجني الذي يود كتم أنفاسنا . لطننا لم نكن نعره اهتماما يُذكر. كنا نتحايل بكل الطرق لكي نفلت منه .

أتذكر الحلاق الشاب يومها الذي سألتُ عنه في زيارتي الأخيرة فقيل لي أنه قد توفي. لكن مكان المحل ما زال قائماً. تغيرت قليلا، لكن ما زالت تتمسك بالأجواء التي عرفتها نفسها. الاماكن الداخلية في بيروت لم تتغير، من الخارج فقط تغيرت المدينة. في زيارتي الأخيرة لبيروت شعرت أن مكان إقامتي القديم هناك إنما هو مثل الأماكن الشعبية عندنا حالياً بعد أن لحقتنا بركب المدنية والحداثة .

في زيارتي قبل أشهر قلائل ماضية لبيروت عاودت زيارة المكان، . عملياً لم أجد شيئا قد تغير سوى التفاصيل الصغيرة. التغير الكبير حسب مشاهدتي وقع خلف الحمر على جهة الجامعة الامريكية بينما بقيت منطقة الجامعة مثلما هي هي . أتذكر شارع الحمرا ومقهى الهورس شو والستراند وسينما الستراند والمكتبه التي تنزل لها عبر سلم. عندما زرت ذلك كله بعد عشرين عام بمناسبة معرض لي في الهورس شو، كانت الشوارع والارصفة مخربة وصور الخميني والسيد حسن نصر الله تملأ الشوارع. لكن الوضع في زيارتي الأخير كأن أفضل قليلا لجهة حضور القليل من الصور والملصقات على الأقل. لقد قابلت هناك في الفترة بعض الذين اعرفهم وهو أمر سآتي عليه لاحقا .

في بيروت كانوا يعطوننا برنامجا مكثفا خاصاً للعمانين حصرياُ، وكان يشمل كل أمر يخطر على البال : برامج كشفية ورحلات ودروس في الطبخ وموسيقى ورقص الدبكة وجميع أنواع الترفيه، وكذلك زيارات إلى مدارس الأيتام والمعوقين. كانو يسمون مدارس الأيتام يسموتها الأم البديلة: نأخذ مجموعه من الأولاد ونكون مثل أم لهم . كان منظر الأولاد يثير الألم وكانوا فرحين بزيارتنا لهم. كا4نوا ينتظروننا بفارغ الصبر كل اسبوع وقد ارتدوا أحسن ملابسهم وكنا نقدّم لهم الهدايا . كانو يسكنون “الجبل” بين أشجار الصنوبر والكرز . كان مشهدا بديعاً حيث رائحة الأعشاب البرية التي كنا نقطفها عند العودة من أطراف الطريق وسط الأحراش. أثناء ذلك كان السائق يضع طوال الرحلة أغاني فيروز ووديع الصافي وصباح ولم يكن الراديو ليصمت لحظة واحدة .

عند عودتنا أثناء الإجازة إلى مسقط كانت العودة كابوساً حقيقياً. كان الأمر صارماً فقد كان أهلونا يعلنون انتهاء الدراسة وضرورة العوذة من الغد إلى مسقط، لا جدال . كان قانونا صارماً إذ ليس مسموحًا بعد انتهاء الفصل الدراسي أن نبقى في بيروت يوما واحداً .

طُلب منا في بيروت مرة عام 1975 أن نحضر مناسبة ما. فيها التقيت الشاعر البحريني قاسم حداد وكان قد خرج للتو من السجن، وكان يتحدث عن تجربته في السجن. وكان ضعيف العود. لكنني لا أحب السياسة وكان كل اهتمامي أيام بيروت بالفن والكتب والشعر. في تلك الفتره لم نكن نرتوي من السينما. كانت السينمات في بيروت تتسابق في عرض أحدث الأفلام. كنتُ في فترة المراهقة وكانت أغاني زمان وأيام الديسكوا جميلة بل قد أقول إن كل شيء كان أجمل . كنا في فترة “الزمن الجميل “.

قضيت سنتين في بيروت، وكان عمري 15 عاماً. عندما انفجرت الحرب هربنا إلى مسقط من جديد. الدراسة في بيروت لم تُحسب لنا على أي حال .

من مسقط إلى القاهرة :

بعد بيروت ذهبتُ إلى القاهره مع مجموعة من الطلبة للدراسة في مجال التلفزيون . كنت مع شابتين وبضعة شباب منهما من رجعا متزوجين. أحد المبتعثين صار وزيرا للإعلام وآخر وزيراً التربية. جل الذين كانوا معي صاروا سفراء ووزراء في الحقيقة .

بقيت في القاهرة. سكنا في مصر الجديدة، ومنها انتقلنا الى الدقي. وكانت هناك دورة دراسية مكثفة خاصة بنا فقط.. من جهتي فضلتُ دراسة الديكور لأنه كان يستجيب لهواجسي من بعيد .

عند عودتي الى عمان اشغلتُ في التلفزيون بصفتي مذيعة ومصمّمة ديكور ..

كنت أصمم الديكور أنا بنفسي لعدم وجود غيري. لم يكن الحجاب موجوداً . كان هناك سنة 1975 ثلاثة مذيعات عمانيات بدون غطاء الراس . في غالببية العالم العربي كان الأمر على هذه الشاكلة. لم نكن نعرف “العباءة “.

مغامرة “رواق عمان” في مسقط :

بعد العمل في التلفزيون أكملت دراستي في مادة القانون واشتغلت في وزارة الخدمة المدنية العمانية بصفتي باحثة قانونية. أما لماذا درست القانون، فلم يكن الأمر خياراً محضاً، فقد طُرحتْ علينا ثلاثة خيارات اخترت القانون من بينها. وصار عندي بنت وولد. بقيت أعمل في الوزارة حتى تركتها لكي أفتتح لي غاليري للفن التشكيلي في أبهاء أحد الفنادق في مسقط .

كانت فترة الوظيفة من أصعب المراحل في حياتي، فقد كنت موظفة وعندي اطفال طفلين وكنت أدرس في الوقت نفسه، مع حياة زوجية مضطربة تحملـ فيها وحدي عمليا المسؤولية. كانت أياماً صعبة ا .

كان أول غاليري في عمان، وحمل اسم “رواق عمان”. عرضنا فيه أهم الفنانين العرب مثل فاتح المدرس وشاكرحسن واسماعيل فتاح الترك والمغربية شعيبية . كان مغامرة في البداية. وقد قلت في سري أن لا أحد سيعرف تلك الأسماء، لكنني فوجئت بإقبال زوار الغاليري من نزلاء الفندق حيث كان يقيم ضيوف البلد من جميع الدول من غير العمانيين. كنت أفاجأ بالضيوف المنحدرين من جميع المستويات: شخصيات معروفة سياسياً وفنياً وادبياً. لدي حتى الآن دفتر كانوا يسجلوا فيه انطباعاتهمعن الأعمال المعروضة. كانواميندهشين من أسماء الفنانين العارضين. لم يدر بخلد البعض منهم أن أعرض لشاكر حسن مثلاً. ذات مرة زارتني سيدة كويتية وفوجئت لكثرة الأسماء المرموقة التي عرضتها. كان الغاليري بالنسبة لها كنزا تشكيلياً , لأنها امرأة ثرية وقد اشترت مني مجموعة كبيرة من الأعمال المهمة .

اليوم أجدني نادمة قليلاً لأني بعت بعض الأعمال خاصة لوحات شاكر حسن السعيد .

بعد الحرب التي هزت المنطقة عام 1980م حدث قطيعة. كانت فترة الغاليري أهم فترة من فترات حياتي على المستوى الشخصي. فقد التقيت بناس من كل الأجناس، بعضهم كان شغوفا بشغلي التشكيلي، خاصة اليابانيين والألمان. كانت فرصة بعت فيها الكثير من أعمالي التي لا أعرف الآن أين استقر بها المطاف في كل مكان من العالم. كنت أحصل على تقدير رفيع وإعجاب عال من أولئك الزوار المشترين، وكنت بالنسبة لهم أمراً كبيراً وعظيماً

كانت تجربة مثيرة. كان بعضهم يرسل لي رسائل شكر ويصور لوحتي المعلقة على جدران بيته معتزا بها أشد الاعتزاز. هذا كان كثير يسعدني ويرفع من معنوياتي. من جانب اخر كنت كثيرة الحيرة من بعض، حتى لا أقول الكثير، من الاصدقاء الذين يكرهون نجاح الآخر .

كان زبائني من السفارات الفرنسية والجالية الالمانية. كانو في الغالب من الأجانب. كل أسبوع كنتُ أغير اللوحات، ففي كل يوم خميس تأتي مجموعة من الفرنسيين والامريكان الموجودين في البلد. صار يوم الخميس بالنسة لهم دزءً من برنامجهم .

وهذه كانت مسؤولية كبيرة، فكيف نحافظ على حب هؤلاء للغاليري حديث العهد في مدينة مثل مسقط؟. لقد كان هذا الغاليري أروع شيء انبثق في حياتي. كنت أبدا الدوان من العاشرة صباحا ولا انتهي حتى االعاشره مساء. كان يشكل حياتي كلها.وهناك كنت التقي أصدقائي بنماذج من أرقى المثقفين. كل الشخصيات التي تخطر على البال التقيت بها هناك، وكان البعض يستغرب أنني من عمان. قيل لي يومها أنني والغاليري الواجهة الحضارية لعمان .

مرة زرارني شخص أجنبي في الخمسين من عمره تقريبا مع زوجته، بهندام بسيط ويلبس الجينز. دخل وفورا اهتم باللوحات، وذكر لي بأنه يعرف جيدا الفنانين المعروضين يومها، وهم نوري الراوي ورافع الناصري وعلي طالب وغيرهم من الفنانيين العراقيين. عندما سألته عن اسمه، فوجئت بأنه “كولبنكيان “

روى لي أن عائلته أنشأوا متحف الفن الحديث في بغداد وهو من قام بإرسال أولئك الفنانين في بعثات خارجية لدراسة الرسم. روى لي الكثير من هذه القصص

كان يزور الغاليري أيضا بشكل منتظم الشيخ حسن من قطر، وهو من قام بإنشاء أكثر من مجموعة تحولت إلى متاحف في الدوحة. دمث الأخلاق، متواضع . كان يحلو له الجلوس في الغاليري، أو يدعونا في جناح الفندق الذي يقيم فيه . ويشتري في كل مرة أعمالا من الغاليري .

كان ضياء العزاوي يجيء أيضاً مع الشيخ حسن طيب الذكر .

للأسف أُغلق هذا الغاليري، عبر إشكاليات لا مجال لها هنا في عهد وزيرة السياحة ورئيسة مجلس ادارة الفندق الذي يحتوي الغاليري، رحمها الله. كان الفندق تابعاً لوزارة السياحة. أرادوا توسعة مكتب مكرس لخدمات الكومبيوتر فأظافوا الغاليري للمكتب. زهكذا بكل بساطة انتهت فترة واحد من أهم الغاليرهات في منطقة الخليج .

التكرّس للفن التشكيلي

لكن إغلاق الغاليري دفعني بشكل جذري لأن أكرّس ذاتي للعمل الفني. صرت أرسم بكثرة وأسافر كثيرا. ما زال حلمي بالطبع أن يكون عندي غاليري فقد أحببت هذا العمل الحيوي. وقد تعرفت عن طريقه على الكثير من الفنانين والمثقفين العرب. واكتشفت أن بعضهم لا علاقه له من بعيد ولا من قريب بالمجال الفني وعمقه العميق. آخرون لا يستطيعون التفريق بين التجريد والسوريالية. شاعر مشهور قال لي أنت سوريالية، ناقدة مشهورة ذكرت أن في أعمالي تفجرات لونية في حين أنها في غاية الاقتصاد اللوني .

كانت علاقة بعض المثقفين العرب بالمرأة مشوبة بالكثير الذي يمكن أن يُنقد. أحدهم كان يحتقرها بصراحة. لم أكن أشعر وسطهم بأنني امرأة بالمعنى التقليدي. كنت بالأحرى صديقة أو أختاً. فلم أكن ذات غواية. كنت قد اتحذت قراري بأن أقف بمسافة من الآخرين ولا أشترك بأيّ من المسرحيات. كان من المقرف أن ترى البعض منهم ثملاً والآخر يقوم بشتيمة صاحبه. كان الرجال يخافون مني لأني كنت صارمة في تلك الأمور. يسمونني أخت الرجال .. .

بعضهم في الندوة الباريسية لم يكن يعرف أين تقع عمان. ومن الطرائف أنني عندما أخبرت سفير عمان في باريس منير مكي أن بعض هؤلاء الناس لا تعرف عمان، قال بأسلوب بين الجد والهزل، بأننا من دون مشاكل لذا لا يعرفوننا . هناك التقيت بالكثير من النساء مثل نوال السعداوي التي أحترمها كثيراً، وأحلام مستغنامي قبل شهرتها كانت معنا أيضا ميسون صقر القاسمي التي كانت تشتغل وقتها مسؤولة في المجمع الثقافي في أبو ظبي، كما الفلسطنية ليانة بدر. بهذه المناسبة أتذكر فوزية أبو خالد التي كانت صديقتي في بيروت عام 1973.وأتيل عدنان وسيمون صديقتها. كانت المرة الأولى التي ألتقيت بإيتيل مرتين فقط مع الاسف في باريس، لكننا عرضنا كلانا سويا في دول أمريكا . بحوزتي اليوم فيلم قصير عنا. وحسب ما ذكرت لي فإنها المرة الأولى التي كانت تُصوَّر في شريط. قد أنشره قريباً، وفيه نتكلم عن الاشياء المشتركة بيننا كالنظافة، أما سيمون فتشرح في الفيلم، وقد أعجبتني حياتها: ليس من مسؤوليات ولا أولاد وتسافر كثيرا مثل االطيور المهاجرة. شقتها هادئة وجميلة، وهي في غاية الجمال، وقد التقيتها في معهد العالم العربي في ندوة إبداع المرأة عام 1994.

اليوم استغرب من رؤية النساء المطالبات بالحرية وهنّ يرتدين النقاب او الخمار. أي حرية تكمن خلف ذلك. لا أفهم .

السفر بوصفه تجربة جمالية :

بعد الغاليري لم أقم تقريباً إلا بالرسم والسفر. زرتُ الكثير من متاحف الفن في العالم والغاليريهات الكبرى واطلعت عل كثير التجارب الحديثة،وقفت مذهولة، أمام الأعمال الأساسية العظيمة في تاريخ الفن العالمي. تيت غاليري اللندني، المتروبوليتان في نيويورك واللوفر والمتحف البريطاني، متاحف الفن في سويسرا التي زرتها كلها، برشلونة، متحف بيكاسو، النمسا، أامستردام، النروج، السويد ، الدنمارك، فلندا، ثم سان بطرسبرغ وموسكو . استمتعت كثيرا في روسيا حيث رأيت العجب العجاب في متاحفها الوطنية كالمجوهرات التي هي شغل جمالي وحرفي رفيع. كما زرت اليابان وكوريا وماليزيا هوونكونك والصين وبانكوك وسنكافوره وشنغهاي والفلبين .

من لندن الى نيويوك انتقلت في الباخرة كوين ماري وكان الأمر بديعاً حيث سبعة أيام كاملة وسط المحيط، بعدها ذهبت إلى فانكوفر في كندا ثم سان فرانسسكو ولوس أنجلس وهوليود ولاس فيغاس

ثم انتقلت إلى أقصى مكان في الاسكا ورأيت كيف يذوب الثلج .

أول مرة اخذت فيها الباخرة كانت من برشلونة. ثم انطلقت إلى باريس فإيطاليا ثم جزر كابري وروما فاليونان ثم كرواتيا. ومن لندن انطلقت إلى الدول الإسكندنافية كلها لأصل إلى موسكو. أما رحلتي الثالثة فكانت من لندن إلى أمريكا. رحلة أخرى انطلقت بها من تركيا إلى إيران فالهند وباكستان .

في بعض بلدان جنوب شرق آسيا تلاحظ أن الكثير من الأشياء مقلدة بشكل مفضوح . اليوم عندما أرى عملاً فنياًأعرف إذا كان مقلداً أم لم يكن . صَوَّرتُ جميع البلدان والأماكن التي زرتها. كل الصور الفوتوغرافية في أدراج مكتبتي. وهي ثروة فوتوغرافية ثمينة يمكن أن يخرج منها كتاب ضخم .

زرت أيضا جميع مسارح العالم وأجملها .

عند العودة من تلك الرحلات قد يصاب المرء بفقدان التوازن الثقافي جراء ما رآه وما قارنه بما يجد في بلداننا. كنت أتساءل أين نحن من هذا العالم، ومن هذه الانجازات العظيمة في كل ميدان معرفي ومعماري ومديني، خاصة التشكيلي. عندما نتطلع إلى الفنانين في منطقتنا لا نعرف كيف دخلوا منطقة الفن، ففي الوقت الذي تعرف أن البعض منهم لا علاقة له به تسوّق لهم بعض الغاليرهات التي لا تعرف هي بدورها الكثير عن الفن. النتيجة أنهم يصدقوا بأنهم فنانين بالفعل، ثم يقع تصنيفهم في إطار وضعية اجتماعية محددة ليبدأوا باقتراح أسعار مرتفعة لأعمالهم. هنا يضيع الفنان الحقيقي. أعرف من نصحني صغيرةً، قائلاً لاتجالسي أنصاف الموهوبين أو أنصاف الفنانين والمثقفين. استوعبتُ النصيحة وما أزال أتذكرها .

عبر تربيتي لأولادي، فتحت الباب لهم أن يجربوا الحياة، وحرصنا ان يتعلموا في الخارج ويعيشوا تجربتهم الفردية. ففي نظري يكون الحداثيّ حداثيا في جميع شؤون حياته، وفي تفكيره وعيشه ولباسه وفي بيته، لأن تلك المظاهر المتنوعة مرتبطة بشكل وثيق مع بعضها .

رأيت المتاحف بوقت متاخر بعد أن تبلورت تجربتي في الفن لحسن الحظ, سوى ذلك أظن بأنني سأضيع وسط هذا العالم الجمالي والأسلوبي الزاخر بالابداع .

سفراتي ال جنوب شرقي آسيا تمثل عالماً آخر . إن علاقة شعوب هذه المنطقة بالحداثة وما بعد الحداثة واهتمامها العميق بالفن ومتاحفها وكتب الفن والترجمه شيء مهول. إن طوابير البشر على المتاحف والغاليرهات والإقبال على إبداع واقتناء التحف تجعل من الظاهرة الفنية هناك أمراً حياتيا ووجوديا . إنها شعوب تحب الفن بشكل عميق كما لو أن علاقتها متأصلة فيه، فهو يشكل جزء من نسيج حياتهما. إنهم يبرعون كذلك في إنتاج الأعمال اليدوية. إننا نشعر أن طبيعة البشر هناك تقوم على التفتح والانفتاح على الحياة وتقبل الجديد . هذا القبول لكل مستحدث ظاهرة تقع من دون التابوهات التي تكبل طاقة الإنسان الخلاقة. لاحظت في نفس الوقت أن كثيرا من الشباب متمسكون بمعتقداتهم الدينية والروحية ويمارسونها في أماكنها االمنتشرة بوفرة في بلدان شرق آسيا. لعل أدونيس القائل نحن شعوب منقرضة مصيب في كلامه، نحب الرجل أو لا نحبه .

علاقة بيني وبين العالم النباتيّ ايضاً. عندي في حديقة المنزل حالياً شجرة ليمون زرعها بيدي، وكذلك شجرة تين وشجرة “ببايه ” وأشجار ليمون حلو وموز. اهتم بالزهور أقل من اهتمامي بالأشجار .

الحديقه مهمة للغاية بالنسبة لي. أمضي اكثر وقتي في هذه المساحة الخضراء. حديقة صغيرة يقع مشغلي خلفها، في قمة الجبل حيث أطل على فضاء مفتوح شاسع. لا أستطيع العمل في أماكن مغلقة، يشعرني الأمر بالاختناق. جل عملي في خارج المشغل، لا أرسم داخله سوى عندما يسخن الجو في الصيف فاضطر للدخول فيه .

لا أعمل على لوحة واحدة بل على سلسلة من اللوحات، وعلى عدة مراحل : مرحلة أولى وثانية وثالثه وهكذا. أرسم وأمحي على عدة طبقات حيث هناك الكثير من الكشط.. ويمكن أن أترك اللوحة لأعود لها لاحقاً. أعرف أن اللوحة قد اكتملت عبر الخبرة، وليس الحدس، التي تكونت عندي بعد كل هذه السنوات من العمل التشكيلي. أنا حرفية ليس بالمعنى الحرفي للكلمة بل بمعنى أنني أعرف ماذا أعمل. في الشغل التشكيلي هناك التكنيك اكثر من شياطين الشعراء . كلما نتقدم بالعمر نفقد هذا الحدس، وطوبى لمن يحافظ عليه. لو أني محوت خطا من هنا أو أضفت خطا هناك فإنني إما أضيف للعمل توازنه او أني أُفْقِده إياه.. إنها مسألة بمنتهى الحرص والدقة. ليس من فوض بل قوانين نلتزم بها ويحاسبنا عليها الناقد القابع في دواخلنا، خاصة وفق الطريقة التي اشتغل بها

الناقد في داخلك قوي وقاس، وعليه أن يكون قاسياُ فذلك لمصلحة العمل .

 

---

 

Director of Molhiem Museum, Al Ror Region, Germany

Professor in Art Criticism and Beauty Education, Researcher in Arts

I have been able to get some knowledge of Arab art. I have studied Arab art through the works of important artists such as Fakhr Al Nisa and Moroccan & Algerian artists living in Germany. I have also presented these artists’ works in many exhibitions organized here.

I have noticed two trends in the works of these artists. The first one attempts to utilize the Arab-Islamic heritage and its symbols. The second trend is concerned with depicting the current situation, portraying daily life in fishing & rural communities, and depicting the features of contemporary Arab life.

Somewhere in the middle of the two trends stands the (hurufi?) experimental art, which dominates the Arab arena. It has utilized the traditions of Islamic arts in terms of decoration and architecture, keeping away from portraying the human beings and living creatures.

Nadra Mahmoud, currently organizing an exhibition here, does not belong to any of these trends. In fact, she is another picture of the Arab arts, one that reflects on the abstract. She gives away her entity and soul to the painting, utilizing Oman’s spiritual worlds, natural colors, life and environment. She belongs to the colors of the sea & sky as well as the colors of the mountains, rocks and desert sands.

These colors have formed a memory that has been reshaped within the framework of spiritual worlds in order to make an impact on the painting.

Nadra’s works reveal to us the inner feelings of a child, still living in the artist. She does not wait for the child to depart, she wants him to remain and play, in a bid to make him express her deep psychological feelings.

As audiences, we need to halt and reflect on these works from a close range. We need to touch the worlds that form the smaller paintings within the broad painting. Through this reflection, each one of us can reach his entity and soul.

We have noticed that Nadra uses spiritual colors which are different from the ones used by the European artists who adopt abstract methods.

Nadra’s works would be understood and accepted by the European audiences, because her works have a universal and human dimension. In other words, the European audiences do not need to refer Nadra’s works to the traditions of the European abstract art. An objective eye can easily pick up and understand the meaning of these paintings and appreciate their value.
Going through the exhibition, I concluded that it is by a lady artist who tries to reflect on her live and express her psychological & spiritual feelings. She is married with two children, whom she loves and carries with her wherever she goes, through her paintings and sprit. She has a soul of a woman and child, something reflected in her live and works.

In addition to the painting tools, Nadra uses her hand and feelings while drawing her paintings. The impact on the painting has been made by her hand and fingers, something you grasp the more you have a close look at the work’s formation and elements. The surface of the white paper has been shaken by the awareness and feelings of the artist.

Rather than random utilization of effects, the process is an exposure of the self, and a challenge for the painting to reveal its true shape and content.

Finally, I would like to express my gratitude to the management of the Rore Museum for presenting to us a pioneering Omani and Arab artist, who stands on equal footing with any European artist in terms of artistic struggle and honesty. She presents us with an art that defies the routine of daily consumption.

It is a civilized human and cultural mission the Rore Museum has started, namely presenting works for distinguished artists to the German public who are thirsty for dialogue with other cultures. Nadra Mahmoud’ s exhibition has given us the opportunity to know a human being from our globe and to know her culture, struggle, and ambition for work, survival and live. She is an amazing artist with beautiful style, technique and sprit.

 

---

 

Al-Quds Al-Arabi

Qualitative Contribution by a Contemporary Professional Artist Nadira Mahmoud and Modern Abstract Trends

Anwar Badr
Muscat- Al-Quds Al-Arabi

It is a must for you to meet artist Nadra Mahmoud whenever you visit the Sultanate of Oman. Having organizing art exhibitions in all Arab capitals and most European and American cities, Nadra Mahmoud has established herself as a well-known cultural figure in the city of Muscat.

I entered Nadra’s house in Al Qurum, one of Muscat’s beautiful quarters. Built on a high place, the house has a green and spacious garden, full of red and white roses and flowers. Had it not been for the high humidity of Muscat in August, I would have thought myself to be entering my small house’s garden in Damascus.

In the garden I had a rich conversation with Nadra in which she told me about the types of plants, and her daily routine of taking care of the green area of the house. The green color makes beautiful contrast with the white color of the house and the white dress Nadra wears.

The house is Nadra’s excluded kingdom, where she cooks and takes care of her small family. It seems that she has decided to lead a quiet live, after she had enough of traveling and noisy atmospheres.

After our conversation in the garden, we visited Muscat Inter-Continental Hotel, where in 1993 Nadra had opened the first art gallery known as Oman Ruwaq. In the gallery, Nadra presented the works of senior Arab artists such as Fatih Al Mudaris, Shakir Hassan Ismail and Fattah Naja Al Mahadwi. Moreover, she received Arab and world intellectuals like director Roberto Teshello, Saadi Yusif, Sarkun Fadhil Azzawi. Nadra’s paintings are still on the hotel’s halls and corridors, giving the place an atmosphere of beauty and modernity. She talked about her paintings in a manner of affection and love.

In the hotel’s hall a satellite channel was transmitting some horrible scenes of murder and destruction taking place in Beirut. From that scene, we started our interview with Nadra.

*How do you assess the current events in Lebanon?

Nobody doubts the aggressive nature of Israel, the policy of murder of children and destruction of trees is a testimony that the Zionist entity has got nothing in common with civilization and human progress. From a military point of view Israel is stronger than the Arab world. Nevertheless, wars can never lead to civilization. World community needs to raise the voice against the murder of children and uprooting of trees.

In the future, humanity will have the opportunity to expose Israel for what it is.

I lived in Beirut during the early 1970s, when it was the most beautiful city among Arab capitals. Then it was struck by the civil war and successive invasions of Israel. Yet, Beirut has remained a place of human innovation and creativity.

Make no doubt about it, Lebanon will rise out of destruction, and rebuild itself as place of civilization and construction.

* Reviewing your paintings, I noticed that you have a project of renewal for abstract art. Can you comment?

May be you are right, though I have not dared to make such a claim.

Since its emergence in Europe at the beginning of the previous century, abstract art has been changing and developing. The contemporary artist has been experimenting art within the framework of three forms: mechanical, (the word unclear) and engineering. This process has led us to the art of visual deception.

As far as I am concerned, painting and art in general are subject to the laws of biology and development. My painting utilizes abstract techniques, yet I do not constrain myself by the rigidity of any academic art school. Let us face it, art and life do develop, and any works or movements are bound to lead to physical change.

Therefore, critics talk about development in my work. They may mean that I keep away from the noise of hot colors, or may be they are amazed by the techniques I adopt in my paintings. In reality, I do not take any deliberate action to achieve any of these results.

By contrast, I like to be guided by my emotions while I paint. Moreover, I work on more than one painting at a time, connecting myself to numerous interacting chains. This is an attempt to treat the anthological shortcomings inherited in our human existence.

Thus, you may notice development and progress in my work. The process, however, goes upward in a bid to boost my artistic vision and abstract style. The moment you look at my work, you grasp my vision and style. The development the critics talk about is coming from experiment maturity, accumulation of knowledge, and depth of vision. In away, this is the biological principal I referred to in my answer.

Since my first exhibition in 1989, I have been engaged in painting, motivated by the belief that art is an energy which helps me to go on living. During these two decades, I painted, worked on experimentation, and visited world art workshops & exhibitions.

In the process, I have acquainted myself with outstanding experiments and discovered new techniques. This has enriched my visual memory and given me spiritual energy to reach new horizons & dimensions.

*Talking about spiritual energy, your paintings reflect some oriental Sufi trends. Do you agree?

 The Arab-Islamic culture knew abstract ideas before Europe had known it. The conflict in the Arabi-Islamic culture between Al Tashbih (metaphor) and Al Tanzih (some things are unique) is similar to the conflict in the Western culture between concrete and abstract.

In this contest, Sufism is a form of presentation and intuition. I strongly believe that the outcome of art can never be one hundred per cent motivated by the mind. By its very nature art is based on intuition. It digs deep into the individual and collective sub-conscious so as to present us with a vision for the world, life and things.

In addition to the Sufi abstract, we find an engineering or mathematical abstract in the Arabic-Islamic culture, which looks in the relationship between figures and engineering forms. Sadly, this element deteriorated into what is now known Al Arabisic, the use of engineering units in repetitive patterns that we see in the Islamic architecture and decoration.

Nevertheless, freedom of expression and independence of artistic work would put the abstract arts within the framework of oriental Sufism. This is true particularly when you look at the relationship between the work and its audiences as a matter of internal feeling rather than visual reflection of light rays on the eye.

We need the audiences to interact with the questions coming from the artistic work. In Sufism language this is called Mukabada (endurance) and Mujahada (mindfulness).

Within the traditional Arab-Islamic culture, there is an inherited misunderstanding between the abstract art and its audiences. The problem is that our culture is still dominated by what is concrete and clear rather than what is abstract and hidden.

* Then, how can we bridge the gap between us and the contemporary world?

From a cultural point of view, the Arabs do not have a meaningful dialogue with the contemporary world. The maximum we could do is to present some sort of folklore, costumes and crafts. Amazed by this, the world would applaud. Yet, folklore can not qualify us to be real partners in the creation of civilization and future of humanity.

The real issue is not the way the world views us, it is the way we view ourselves. We have exhausted ourselves in defining the concept of Asala (originality), by entering a fruitless debate that began by the failed Arab Renaissance of Al Afghani and Al Kawakbi.

Does originality mean to focus on the forms while ignoring deep-rooted values in our live?

Any school boy is capable of painting a horse, bird or a natural scene, but the heart of the matter is the way we express ourselves in happiness and rage. How do we express ourselves in love, faithfulness, and honesty, and how do we explain quandary and depression?

Let me tell you about my experience when I organized exhibitions in Spain, Germany, France and other European countries. People kept asking me: as Arabs do you have this type of advanced art? Do you have women who practice painting and organize exhibitions?

I think I had made a serious attempt in presenting a bright image of the Omani and Arab woman. I presented contemporary art and reinforced my entity and culture. Amazed by my work, they recognized my paintings as a significant addition to the world professional artists.

As Arabs, we are not making significant contribution to the contemporary world civilization, because we live at the margin of history. Some Arab intellectuals and artists have made efforts to enrich the human experience, but only on individual base, not collective one.

*Can you assess the significant factors that have made an impact on your creative experience?

These are two successive factors. The first is the Sufi culture. As I said, Sufism gave me a method to understand life in general and art in particular. The second factor is the Omani environment, namely the effect of topography and color on my visual memory.

I do not preplan the plot of my painting. I use small number of colors and avoid the conflict of hot and cold colors. This is the impact of Oman’s features on my visual memory, namely from the mountains, valleys, seas and summer humidity in addition to the television images.

 

---

 

NADIRA MAHMOUD

If I were to be asked  about the profound motives that made me an abstract painter, I’d say that they are the same reasons that make a poet writes a measure poem and another writes a prose one. I find greater freedom in the abstract art, although it is more difficult.  I think that the personification responds to an earlier stage and to an old view about the world, and its discipline is just a  matter of form, in many cases.

I feel that I was a different child, this that I discovered later. I was treated in a different way than my peers, at both, school and home. Even now, I feel I’m different. I still keep my childhood drawings, which I drew when I was in  the elementary school, and every time I come back to them, I wonder how I could draw them at that early age! These drawings might indicate, somehow to what I will be later. I painted men and women’s profiles. They were not abstract, of course, but were painted in a disciplined way, and I can say, with some exaggeration, that they were painted, almost, in an “academic” manner..

Our school, “The Model School” was near our house, and I used to go there on foot, with two of my brothers. It was for girls and boys. Our days start in the morning and end at four in the afternoon. The experience of dealing with boys was  such normal, and I grew up this way. My parents were open-minded, and even our friends and neighbors were enlightened. Today, when I hear strange dark ideas about women and veil, and useless controversies, with an empty content, which I did not used to hear during my early upbringing, I believe that social awareness in the seventies of the last century was much more enlightened and open minded. The current cultural climate makes me feel that I belong to another world. I suffer a terrible alienation. I am unable yet to get along with anybody. I do not visit anybody and nobody visits me, except strict specific cases. Once, I called a group of Omani poetesses, artists and intellectuals to visit me, and tried, in vain, to set up friendships with them, due to the dominant closed atmosphere and preconceived ideas, the matter that made me prefer my isolation. I can’t see women of my own kind wear black from head to foot. I suffocated and my style seemed strange among them. Finally, I couldn’t get along with them. That’s why I, often, call my friends from outside Oman, and the last of them was the poet Saadi Yousef.

Today I wonder: was I inclined to colors or to “figures”? I think that I was inclined to both, and this helped me later, because it gave me a solid foundation. In my early drawings, there wasn’t, necessarily, any color obsession, nor I showed any spontaneous tendency. I used to build my painting firmly. My works were different of my peer’s. I was versed of my tools, which was the main difference.. Today I can’t draw the same way, or in the same excellence. Now, I have a different mood and perspective toward painting.

The family I belong to, is interested in education and reading. My family members received their education, later, in universities outside Oman. Al Saidia, which located in the center of Muscat, was the only school in Oman. My family had the opportunity that enabled us to study our primary stage in Iraq, then, in Beirut, as, in Oman, there weren’t any schools before the 1970s. Everything was difficult. The city was walled. Our parents sent us to study in Iraq, because, in those days, it was the country which guaranteed the possibility of study for us, more than anywhere else. Add to that, Iraqi dialect is similar to the Muscat’s. The study outside Oman was dedicated to children, and only the children of the elite.

I am Omani. Muscat environment, geography and nature, had, no doubt, a significant impact on my memory, and left, in it, visual memories.. We know that the culture of the country and the place have, usually, a definite effect on people. I am talking about the impact of sea and homes in particular. It wasn’t permitted to paint houses but in a white color. This color would extend to the depth of my soul, and turn, later, to a continuous obsession. Due to this color, I became meticulous about cleanness. I like the style of the Omani house. White settled in my visual memory, the matter that, often, makes my eyes, spontaneously and in my subconscious, feel tired every time I look at other colors. For me, the house must be white, and even my clothes, most of them are white, also.

This candor is the most important element in any creative work. We miss this by repetition and time.

For me, recalling the childhood, now, doesn’t bear any bad memories. I belong to a big family, consists of four boys, the eldest has died, and three daughters, I’m the younger among them. My family is very religious, and mystical. When we were young we used to pray together at home, and woe was for those who abandoned the religious duties. Prayer is still important for my children today. Fasting, also, was essential in our home. We used to get strict religious education, from which we couldn’t free ourselves, a little, but in Lebanon, later.
In art, things do not come easily. They come as a result of the deep true experiences of life. That old painful experience caused me the biggest problem in following up my education, first in Iraq, and later, when it was treated in Beirut.

Early in my life, I met the poets Saadi Youssef and Fadel al-Azzawi. When, after twenty years, Al Azzawi visited Oman, I was the first person he asked about; because he was the one who discovered me, and wrote about me when I was twelve years old. I was studying, then, in Iraq, because there weren’t schools in Oman. He wrote about me in the weekly magazine Alef Ba’a, for which he was, then, the editing director. I still keep that issue. But he wasn’t the only one who spoke about me; Nazih Khater preceded him. Whereas, Salma Saleh, Al Azzawi’s wife, hold an interview with me, for the same magazine, when I was fourteen years old. I answered her questions in a mature way, and talked about freedom and slavery. I used to draw faces, and if someone asked me why did I do that? I would say: because face is the world, it is the summary of the world. Strangely enough, I have had the same thoughts, without any change, for forty years.

Back to childhood, I remember that we used to spend the most of our time in school. I still remember its large yard, and the lessons of history and music.

Now what remains in my memory from all that history? The Garden of our home, the school, the monuments and my brothers. My brothers did not come near me. They were afraid because I was spoiled, taking into consideration that I was the youngest in the house. Siesta was one of the important rituals in summer. But my brothers used to jump like devils prancing at high noon, they didn’t want to sleep, they wanted to play in the garden, instead. I used to follow them and they always drove me away.

I left Baghdad in 1972. In 1976, I went there again, and for the last time. I finished my education in the middle and high school in Muscat. At that period, I haven’t been influenced by any of my teachers. But, early in my life, I liked the late poet Shaker Hassan Al Said, and respected his thoughts about religion. Later on, I liked some works and ideas of the latartist Fateh Al Mudarres. My first paintings had the impact  of Shaker Al Said.  After that, I met them both, and established a great spiritual relationship with them. Al Mudarres loved and appreciated my work, and invited me to Syria, where I hold an exhibition, in Damascus in 1992,  I think. It was the first gallery I hold outside Oman, after my exhibition in Sharjah in 1989. Some people found it strange to see a female Omani abstract artist, since, it was widespread that  Omani woman is veiled and paints only camels. In Syria, I visited many artists in their homes. I visited, for example, Nazeer Ismail, Nazeeh Ismail and Naseer Shora. I still remember the unusual stairs in Nazeer Ismail’s  house. Some time ago, I asked a Syrian friend whether he still lives in the same place, and she assured me that he does, but he stops, now, for a rest, when climbing that stairs. That stairs of Nazeer is famous, because, due to its ruggedness, any heart infected one will face a lot of problems, while climbing it.. I remember, also, his Egyptian wife Shalabiah, among many other beautiful memories in Syria.

I think I am a mixture of multi- civilizations, experiences, sects, beliefs and doctrines. This is what Roberto Celli talked about and interested in. I like to read a lot about this existential problem. When I returned from Iraq to Muscat in 1972, the city wasn’t as it is now. It had witnessed many architectural, cultural and humanitarian changes.

In that year, at the beginning of the seventies, there was only one school for girls. There was one street. We used to move around by Jeep cars, because the roads extended through the rugged mountains. In Muscat, there was, also, one radio station, which consisted of few woody rooms. In it, several roles and functions were achieved by the same person. He was the responsible of editing News and the announcer. There was no television of course. When TV was founded, later, I worked in it as an announcer and interior designer.

Muscati women are what I remember the most. They used to wear hot and joyful colored clothes, patterned with roses and flowers. Their bright outlook gave them the seeming of colored butterflies. I can say that they had the freedom to wear any kind of clothes they liked. They were, remarkably, differentiated by their Omani clothes, which were already nice .Some of these clothes called Maxi and Lehaf. The Lehaf was put on the head, and was made of a light cloth called woe, through which we could discern the hair.  Of course nowadays, the case is different.
Most of Muscat’s houses were built of mud and stones. They were simple andargillaceous. There was no electricity until 1970. Life was very difficult, with boring rhythm. The food was unhealthy, because it was imported. Everything was frozen, except fish, which was brought from the sea directly, so, it was cheap and fresh, especially for such people like my family, who lived near the sea. Today, I live in a high region, on a mountain in Muscat.five minutes far, from the sea, by car. In many occasions, I spoke about the wall in Muscat, which is engraved in my memory..

My travel to Lebanon and staying there deserve a long pause. When I returned to the Omani capital, there was no eighth class in the school. That’s why, my family sent me to Beirut to study a special curriculum, in a scholarship by UNICEF. We were two girls, and a number of young men.

They chose a residence in student’s homes, for me and my classmate. We didn’t like the person who was responsible about us, he was antipathetic, and we didn’t like him. Wherever we went, we saw him before us, like a jinni. We felt that his main aim was to muffle our breath. But we didn’t care about him. We used to bluff him to escape his power.

When the clashes started between the guerrillas and the army, we moved to live behind Al Hamra Street, beside the American University, because the university region remained as it used to be. I remember” Al Hamra Street”, “Al horse Shaw café”,” Al strand”, “Al strand cinema”, and the library that was down the stairs. When I visited all these places, twenty years later, in the occasion of my exhibition held at Al horse Shaw, streets and sidewalks were subversive, and pictures of Khomeini and Hassan Nasrallah, widespread in the streets. But in my last visit, the situation was a little best, in terms of the presence of a less number of photos and posters, at least. During that stay, I’ve met some people I know, and I’ll talk about this later.

In Beirut, they designed a special intensive program for Omani students, includes everything that comes to mind: Boy Scout programs, trips, cooking lessons, music, “Dabke” dance and all kinds of entertainment, as well as visits to schools of orphans and disabled children. They called the schools of orphans: “the alternative mother”, where we chose a group of kids and treated them as if we were their mothers. Their outlook was painful, but they felt happy every time we visited them. They waited us, impatiently, every week, wearing their best clothes, and we took gifts for them. They lived on “the mountain” among the pine and cherry trees. The scene was wonderful, and full of fragrance of wild herbs, which we used to gather, from the sides of our way while returning among the bushes. During that, the driver always chose songs of Fairuz, Wade’a Al-Safi and Sabah, so that, the radio of the car didn’t stop at all.
Our return to Muscat, in the holiday, seemed like a real nightmare. It was a firm matter. Our parents insisted that we must return to Muscat, immediately, on the next day of the school closure, without any controversy or delay.. Their words were clear and firm, we were not allowed to stay in Beirut one day after the end of the semester.

In Beirut, we were asked, once, in 1975, to attend an event. In that event, I met the Bahraini poet Qassim Haddad. He was just released from prison. He talked about this experience. He seemed slim. But I didn’t ever like politics, that’s why, during my stay in Beirut I was involved most in books, art and poetry. In that period, we were insatiable toward cinema. Cinemas in Beirut were racing in presenting the latest movies. I, then, was teenager, so, I liked old songs and the pretty days of disco. I can say that everything was beautiful. We were in the period of “nice time”.

I spent two years in Beirut, I was 15 years old then. When the Lebanese civil war broke out, we ran to Muscat. Unfortunately, we lost the two years.

After Beirut, I traveled to Cairo with a group of students to study in the field of television. I was with two young women and a few young men, some of them returned home married. One of the students became a Minister of Information, another one became a Minister of Education. Actually, most of those who were with me became ambassadors and ministers. We lived in the New Egypt “Misr Al jadeedah”, from which we moved to Al Dokki. There was a especial intensive course for us. For me, I preferred to study décor, because it responded, indirectly, to my obsessions.

When I returned to Oman, I worked in the television as an announcer and interior designer. In fact, there wasn’t a decor in the known and literal meaning of the word. Actually, all we did was just making the backgrounds seen by the viewers. I designed the decor by myself, because there was nobody else to do that. Women weren’t veiled there. In 1975, there were three Omani female announcers; no one of them wore a head scarf. This was the case in most of the Arab countries. We did not know “cloak.”

My former husband, who was my classmate in the scholarship to Cairo, was handsome with his long hair and free personality. He studied in Moscow and then went to London, where he studied journalism, to be, later, the editor of two Journals, Arabic and English, issued by the Oman Oil Company, in which he worked for thirty years. Now, he works, independently, as a book designer. He is very interested in environment, despite the health problems he suffers. He had cruel experiences during his life. He is clean, chaste and ascetic, although he, in his early life, was Bohemian, somewhat.

After working in Oman television, I completed my law study and, then, worked as legal researcher in the Omani Ministry of Civil Service. My choice to study law was not purely optional. We had three options, from which, I chose law. I was blessed with a girl and a boy. I continued working in the ministry till I left it to open the first Gallery for plastic art in a hall of one of the hotels in Muscat.

For me, the most difficult stage in my life was that I spent in the office, where I was an employee and a mother for two children and, at the same time, continuing my education. I was achieving all these duties in a bad situation of a troubled marriage life, in which I, actually, bore the responsibility, alone. I had difficult days. The idea of ​​the gallery came by chance. Once, I met an official at the hotel. Hotels’ officials used, usually, to buy paintings of the foreign artists, to decorate the hotel walls.  I asked him: Why do not you buy the paintings of the Omani artists? Thus, he suggested opening the Gallery.

The first Gallery was in Oman, and called the “Riwaq Oman”. In this gallery we exhibited works of the most important Arab artists such as Fateh Al Mudarres, Shaker Hassan Al Said, Ismail Fattah Al Turk and Shuaibia, the Moroccan artist. Now, I think that it was a real adventure. I was afraid that no one would know those names. But, the hotel guests, who visited the gallery, surprised me. They were from different Arab and foreign countries. They, for my surprise, were of all levels; well-known figures in the political, artistic and literary fields. I still keep a register of their impressions about the exhibited works. They were surprised by the names of artists. Some of them didn’t expect me to exhibit Shaker Hassan’s works, for example. Once, a Kuwaiti lady visited me and was surprised of the many prestigious names. She considered the gallery a plastic art treasure, because she was a rich woman. And she bought a large group of important works.

Today I feel a little regret, for selling some paintings, especially those by Shaker Hassan Al Said.

After the war that shocked the region in 1980, and its effects that reflected on the cultural and humanitarian activity as a whole, the gallery was the most important stage in my life, regarding the personal level. During this period, I met characters of all races, some of them were passionate about my plastic art work, especially the Japanese and Germans. It was a wonderful time. I sold many of my works everywhere in the world, which I do not know, now, where they are settled. I have got a high estimate and admiration of those visitors and buyers. They considered me a great artist, and some of them sent me thanks messages, with a picture of my painting hanged down on the walls of their houses, telling me that they feel proud to own my works.  This pleases me, and supports my morale. On the other hand, I stop confused about the attitudes of some, not to say many, people, including friends, who hate to see the other success.

Most of my clients are foreign, and some of them are officials in the embassies or members of French and German communities.. I used to change my paintings every week. Every Thursday, a group of the French and Americans, who were in the country, visited me. Their visit to the gallery became a part of their program on Thursday

It is a great responsibility, to maintain those people’s love for a new established Gallery, in a city like Muscat. This gallery was the most wonderful thing emerged in my life. I used to open its doors at ten in the morning and stay there to ten at night. It meant everything in my life. In this gallery I met my friends, who were intellectuals of the highest rank. There, I met all the characters that may come to mind, and some of them were surprised that I am from Oman. I was told, then, that I and the gallery, reflect the civilized face of Oman.

I remember, once, a foreigner, who was almost fifty years old, visited me accompanied with his wife. He wore simple clothes and jeans. I immediately noticed his interest in the paintings. He told me that he knows well the artists whose works are exhibited on that day. They were Nuri Al-Rawi, Raf’a Al-Nasseri, Ali Taleb and other Iraqi artists. When I asked about his name, I was surprised that he was “Gulbenkian”. He told me that his family established the Museum of Modern Art in Baghdad, and he sent those artists in scholarships to study art. He narrated to me a lot of such stories.

Sheikh Hassan from Qatar, also, used to visit the gallery regularly. He gathered many collections, turned later, into museums in Doha. He was a mild-mannered and modest man. He liked sitting in the gallery, or calling us to the hotel suite he lived in. Every time he used to buy works from the gallery. And it happened, sometimes, that the artist Diaa Al  Azzawi accompanied the good mentioned Sheikh.

In some countries of South East Asia, you note that a lot of things are, blatantly, fake. Today when I see an art work, I know easily if it is false. I photographed all countries and places I visited. All photos are in my own library drawers. It is a wealth of valuable photos, which can constitute a huge book. During these trips, I visited most of the most beautiful theaters all over the world.

When one returns from such trips he gets a sense of cultural loss of balance, due to what he saw, as well as the comparisons he does with what we have in our countries. I always wonder about what we have achieved, comparing with the world, and with these great achievements, in all fields of knowledge, architect, urban, and plastic art, in particular. When we look at the artists in our region, we wonder how did they enter the field of the art?! Some of them have nothing to do with art, some galleries, which have a weak idea about art, are marketing them, the matter that make them believe that they are real artists, and are classified in a particular social class, to start suggesting high prices for their works. This is how the real artist is lost. I remember the person, who advised me, when I was very young, saying: Don’t sit with semi-talented, artists or intellectuals. I understood this advice and still remember it.

During my children upbringing, I opened the door for them to experience life. We wished them to learn abroad and live their personal experience. In my view, the modernist lives modernity in the all affairs of his life; in his thinking, living, clothes and home, as well, as these various aspects are closely linked with each other.

Fortunately  I saw the museums after my experience in art was crystallized, otherwise, I think I ‘d be lost  in  this aesthetic and stylistic world, which is full of creativity .

My travels to South East Asia revealed another world to me. The relationship between peoples of that region with modernity and post modernity, their profound interest in art and art museums, and the wide spread of art books and translation, is a tremendous thing. I was amazed with the queues of people in the museums and galleries, and the great demand for innovating and obtaining artifacts, the matter that makes the artistic phenomenon, there, a vital and existential issue. They love art deeply, in a way makes their relationship with it seems inherent It is a part of the of their lives texture. Moreover, they’re skilled in the handicrafts production. We feel that human nature there is based on open mindedness, openness toward life and accepting the new. This acceptance of all novelty is a real phenomenon which is not bounded by taboos that shackle the creative human energy. At the same time, I noticed that many young people are committed to their religious and spiritual beliefs, which they practice in the allotted places, spread all over the countries of East Asia. I think Adonis, regardless we like him or not, was right when he said that we are extinct people.

I have a close relationship with the plantation world. In the garden of my house, I have planted a lemon tree. There are, also, fig, papaya, sweet lemon and banana trees.  I’m interested in trees more than flowers.

The garden is very important for me. I spend most of my time in this green space. It is small and located in front of my plastic atelier, at the top of the mountain, where I overlook a vast open space. I can’t work in closed places; they make me feel suffocated. Mostly, I work outside the atelier. I paint inside only when I’m enforced, due to the very hot weather in summer.

I, usually, finish my paintings a series, not one by one, and this happens in several stages, first, second, third and so on. I draw and erase many layers, so, there is a lot of abrasion. I might leave the painting to resume work, later. I decide that the painting is completed, based not on intuition, but on my experience, that I acquired after all these years of working in the plastic field. I am not a professional in the literal sense of the word. But I know, exactly, what I am doing. The technique in the fine art is more important than poet’s demons. By getting older, we lose this intuition. Blessed are those who maintain it. When I erase a line here or add a line there, I’ll either add balance to the work, or make it loose this balance.. It is a matter that needs great care and precision. It mustn’t be a messy work, there are laws to which we must commit, and about which the critic, resides inside ourselves, judges us, according to the way that suits his work manner.

Let your inner critic be strong and harsh, because this serves the interest of the work.

Once, I visited a village in the farthest point in the world, in Alaska. It’s population was about 200 citizens, they have an art museum! it is regrettable not to have a Gallery, nor a Museum, in a country its population is more than 2 millions.

 

---

 

The Omani plastic artist Nadira Mahmoud

An artist who was exhausted by colors

During my visit to Muscat, I had a chance to meet the Omani artist Nadira Mahmoud. I haven’t ever met Nadira before. However, I heard a lot about her. She crowned her  early journey  in life with colors and lines,  and a series of artistic participations and exhibitions in many Arab and European cities.

The plastic circle and the Emirati public had an opportunity to see the early stage of Nadira’s plastic experience, when she held her first exhibition, in 1989, outside the Sultanate of Oman, in Sharjah, specifically, upon an invitation from the Department of Culture and Information in the Emirate. Nadira’s experience developed and showed more artistic maturity with the development of her plastic activity, since she, two years later, in 1991, held an exhibition in Damascus as a response to an invitation of the Syrian Fine Arts Syndicate, to move, then, to Qairawan in Tunisia, Berlin, and to “the city of light”, Paris, in 1994, where she participated in The Arab Women’s Creativity Seminar, which was held at the Institute of the Arab world. After that, Nadira continued her solo and group exhibitions in Kuwait, Bahrain, Mexico, Beirut, Spain, Austria, Vienna, the National Museum of Women Arts in Washington, Amman, the Jordanian capital, and Cairo, in addition to her exhibitions in the Netherlands, Italy, Brussels and China.. Her last exhibition was in the hall of Salwa Zeidan, Abu Dhabi, two years ago.

Small museum

We met in her home, the facade of which was similar to most of the houses in Al Qaram neighborhood, which is located on a high plateau on the outskirts of the Omani capital, Muscat. In this white painted house, I felt myself in the atmosphere of an Art Museum. Many paintings covered its walls. Monuments and statues, large and small, occupied the corners of the house, as well as those of its garden.. My eyes tried to grasp the scene while moving rapidly between the paintings and the works of art scattered here and there.

I neither feel alienated, nor resort to compliments. The artist has a wonderful ability to break down the artificial barriers while communicating with her friends and guests, who are, usually, artists, poets, writers and journalists. In this house, she met the late poet Sargon Boulos, Naseer Shamma, Fadel Al-Azzawi, Roberto Chiles, Walid Awni, Awni Krumi, and dozens of artists, poets and critics.

In spite of what I know about Nadira’s intimacy and generosity in her human relations, she is, however, scarce in communication with press and journalists. Since she obliged herself to live an optional isolation, in her beautiful house, devoting herself for meditation and painting, she, in my opinion, became an obvious example of the dedication for the sake of art.

It seemed that the artist noticed my confusion, when she initiated and asked me to accompany her for a tour around the house. Perhaps, she wanted, at the same time, to answer, indirectly, the dozens of questions that were jumping to my mind.

All the house walls, in the rooms and corridors, were filled with dozens of rare pieces of art, along with paintings by the most important Arab artists. For a moment, the intensity of the aesthetic scene that I faced, made me dizzy. I felt as if I were hovering in an unlimited space.

Out of everything I saw, the most amazing were not the elegance and the arrangement of the house, nor the large number of art works and paintings which are hanged on its walls and painted by famous Arab artists such as Fateh Al Mudarres, Albahjori, Dia’a Al-Ezzawi, Adi Al-Siwi, Shaker Hassan Al Saeed, Ismail Fattah Al Turk, Adonis, Shuaibiah, Naziha Saleem, Ala’a Bashir, Itil Adnan and Paul Gagarcian. The real surprise, for me at least, was in the character of this lady and her amazing and interesting love of art. She was speaking energetically, to explain or comment on a painting by Adonis, or on a work by Fateh Al Mudarres. Nadira knows a lot of things about the lives of the artists whose works she obtains, because she met them during her travels outside Oman.

The artist’s visits to the art museums spread in the eastern and western capitals and cities, and her acquaintance with both, classic and modern experiences, gave her a critical and delicate sense toward everything she sees. She says that, in relation to art, she doesn’t compliment, since the beautiful painting must catch sight at the first view.
When I asked her, what have you learned from your long wandering around the world of art? She answered bitterly: “one gets a sense of loosing cultural balance when compares what we have in our countries, with things  seen there. I keep wonder, what have we done comparing with this world, and with these great achievements, in all knowledge, architectural and religious fields, and with their artistic side, specifically”..

How does Nadira Mahmoud paint?

Nadira Mahmoud started her relationship with painting before she learnt  how to read and write. She says: “Once, one of my family members gave me a box of colors and sketch book, as a present. I don’t remember now who was this person, but I remember well those moments, as if this happened in the near past..” In those early days, her artistic awareness first fruits began to take shape. This was reflected through her admiration with the Iraqi artist Shaker Hassan Al Saeed’s works, and the late Syrian artist Fateh Al Mudarres’s,  besides, their ideas about art and life.

When Nadira held the scepter of art, and painted the first paintings, her touches seemed mature and her lines strong. She didn’t received any education in art academies, rather, she found herself involved in studying law.. She, obviously, spent a long time working hard to shape her own plastic style, through meditation. The artist has a natural tendency to isolation and seclusion. Keeping away from the academic education and determining her attitude toward the artistic process as a whole, will affect, necessarily, her attitude toward the world. In this sense, she realizes the speech of the Iraqi artist, Shaker Hassan Al Saeed: “The originality never comes as a result of adopting the technique or the style of quoting the heritage, but from discovering the nature of the artist’s attitude in his time, and working, then, to build a new vision.”
Nadira’s works have a special flavor. This characterizes her early exhibitions in Muscat, Sharjah and Damascus, as well as her solo exhibitions that she held at a later stage in Cairo, Beirut, Britain and Germany.. In all her works there is a warm spirit that launches signals full of ecstasy. The colors in her early works were hot, strong and excited, but later on, and by time, this surge calmed down to settle at calm shades, ranging between white, dusty and light brown, with degrees that rise quietly to end, in varying cases, at dark brown or gray. It is a quiet spirit, which is full of contemplation that touches mysterious aspects of the human soul, so, reminds with quavers of Al Hallaj and Ibn Arabi.

When I saw Nadira Mahmoud’s recent paintings, I got a feel of peace. It was something like a drug tranquility seeped into a hidden depth in the soul. In fact, the viewer stands in front of an abstract painting, which is free of the characters or any references to any external subject, where there is no classical decorative and embellishing margin, used usually by the artists, to fill the blanks in their works, such as the inherited decorative themes or the different classical forms used in miniatures. Nadira pursues a completely different approach. She exercises a kind of heavy work, when she craves, scrapes off and burns the painting surface, as if she were looking for ancient monuments coming from the depths of the soul, not from the lives of those beings who pass through space and time, as Shaker Hassan Al Saeed had done in his murals. Because of her approach, Nadira’s paintings became charged with an energy related to fragile and deep internal emotions.. So, no wonder that the late Syrian artist Fateh Al Mudarres describes her works as “a spiritual prayer which is very similar to the creep of a magic sap in an invisible tree; perhaps, the tree of life.”

Nadira looks at the painting as a structure, or as a perfect independent life, not as a sign or a hint to an external value. She deals with it, first, as a meditation, and then, as an expression of internal emotions. That’s why she settles her perception according to this sense. So, she needs not illusion, any more, that is, she rejects to collude with a two-dimension surface, in order to create a third one.. I think she was able to provide a new and unique experience in the one-dimension theory, in the orbit of which, many Arab artists keep wandering, and unable, yet, to leave the zone of Shaker Hassan Al Saeed.
I told her: your works may seem difficult to be understood by a recipient who didn’t receive a hard training to deal with such themes. She replied: “I agree with you. For a long time, the taste of the Arab recipient was exposed to distortion, the matter that led him to be unable to read the painting by his heart, but only by his eyes. The Arabic and Islamic decoration is an abstract art, in the modern concept, because it depends on repeated visual units, filled blanks and chromatography economy. However, you may be surprised when I say that most of those who acquire my works are foreigners, and from Germany and Japan, specifically.”

Nadira’s works, as a whole, are similar, in their performance, to a concerto that repeats one piece of music.. But, seeing one, two or a hundred works, doesn’t frustrate the viewer’s eye, or stop its demand for the more. Her work stimulates the insight to keep meditating, and the soul to continue viewing. In each painting there is a tune, which differs, to some degree, and consists to other, with the preceded or followed works. That’s why, during her career, the artist’s production, which continued for three decades, never exposed to violent structural coups or stylistic changes.

Nadira’s abstractions carry with them a deep struggle against noise. When I asked her about the amazing chromatography economy, and her resisting for the color’s temptations, she said: “colors exhaust me. Look at my house, look at Muscat, at its mountains, valleys and desert, look at my clothes, everything is white or trying to be closer to white.”
I realized that Nadira’s painting is achieved according not only to the aesthetic logic, but also, to the logic of intuition toward work, which is almost close, in its rigor, to the logic of music. Thus, I wasn’t surprised when she told me: “When I start working, I don’t draw a single painting, but a group of paintings together. I know the details of each step, as if it were written in my mind. By my intuition, I know when I have to stop working. I don’t collude with myself. I just have a law, which declares stop playing, the whole playing all together.

Riwaq Oman

The role of the Omani artist Nadira Mahmoud, did not stop at her artistic production, which comes as paintings and many exhibitions she held in the cities of the Arab Gulf, the Arab world and the world, but expanded to include persistent attempts to build a modern artistic taste in her country, Oman. According to her, the painting isn’t just a wall decor, or a response to a hungry eye for repeated and familiar natural scenes. She mocks at the painting that contains mountains, plains, seas or a bouquet. Nadira says: “painting is not just a picture of something copied literally, to become an imitation of the photograph”.

Nadira introduced a new and contemporary concept about the painting as a meditation and a deep craving in the soul. This awareness, that marked the life and work of the artist, resulted the establishment of the first “Gallery” for the Contemporary Arts in Muscat. She called it “Riwaq Oman”. Thanks to this gallery, the artist put the Omani plastic scene in the heart of the contemporary Arab plastic movement, when Nadira exhibited the works of dozens of Arab pioneer artists, who founded the Arab Plastic Pyramid. So, I have no doubt that she inspired many Omani and Gulf artists, and incited them not to stay at the surface, but to work deep in the painting.

There is no doubt that talking about Nadira Mahmoud’s life and art needs a long pause. There are many details and stories, each one of them can constitute a full chapter of her long career in art and life. She is interested in photography, and has a huge archive of the photographs of places she visited all over the world, and for the important personalities she met. Moreover, she is interested, in sculpture and the structural art works, which can be materials of an upcoming exhibition, we hope to see soon. However, the most marvelous thing, for me, was the artist’s fond of animals! In her house, I saw a little white dog and a group of cats!

I Left Nadira Mahmoud’s house, but I felt as if I were still there. Something out of this house fixed to me. At the same time, I, probably, forgot a lot of things of my soul.

This interview with the   plastic artist Nadira Mahmoud comes on the occasion of opening her Gallery “Riwaq Oman”. By opening this gallery, the artist aims to contribute to the enrichment of the cultural movement and the development of Fine Arts experience in the Sultanate.. The inauguration will take place next Saturday. Intercontinental Hotel was chosen to be the location of the gallery, which will be a tourist, artistic and cultural aspect of the sultanate.

Nadira Mahmoud doesn’t needs not to be introduce to, she is well known to the public through many  works exhibited in the seven solo exhibitions she had, in addition to collective exhibitions, the last of which was held on the occasion of the World Conference on Human Rights in “Vienna”, the Austrian capital

Nadira Mahmoud says:

The Western plastic art movement preceded the Arab one. It is an axiomatic conclusion. But this did not prevent the emergence of Arab artists, whose level is comparable to the level of the Western’s, because art, by nature, is based on the variation. That’s why, I think it is not right to compare between the two movements.

The Role of Art

• The artistic work is a reflection of the cultural, national and social conditions. Therefore, any plastic movement should contribute, necessarily, to the evolution of people’s public taste, behavior and thoughts. Did plastic art play a role in our Arab life?
  • It did, to some extent. The cultural, social and national circumstances, contribute to the emergence of qualified artists. Art, in turn, contributes to the refinement of the public taste, and it influences the behavior of individuals and their ideas. Art, no doubt, has played such role in Arab life. This does not appear directly, but the emergence of many talents in the Arab world confirms it.
• Personality of the Arabic artists is not perfect yet, nor their painting. They are still unable to build a dialogue with contemporary life, with its problems and crises, in spite of the individual efforts. What do you think?
  • There is no perfect personality, neither in the Arab world, nor in any other world. Art is a continuous search and permanent suffering. When art comes to completion through personality, or when personality becomes perfect through art, it means the end of art. The different Arab artists, consciously or unconsciously, built a dialogue with contemporary stage, with its problems and crises, individually and collectively.
• Do you think that the Arab artist still conveys the western trends, without any national characteristic?
  • Arab artists work like other artists in both, the West and the East, with their individual and collective characteristics. Their separation from the others emerges from the lack for the main base on which they build their artistic character, their accustoming to the good art and tasting it.
• The aesthetic values need the artists to free themselves of the relative values, ​​and incidental feelings, on both, artistic and behavioral levels, and to keep  away from the naive or primitive art, what do you say?
  • The question of the aesthetic is based primarily on relativity, and on the non-compliance with specific values. There are no absolute values. The incidental feelings reflect the truth in some cases, because they are not subjected to a fixed logic, they are changeable. So, art depends, mainly, on the creative moment, i.e., the moment of dealing directly with the painting, which is the real moment of the impact rise.

 

Commitment

• In the artistic work, do you think that commitment comes as a result of what the artist holds of aesthetic values –​​ we don’t mean, here, the linguistic concept of beauty – but  breaking down of the familiar forms?
  • Commitment in art has multiple concepts. The socialist artist, for example, commits, necessarily, to the purport that serves his/her ideological interests. He/she can also commit to art only, not to anything else. That is to say, I commit to the search for new insights, to express them faithfully. Thus, I go beyond what is usual, to produce new things, that is, to innovate. This innovation is oriented to the conscious that can commit either to following the impact, or to a particular indifferent position. In both cases, the artist commitment results from his respect for the creativity “talent” he has, as well as his respect for talent the other artists have.
• It happened, often, that art turned, in many periods, to poets and writers, such as Baudelaire and Rimbaud, etc.., to get out of a crisis it faced, why?
  • On the contrary, poets and writers came to art to enrich their critic visions. Without the achieved art, there wouldn’t be any criticism. Plastic artist helps poet and writer to train their sight and insight, and leads them to mazes they do not know before. Criticism has owned its own language to separate the formal, technical and content artistic visions. The matter that helped it to judge and enrich the artistic works.
• Marketing and possessing the artists’ works by the public is an Arabic problem. What is the role that the institution can play to solve this problem?
  • It is not just an Arabic problem, but global, as well. Today, art market is no longer thriving, except for some of the artists, who respond to the public taste. That’s why the institutions and the state have an important role to support good art, that doesn’t respond to the common taste.

The critical movement

• What about the Arabic critical movement, and its role in the development of the artistic movement?
  • Obviously, it is not possible for a plastic art movement to be developed, quantitatively and qualitatively, without a critical movement. The Arabic critic is existent, but he does not pay attention always to all the works that come to light. Therefore, his critical view, in some cases, remains limited. Add to that, the conditions of the critics, and their lack for clear position, prevent them of achieving their duties properly. Critics need a specialized magazine, in which they can write coherent articles about the artists’ biography, and this is not available.

---

 

When Nadira Mahmoud held her first exhibition in 1989, her presence formed a  new phenomena in Omani plastic arts. With Nadira, it was clear that modern artist can inspire a lot  of  the  aesthetic  units, from the local environment, needless to resort to depict them  directly.  She  was led to the essence of enviromental vocabulary where the soul subsists whispering its  limitless poetic  aesthetics.

From the perspective of the picture,This great change formed a challange to reality,  the art lived in Oman, subjecting to  a traditional concept about the picture, where the landscapes and painting of the sailors as well as boats, ports, and folkloric ornaments, are the most spectacular  and attrcative themes to the local painters, as well as to the foreigners who came to the country.

Nadira’s art ended those touristic picnics in order to initiate a new concept of painting which in turn bases on a deep understanding to the principle of the picture as a spiritual need by itself. Because  Nadira is a stenographic  artist, she didn’t wish to use but  some of materials, through which  she expressed her vast vision.

” when vision broadens,  phrase narrows” , Nadira always keeps al- Noffari’s saying in mind, declaring her bias for the minimum in every stroke of brush, line and a space of color. Nadira was and still tends to paint on hand-made  papers, in which texture she found the signs which formulated ways to a great maze which is nothing but the  independent visual world  she constructed with the elements she uses that make her feel sufficient, thought not many.

Nadira learnt how to make things obey.

In each of her paintings,  lightness mixes with depth. We see an easy vocabulary  visual world.  Each one is a deserted well which we enter helpless to think how we can escape.

The  source of attraction  Nadira’s paintings have, is one’s sensing the visual pleasure, seeing an almost perfect world. A world short of nothing, though its vocabularies are ,limited.

One  goes out of this looking at- experience, catered with spiritual free of certain forms  experience . Nadira’s formless art  allows the recipient’s imagination, to rebel against the direct meaning of the existing realities. This in turn, refers us to an existing reality but only through our intuition.

When one look s at Nadira’s work, and  has already lived in, or visited Oman,  finds that there are many relations connect the aesthetic landscapes which spread across this beautiful country, with her paintings. The horizon which spreads  infinite to form a network of mysterious relations gathering  sea and land, is full of pure meditations scattering words on the white surface of the painting,  and granting silence a sort of poetic exaltedness.

Beyond that  white horizon, there are many  virgin places. In the heart of that silence, there are too many  unuttered words. Because Nadira is fond of travel, she started to see the world a vast place due to its mysteries, surprises, and unexpected human experiences . so that her anxiety emerges from every new second. From her own perspective, the world is still in the process of being formed, so is  life.

Whenever she lays her hand on a part of the white surface, another   silent land utters. This organic relation between art and environment was the  main source of the expressive and visual  richness which distinguishs Nadira.
Nadira is the daughter of Oman, and painting at the same time.

Farouk Yosef

Sweden

 

---

Art and its Role in Historical Moments

I did not perceive the 2011 set-ins from a narrow political perspective or as some sort of political initiative. From the very beginning, I was not so much interested in the political behavior accompanying the current events, except what is related to everyday life, a matter related to the nature of my vision of the role of the creative artist. The bulk of my attention has been focusing on upgrading my artistic work, developing my knowledge and cultivating my technical skills. However, when the sit-ins started, I felt that the issue has transcended the common political concepts to the social situation and ethics, especially as the demands raised by the protesters were focusing on improving the standards of living, the elimination of unemployment, the establishment of a kind of economic balance and putting an end to corruption in some of the state entities.

My view of the events was based on a positive attitude, seeing that the Omani youth have responded to the necessity of change within historically accepted limits of the Omani political case. I had adopted the same positive attitude towards the events of the Arab Spring in some Arab countries. In my opinion, Arab intellectuals all around the Arab world did not, unfortunately, adopt appropriate positive attitudes towards such events. Rather, they considerably lagged behind; the events preceded them and they eventually ended up desperately chasing them. That day, I felt that the Omani youth, by declaring correct demands, wanted to express their modernity and their good understanding of the reasons and motives of the Arab spring.

In the light of the events and as a painter and a part of the cultural medium, I found it necessary to abandon my isolation, which is a part of the artistic existence and persistence, and become an organic part of the public voice, a voice that seeks to utter the truth that fosters the role of people in building life and developing its tools and styles. That day, I told myself that I should be in the heart of the hot event. I was amazed and very pleased at the level of awareness that characterized the youth as well as their ability to express their demands in a civilized manner. Therefore, I did not feel how fast time passed; I used to go to the square after sunset prayer and stay there until 1 a.m.

When I was in charge of the technical committee, I decided to make a special touch regarding the documentation of the event through a unique artistic technique. Hence, I purchased meters of canvas, dyes and crayons as a tool of expression, other than cheers and banners carrying slogans. With all the beauty of such artistic banners which have been changed four times after being congested with writings and drawings, the public event was imparted with an artistic character. On the canvas surface, drawings, poems, brief words and marginal writings mingled, forming a temporary wall that tells the story of the event in an artistic style. Since I like neither showing off nor delivering speeches, and I always seek to stay in the back rows in all occasions, such an idea was splendid for me in order to discover the daily details which might not be declared or known. Such banners attracted the young and the old, the literate and the ordinary, as well as the enthusiastic and the careful. In short, they formed a free space for the exchange of current ideas and aesthetic dialogue.

I believe that through such spontaneous paintings, I fulfilled my duty as a pioneering artist. By that vital act, I have answered such a sort of a question: What can an artist do at critical moments of history?  He can do a lot based on his ability to establish an authentic relationship with others. I have abandoned my isolation and mixed with the public at large, which was useful for me, not only by knowing about people’s conditions, but also by realizing the cultural mood of an important segment of the society, namely the youth.  I was actually surprised by the advanced awareness of the Omani youth, politically and intellectually, as well as their civilized behavior as they could express their demands in a sublime and a highly polite way.

To me, that was an exceptional event, which I lived deeply in love and faith.

Nevertheless, I withdrew from the sit-in when I felt that the language of reason has fallen into decline. Tense shouts started to mingle with a religious speech with which there is no hope for mutual understanding or agreeing on an equally balanced formula. This made me feel that something went wrong somewhere, that there was something wrong with the thought as well as with the practice. Consequently, I preferred not to be thought of as belonging to an irrational trend that attempts to drag the sit-ins to the tension zone, a zone that alienates and deviates the sit-ins from their actual, noble and righteous goals.

Now, what remains of that deep humanistic experience?

It was a rich experience, replete with humanistic meanings, through which I closely knew the builders of the Omani future, listened to the Omani street pulse, and discovered that an artist, even in his isolation, is visible to many people who are interested in culture. I became sure of the fact that the Omani youth are worthy of pride because of their ability to express their real belonging to the country, the nation and modernity, apart from political auctions and chaotic zeal. I also came up with a positive impression about the creative role of woman in reflecting an advanced humanistic awareness. I have become more confident that when dialogue language prevails, hearts and minds open equally. Then, one becomes assured that the noble intents for which people struggle will not lose their shine and intrinsic values. However, I was actually regretful that such banners that resemble aesthetic documents have disappeared. They are somewhere today. What is left of them in the memory is probably the most important. I say probably…

 

---

 

In a dialogue with Hikmat Al Hajj about Minimalist Art and Memories of Tunisia and Sargon Boulos,
Nadira Mahmoud:  Whiteness is enough to draw a painting, Abstraction satisfies me.

Hikmat Al Hajj

Modern Discussion – Issue: 3617 – 01/24/2012

Introduction:  The plastic artist Nadira Mahmoud was born in Muscat, the capital of the Sultanate of Oman. In her first years of study, she moved between Baghdad, Muscat and Beirut. She studied law in Beirut. In 1993, she established and ran Arts Gallery, the first gallery to display artistic work in Muscat. Her first personal exhibition was in Sharjah in 1989, then in Damascus in 1991, Sousse and Kairouan in 1992, Berlin in 1994, Kuwait and Mexico in 1998, Beirut in 1999, Tehran and Muscat in 2001. She worked with the German theatre director of Italian origin Roberto Ciulli on the Silk Road Project, where he had plans to move with his band to the cities located on the ancient Silk Road. She accompanied that band to Iran, where she displayed her paintings there. In 1994, she participated in The Arab Women’s Creativity Seminar, which was held at the Arab world Institute in Paris. She also participated in many exhibitions and Arab artistic meetings.
In 1992, she won the Golden Palm Award in the Second Periodic Exhibition for the Artists of the Gulf Cooperation Council States (GCC) in Doha. In the same year, she participated in the Contemporary Arab Artists Exhibition, EXPO 1992 IN SEVILLE, SPAIN.
On the occasion of the World Conference on Human Rights in 1993, she took part in a huge exhibition held in the Austrian capital, Vienna.  In 1994, her works were displayed in The National Museum of Women in the Arts (NMWA), Washington D.C. In New York, she participated in the exhibition “Women from the World” in 2000. She is dedicated to painting and lives in Muscat.
Here is the first part of a lengthy interview with the plastic artist Nadira Mahmoud about minimalist art, her memories about the late Iraqi poet Sargon Boulus, a talk about abstraction and whiteness which are sufficient to draw a painting, and abstraction. This interview is published in agreement with the Tunisian weekly magazine Al-Qandil and is to be issued in its next issue.

• Why does Oman seem far away? The Arab reader barely knows anything about the cultural and artistic movement in the Sultanate, what are the reasons, in your opinion?
• This view reflects a poetic way of looking at things. The reality is different. Oman now is open to the world. Its isolation ended decades ago. Tourism is expanding by time. Lifestyle changed to a modern one. It is true that history still has its pressure, but Omanis succeeded in becoming part of the contemporary life cycle. However, the country still has its special character, the thing that refers to the diversity which life needs in our world. This is for Oman, but for its cultural movement, it still belongs to the cultural margin which neither tempts the Arab media nor provokes its interest as cultural movements of center cities do.  Today, Oman embraces modern poets, novelists and painters who can be highly regarded. But as I told you, it is all about the duality of center and margin. On the other hand, as known, any cultural movement cannot be vital without financing and financial expenditure. The ministry of culture usually suffers from financial shortage. Financially weak institutions cannot patron culture. Look at the world around us: money is noticeably spent on culture. We have human and financial resources that we must know how to utilize. What I want to say is that the presence of poets, painters and musicians doesn’t make a cultural movement on its own. There is an urgent need demanded from governmental and private institutions to support such activities in order to have a real cultural movement. I attended large international exhibitions; the cost of insurance equals that of the Arab ministries of culture for years.

• Many Arab creative people visited Oman in the context of various cultural and artistic activities and events. What has been left? What impression did they leave? 

• From my personal experience, the impact of Arab writers and artists who visited Oman was great. Without that presence, we wouldn’t have had the awareness of the importance of developing artistic and poetic styles. Their debates and discussions with the Sultanate intellectuals were pushing the wheel of modernization forward. Those meetings resembled those of an isolated village with aliens. The young men greatly celebrated the poets Adonis and Mamdouh Adwan, and the artistic critic Farouq Yousef. We pursued their works when we were young and we met them as we got older. I’m very proud that I met a number of the best Arab intellectuals who came to Muscat. On the personal level, I have friendship relations with great intellectuals such as Saadi Yousef, Walid Awni, Fadel Alazzawi, Awni Karomi, Sargon Ploes and others. My presence in the Arts Gallery was as a window through which I overlooked the world of Arab culture, where many Arab intellectuals spent hours contemplating artistic works and continuing discussions over culture.

• Is there any effect of your birth in Baghdad in the course of the emergence of cultural and social ties with the Iraqi elite? And to what extent has this relation affected your artistic and intellectual visions?
• I wasn’t born in Baghdad. I was born in Muscat, but I spent my early years of study in Baghdad. The choice of friends has nothing to do with the place where one is born. Friendship happens for many reasons; coincidence, human and cultural tendencies play a great role in forming it.

• Would you please tell us talk about your memories with the late poet Sargon Boulus, who visited Oman several times, and what impression did he and his poetry leave on the audience there?

 Sargon was a unique human being. I can talk to no end about his daily rituals, his clothing, his way of listening and speaking, and his look to the others. But what really attracted my attention was that reverence surrounding him by others. People respected him greatly due to his poetic status as well as his personality. His early death was a great loss for poetry and friendship. We had too many things in common; in the perception of life and art. Despite his politeness and kindness, his friendship was tough. I was proud of his friendship, which included my family members. He liked sitting in the gallery among artistic works; he was one of those few authors who cared for arts and had experience in them. He was such an honest, virtuous, kind person in his talks with others. He did not have anything that makes others have an aversion to him. He was so passionate and, when angry, he doesn’t insult.
He had a special charisma that attracted people. He didn’t waste his time in marginal unbeneficial talks; he rather talked about thought, poetry and art. His overwhelming and charming presence granted him the position of godfather. I said that he was kind but not always lenient; he was strict in defending his principles in art and ethics. He had contentious stances with some unethical people. Sargon has poetically affected the youth. I can say that there is no one who hasn’t been affected by Sargon Boulus, who outperformed many poets who preceded him in experience as well as his contemporaries. I believe this is because he was honest with himself and because he lived for poetry and devoted himself to it.

• Did you work on a joint project with the poet Sargon Boulus, especially that you mentioned that you have many things in common?
• Sargon was a dear friend; we didn’t think of joint projects. He tasted plastic arts. However, his preference stopped at the boundaries of aesthetical taste.

• When we approach your artistic worlds, we can recognize that clear line that marks the majority of your artistic works; namely: abstraction. Is this intellectually aimed at, or is it because of the lack of manual materials that plastic artists need?
• I was the first abstract plastic artist in Oman. Nowadays, abstraction has become very common, which is good. Abstraction appealed to me from the very beginning. I directly moved from portraying to it, without being visually tempted by other things. I always say that my resort to abstraction is very much like a poet’s resort to writing a prose poem, without having the need to compose a metrical poem. In abstraction, one finds a double spiritual stance from the self and the world; a stance from the self where it can move and express itself more freely; a stance from the world where it is available to be viewed in different ways, and from multiple angles. Abstraction with its overlapping rhythms satisfies me and accomplishes many of my visual perceptions. This certainly does not mean that I have an aggressive stance against other visual styles. It is all about a visual mood followed by a move of the hand while imagining what it intends to do. I believe that the least of objects and materials are enough; therefore, my art belongs to minimalism. To be honest, I usually see the photographic world free form chromatographic clamor. Whiteness satisfies me.

• I see you talking about minimalism. I am, accidentally, interested in this matter. I have written about it, but in the literary field. However, it is the first time I meet who describes himself as belonging to this school in our Arab world. How is the philosophy of this school reflected in your art and who are your teachers in that?
•  I can confidently say that I have no direct teachers. My visual experience has been formed from a unconscious mix of access to a huge number of artistic experiences and from my personal experience, especially in the knowledge of the pain. Before I knew minimalism, I had a tendency for not using too much colors and shapes. I inspired emptiness from the experience of living by the sea; which is an environmental experience in which passion plays a big role in extracting its meanings. . I am the daughter of the Omani environment. The whiteness that you see in my works can be seen in Oman wherever you go. Sometimes the critical interpretation gives unrelated impression to things. Now when I think of the holes on my paintings I find no direct explanation to them. Perhaps because the human experience takes an artistic context in the imagination of the artist without any intervention by the subconscious. I will leave the matter of belonging to this school or that to critics. As for my personal opinion, I stand out of any artistic school.

• What are your perceptions about Tunisia, do you have any idea about plastic art in Tunisia and the Tunisian culture in general?
• In 1992, my works were displayed in Tunisia, Kairouan and Sousse. I was the first woman from the Gulf that displays her artistic works there. The Tunisian audience had no idea about the existence of art in the Arab Gulf as a whole, so how about if it was an art produced by a woman? Not only the ordinary audience, but also the educated. There were posters on the walls of my photos as an advertisement for the exhibition, the thing that really pleased me. The Tunisian minister of culture told me: “you are the ambassador of Oman”. I was really surprised that what I had presented in that exhibition was unexpected, maybe because they were expecting some primitive paintings coming from that unknown place for them. There I had acquainted myself to Alhabib Beidah. Ali Altarabulsi, Muhammad Lutfi Alyousfi, Naja Almahdawi and Izz-Adddin Almadani, everyonel celebrated me. Don’t forget that that exhibition was my second attempt to publicly display my paintings, and I was scared; however, the large presence of intellectuals strengthened me. For them, I was such an exceptional phenomenon.

• Would you tell me about your experience in the emergence of the arts gallery?
• Between the years 1993 and 2005 I lived one of the greatest and richest experiences in my life on the cultural level. I founded and ran the first artistic gallery in the Sultanate. It was a real adventure in a country that had no market for art and whose inhabitants weren’t used to possessing modern artistic works and displaying them in their houses. I succeeded in my strict choice in displaying artistic works of the best and most modern Arab artists. It’s enough for me that I displayed the works of Shaker Hasan Al Said and Fateh Almudarres, these two artists had a great impact on my artistic experience and I’m proud of them. I started in a different way when I didn’t respond to the prevailing aesthetic taste, whether among locals or those foreign newcomers. It was a successful experience which introduced me to a large number of intellectuals and people interested in arts. Because of the gallery, for example, I once met Kolpenkian, the owner of one of the most artistic collections in the world.

• What are your future plans?
• I’m preparing for a personal exhibition in the Jordanian capital, Amman, as I’m thinking of another exhibition in Muscat.

She conceives things resident in whiteness. She reads literature with the same power of looking at paintings. Her house library includes only the books that can be reread so many times. Her physique was subtle, the thing that made her family extensively take care of her. Fear of being hurt made her family isolate her, and isolation was her motive to read. Thus the pre-painting experience was the most important phase. The experience of living abroad granted her a different concept of life and art, whose potential power exploded very early. Early isolation taught her not to waste her time in marginal relationships, not even in social occasions or traditional familial meetings. Because she believes that creativity is like infection, as is the interest in beauty, she opened her house for friends of importance in literature and art. She was keen on letting Omanis meet her guests and learn from their experiences. She has been dreaming of a painting representing the best expression for the action of erasure. She surprises us by saying: “erasure is another kind of construction”. This is how the Omani artist Nadira Mahmoud tells us about her life which overlaps with life, people and cultural projects, not forgetting to tell us that the awareness of woman was late, meaning her awareness of the importance of her independence as being a crucial part in culture industry. The predominance of consumption made many women drawn in caring about shoes, bags and rings, forgetting that the great role they have to play is in building a modern society that acknowledges the principle of freedom and equality, not to forget mentioning the absence of art salons, which is one of the biggest impediments to the growth and development of the artistic movement. Many artists feel frustrated because they can not find a place for displaying their works which accumulate in their ateliers, the thing that makes them stop producing.
Let’s get closer to her worlds, to her little stories with which she grew up, those stories that she published some of them in the ALQUDS ALARABI newspaper, and others are published on her facebook page from time to time, the rest will be unveiled in this interview.

• We understand the difference between the artist, poet, and writer on the one hand, and his peers on the other hand, and this difference is clear from a young age, however you say in an interview with ALQUDS ALARABI newspaper:” I was treated differently from my peers at both school and home and I still feel like I am different”. What kind of difference do you mean?
• The difference I pointed to is about the physique, the thing that casted its shadows later on the kind of personal interests and busyness. Me physique was so weak, thus I attained extraordinary care, and my family had fear of being hurt by playing with children of my age, and because of this extensive attention I had a kind of isolation. So I found a personal solution for this problem through reading. After this cultural choice, the difference grew clearer on the level of cultural taste and self awareness. This difference brought me respect from my surrounding. That look of respect strengthened when I revealed my early talent in painting.
•  
•  You had the chance to study abroad, the elementary school in Iraq, the university in Beirut, and then travelling to different places in the world in a time there weren’t girl schools in Oman.  Did studying abroad contribute to the crystallization of your potentials and creative capability? Do you also think as one friend stated “Haven’t lived in  Iraq, you wouldn’t have been an artist”?
•  
• Such a hypothetical question can be answered in different ways. No doubt that if I stayed in Oman and didn’t go out for study, I would have been a different person. But would I be an artist or not in that case? This is a different reality and we don’t know the answer. Historic facts are what I care about. What actually happened is that I travelled, studied, learned and got acquainted with the ways of life and the behavior of humans out of isolation. I didn’t learn how to paint directly, but I learned how to taste it, how to look at paintings and how to appreciate an artist. Living abroad gave me a different concept of life and art. Had I stayed home, such an experience wouldn’t have been available, maybe in that case other experiences would be available. What I’m sure of now is the emergence of my powers and the organization of my imagination is linked to the way of living that I have learned from others who preceded me in the field of cultural experience.
•  
• What is the secret of your various friendships that didn’t stop at artists only, but rather, we f it extending to musicians, poets, story writers and novelists. In Oman we lack a person of this kind, we usually see a poet caring about poetry, or a story writer interested in stories or an artist isolated in his own artistic shell, While we notice that Nadra Mahmoud has various friends from an early age. When you met Sargon Boulus, Saadi Yousuf and Fadel Azzawi you were 12 years old?
• The isolation years that I lived in my childhood created a desire to communicate with others. However, I choose them on the basis of experience; I don’t waste time in marginal relationships, nor in traditional family meetings or social occasions. Unless I have a profound spiritual need to meet someone who would add richness to me, I don’t leave my atelier, nor do I host anyone. Things went on this way, on a qualitative basis that I depended on in choosing my friends. It is of the immortal kind, which means I don’t think of my friends on the basis of the interim need, I start friendship to go with it to the maximum. There is a kind of trust that makes me get close to those friends I choose and they forget that I’m a woman. Rather, I become that cultural partner in a civilization discourse that lasts long. My friendship with the poet Sargon Boulus lasted to his death. I still have different kinds of friends. This difference and diversity belongs to my various cultural interests. I read literature interestingly as I do with contemplating paintings. My home library contains only the books that can be reread over and over.
•  
• By the way, you are a person who personally undertakes governmental and institutional duties or at least civil institutions, I mean receiving a number of intellectuals and artists in your own house, and also inviting Omani writers and artists to meet your guests in a friendly environment. Do you think of establishing a special cultural salon?
• I wish I could do that, I dream of such a role. In the absence of artistic institution, I find it is the duty of artists to take the initiative for playing this role. A thorough role that surpasses social formalities. I don’t invite but some people of a special model, or who have cultural projects related to raising awareness and circulating knowledge, a step to be followed by others. Culture, from my point of view, is a communicative act among humans. Unless culture encourages constructive and positive dialogue, its role will be nullified and restricted. Because I know that creativity is like an infection as is the interest in beauty, I was keen to make my Omani friends meet my guests, not just for knowing them, but also to learn from them and exchange expertise.
•  
• Since your childhood, your answers have been mature as if you were drawing a path and knowing where you were going. When a newspaper asked you:” why do you draw portraits?” , you said: ” the face is the world”. What circumstances that paved the way for you to have this pre-maturity in comprehending and realizing your steps in the world of art?
• Early reading is the reason. As I have said in my biography that I released in ALQUDS newspaper, I read books not addressed to those of my age, books which were older than me in their ideas and sayings. I read books on existentialism, I didn’t understand anything of them, or let’s say I understood a little bit which was the base of my cultural vision of the world, and of my way of thinking in what I intend to do. Those readings made me feel that the human being is there to think, to ask, and to learn. Every new book holds a different cognitive treasure. Certainly, when I read what I said when I was young, I feel that I was saying mature words. As for from where I learned that in that early age, I don’t have an explanation for that.
• What’s the secret of your relation with the white color, starting from your outfit, house decoration, library, and not ending with the emptiness in your paintings? Is that related to your love of cleanliness?
• Of course cleanliness plays a role in that. I was brought up with the secret of cleanliness as an expression of purity. I very much have concern in the spiritual connotation as well as the materialistic one. Here I’m talking about ethical cleanliness. When I meet someone with clean clothes, I look for the secret of inner purity and vice versa. Sometimes this equation gets wrong, exception is also acceptable. However, the rule for me is that cleanliness leads to a much wider one. I have a profound and far-historical relation with the white color, maybe since my childhood. It is a reflection of a clean, bright environment, a white one from both inside and outside. Many art critics believe that my paintings are the best example that reflects the Omani environment on the part of its purity. I am the daughter of Muscat whose whiteness penetrated my soul to be reflected in my eyes, I see things in its whiteness.

• Your early illness in the bones, and the present that you had, colors box, how were you able to create an equation between pain and painting, when pain was like charging and painting was discharging and relieving?
• Defining painting at this level is difficult, since it embraces a kind of distress. In order to generate the painting, the artist should live a strange kind of isolation. I, for example, live isolated from the outside world when I think of drawing even if I were driving my car in the streets of the capital. There is a deep feeling of loneliness that paves the way to the birth of things from nothing.  Drawings don’t easily come into existence, the experience of pre-painting is more important than the action of painting itself. To be more precise, I don’t think in the direct physical pain. Rather, the spiritual pain is what leads me to thinking in aesthetic solutions. It is the one that makes us feel our existence and being as humans sharing others the type of life they live. The painter and the creative in general exercise pain while doing their job.
• You stress the fact that social awareness in the seventies of the last century in Oman was a kind of enlightenment and openness, especially the relationship between man and woman. How do you view this matter in Oman in particular?
•  
• Unfortunately, there is a huge social setback. Not only on the level of dressing, which has its own connotation; but, most important, on the level of cultural structure. I judge that through my readings to the superficial interests that takes over feminiism. Personally, I can’t stand feminine meetings because they remind me of the old time of harem. There are a few exceptions in the beneficiary field which I respect a lot. But awareness has been delayed; I mean the woman’s awareness of the necessity of her independence and of being an important side of the culture industry. The prevalence of consumption made many women interested in shoes, bags and rings, forgetting their great role in building a modern society that acknowledges the principles of freedom and equality.
• Why do you prefer colors of nature on other colors? “The coffee color for brown gradations…sometimes tea and dried herbs, all for brown … I make the paper pulp myself”. Does this add an intimate relationship with the things you use; does it later affect the value of the work artistically?
• Materials gives the artistic work much of its inner characteristics, it makes it from inside, that’s why I tend to hide materials a lot. I find my relief in the moment of friendship that I have with those materials. They serve me as much as I serve them, a mutual and equivalent love relationship. Because I am prone to nature, I had to keep the original traits of the materials. There is a spiritual necessity for an intimate relation between the artist and his materials, they are not for temporary use only, but they are also path companions. I believe that when the artist respects the originality of his materials, they will give him back the best of it. Such a relation has too many secrets; however, talking about it is difficult because it lies in the heart of the artistic experience.
•  
• In Oman your family lived directly in front of the sea, and in Iraq your house was in front of the Tigris River, as well. How is your relationship with the sea and rivers? Now you live in a relatively high area…Did nature reflect on your personality and on your works and how?
• I talked a lot about this issue, and there is still too much to say. Since my first drawings, nature has been a source of inspiration, even after my paintings were transformed from the realistic perceptive to abstraction; nature remained the largest source of inspiration. What does this mean? It means that nature is a great store of vital beauty. The beauty that changes, transforms, and reveals in every new view with new shapes. I don’t see nature with my eyes only; I see it through the eyes of others. I still look with astonishment at things composing the nature around me. Contemplating natural things this way brings pleasure to the soul and calls the desire to painting. When looking to nature, I change and with my change drawing changes also. I mean everything becomes more powerful. Natural inspiration wards off the feeling of weakness, the thing that motivates me to look at paintings as an element of power. I’m strong with my paintings, strong because I paint.
• “The gallery is the greatest thing in my life. I always started at 10 a.m. and finished at 10 p.m. It was my life. I met my friends there, they were the most elegant intellectuals…

• The gallery in Oman was closed down due to administrative problems”. Despite the revival of plastic art movement now, what impact does it have on Oman, and why there are no new alternatives? What are your suggestions?
• This is a disturbing issue for me; it annoys me and makes me feel angry. How could an artistic movement revive without having a vast space for display, without artistic market that respects the artist and the receiver together…it is not just about buying and selling…it is about the task and responsibility of raising aesthetic and cultural awareness among people… I ran the gallery for many years and I know the importance of the meeting between the artist and the receiver in a respectful place, a place full of live thoughts where visions meet and interlink. The absence of art galleries is one of the biggest impediments to the growth and development of the artistic movement. A lot of artists feel frustrated because they don’t find a place for displaying their works.  Their works accumulate in the ateliers, and then they stop producing. Such a large country like Oman that witnesses a touristic turnout deserves to have many art galleries. I guess that governmental institutions have the duty of supporting such projects by founding civil halls and encouraging others to establish private salons for art display. Otherwise, we will degrade till we become in a deplorable state.
• When we consider artists in this area we cannot tell how did they enter the field of art, we know that some of them have nothing to do with art. Still, some galleries which also know very little about art market their works. The result is that they believe they are already artists. Who can tell that this or that artist is real or fake? And how, in your opinion, can we eliminate this phenomenon? And does it exist in Oman?
• Real critics and original artists are the two sides of revealing this fact, It is not an easy task in the face of money that interferes in every single step of the artistic process, starting from production and reaching to the display and marketing and in between a commercial taste is built, based on non-aesthetic parameters. Imagine that the artist nowadays asks his friend: did you sell any work? With how much? And never asks about the impact of his work on the receiver, or what critics said about his exhibition? This situation points to an incorrect equation, whose parts are the artists and the tradesmen. Unfortunately, care for receivers fall on deaf ears. Many galleries owners understand nothing about art. Rather, they know about marketing and how to convince people to buy. For them, art is merchandise. Art criticism in this regard falls short of pointing to our real problems.
• You don’t work on just one painting, but on a series of paintings, and through many phases “I draw and erase”, is erasure a habit and what are its implications? Does the habit of “erasure” reduce the experience and ability of the artist?
• It might be surprising that I erase more than I add. I see the painting perfect so I start to make it imperfect. In that moment I have a great feeling that I bring  into existence what doesn’t exist. It is a negative relation with visual things. I believe that what lies beneath is more important than what we see on the surface. Therefore, I always dig deep for those things and aesthetic facts that lies beneath. Erasure is another way of construction, through which shapes gain a new perception, different from that we know. I have always dreamed of a painting that represents the perfect expression of erasure. I wish I only draw white paintings, then, for me, everything is in that whiteness. We have to exert some effort while contemplating paintings or other artistic works. There is something hidden in silent beauty we have to find.
• “In plastic works, technique is very much like inspiration for poets, the older we get the more we tend to lose this “intuition”, “Blessed is he who keeps it?”.  Tell us about your relationship with intuition, and why does an artist lose this sense as he gets older? Isn’t experience a good compensation for intuition?
•  
• I don’t mean that we completely lose it; experience replaces it. The relationship between the artist and his work differs; it gets far from coincidence and temporary inspiration. The concept of craft and daily work replaces irritability and the sudden feeling of astonishment. The painter learns in every single moment of drawing. If he says I am educated enough, this means he is dead artistically, and he will start imitating himself and repeating his techniques. Technique is a real demon. It can serve the artist a lot, but it becomes an enemy if it is repeated; it would limit him to its own mechanisms and systematic nature. Technique follows the artist not the other way around. Experience also may not serve when it is just a ladder used to reach to previous successes. The painter has to free himself from his previous works.
• “There is no mess, there are rule we abide by, and our inner critic judges us”, do you believe in the inner self critic of Nadira Mahmoud? What about the other critic who possesses the analytical vision of the painting? Does he exist? Is he disabled in our Arab world? And where do you place the eye of the ordinary viewer in its role of evaluating the work?
• Of course I go back to my inner critic during and after completing the work. That critic is the one who advises me of neglecting the works which he deems unsuccessful, although I was enthusiastic when drawing them. I do what my inner critic tells me to do. One always observes himself, measuring his steps in the balance of what is accomplished in earlier times by him and by others in the wider world around him and what can be accomplished in the context of his artistic experience.  As for my relationship with others, I deeply listen to their opinions. I care about seeing my works through their eyes, taste and aesthetic awareness. It is a pleasure to listen to what Nazih Khater and Fadel Azzawi said about my art. I anxiously ask myself: “Have I already accomplished all of that?” The eyes of the normal viewer catch my attention; they put me in the ground on which I should stand. I engage myself with my dream; changing the aesthetic taste of people.
• How do you perceive the fine arts, in particular, and the cultural scene, in general, in Oman?
• As I’ve already said, everything is degrading, there are many mistakes some of which are subjective, others are objective. institutions carelessness about circulating artistic education, spending on art, and opening galleries are the objective mistakes. As for the subjective ones, they are related to the traditional culture of the artist and his lack of knowledge about art transformation in the world around him. Many artists don’t feel the need for such knowledge. They draw to sell, stopping short at favoring the traditional taste. If the situation continues like this, things will become worse. Then one feels real alienation. I’m just describing the reality, I’m not pessimistic.
• Your biography in ALQUDS ALARABI newspaper surprised everyone, when you touched upon your human, artistic and childhood life up to now, it seems that you excel in writing as you do in painting, you smartly move from one phase of your life to another. How this spark of writing flourished in your spirit? We also want to know where you have reached in this project.

It seems that there may be some kind of misunderstanding. I have no intention to be a writer or to choose it as another means of expression, because of my passion for reading and books. What happened is that I found that there is something to say about the life I lived among multiple places, alone or with others. That life had a meaning, it made me the today artist. I learned a lot and wanted to transfer my experience to others through writing. In fact I only wrote in the way I speak, I didn’t want to get involved in the problems of the techniques of writing. I wrote smoothly as if I were telling a story to someone listening to me. Regarding the book underway, it is more concerned with my art than my life. Let’s say, it is a mixture of both.

---

Die leise Rebellin

 

von Barbara Schumacher

 

In vier Jahrzehnten vom Mittelalter in die Moderne: „Super Q“, wie die Omanis ihren Sultan Qaboos bin Said nennen, hat es möglich gemacht. So sind z. B. in der Wirtschaft, an Universitäten, in Ministerien und Botschaften im Ausland ganz selbstverständlich auch omanische Frauen in leitenden Positionen tätig. Natürlich gehen Kinder und Familie vor, aber gegen Arbeit von Frauen ist nach Meinung des Sultans nichts einzuwenden, zumal die Lebenshaltungskosten im Land recht hoch sind. Auch in den Bereichen Kunst und Kultur spielen Frauen eine wichtige Rolle.  Nadira Bint Mahmoud Bin Mohamed Al-Lawati ist ein Beispiel einer solchermaßen engagierten Frau. Sie hat nach ihrem Jura-Studium viele Jahre als Juristin im Innenministerium gearbeitet – stets neben ihrer künstlerischen Tätigkeit. Nadira Mahmoud gehört heute zu den international bedeutendsten Künstlerinnen Omans, die von ihrer Kunst lebt und ihr Name steht nach einem langwierigen und ungewöhnlichen Entwicklungsprozess  für künstlerische Entwicklung hin zu Abstraktheit und Understatement in Perfektion. In ihrem gesellschaftlichen Umfeld ist sie eine mutige Rebellin, die genau weiß, was sie will und die es geschickt verstanden hat, als Frau und Künstlerin höchste Anerkennung zu finden.

Wer einmal durch Oman gereist ist, wird sich an den Farbpaletten der verschiedenen Landschaften erfreuen. Die hier vorkommenden Mineralien in den bizarren Bergen sind die Basis für natürliche Farbherstellung. Mit solchen Naturfarben malte Nadira Mahmoud viele Jahre lang. Ihre neuesten Werke verzichten jedoch ganz auf jede Farbe und ein höherer Abstraktionsgrad ist kaum noch vorstellbar.

Von 1993 bis 2006 hatte Nadira Mahmoud als einzige Künstlerin Omans ihre eigene Kunstgalerie im Hotel Muscat Intercontinental. Gäste dieses Hotels können noch heute ihre Gemälde in der Lobby bewundern. Auch Rezeption, Business Center und die Gänge zu den Banketträumen sind mit ihren Werken geschmückt. Insgesamt umfasst diese ständige Kunstausstellung über 100 Werke. Wer ihre Werke aus den 90-er Jahren kennt, stellt eine Veränderung fest. Der abstrakte Malstil ist noch abstrakter geworden und die Farben sind weniger intensiv. Diese Künstlerin kommt heute mit einem Minimum an Farben und Formen aus – Understatement in Perfektion. Ein Hinweis auf die Künstlerin im Hotel bringt ihr ständige Anfragen von Hotelgästen ein, die ihre Werke kaufen. Verkaufte Werke werden durch neue ersetzt. Deutsche Hotelgäste stehen an erster Stelle unter den Käufern.

Sie selbst ist die Personifizierung ihrer Kunst. Ihre großen, lebhaften, wachen und neugierigen, schwarzen Augen ziehen jeden in ihren Bann. Und sie überzeugt die Menschen unmittelbar durch ihre Sachlichkeit – auch Männer in der Arabischen Welt, die sehr schnell die Erfahrung machen, dass ihnen hier eine ernsthafte und ernst zu nehmende Gesprächspartnerin begegnet, die keine Zeit für Flirts und Koketterie verschwendet. Die Mutter von zwei erwachsenen Kindern wurde1959 in Muscat geboren. Die Familie Al-Lawati gehört zu den alten und bekannten Familien Muscats, die in der Vergangenheit zahlreiche Minister/innen gestellt hat. Kernwohngebiet ist im Stadtteil Muttrah – in einem Fremden nicht ohne weiteres zugänglichen, von einem Wächter ständig bewachten Eingang zu einem geheimnisvollen Wohngebiet direkt an der Corniche, neben der großen Moschee. Seit Jahrhunderten ist der Stamm der Al-Lawatis als Stamm rühriger, wohlhabender, schiitischer Händler bekannt. Mit ihrer Familie stand Nadira lange Zeit auf „Kriegsfuß“, hatte sie es doch gewagt, den Mann ihrer Wahl zu heiraten, sich der Kunst zu widmen, allein durch die Welt zu reisen, einen westlichen Kleiderstil zu pflegen und jegliche Verschleierung mit schwarzen Abayas und Kopftüchern zu verschmähen. Inzwischen hat die Familie sie mit ihrem eigenen Lebensstil anerkannt und als sie 2008 in einer Fernsehshow zusammen mit prominenten, weiblichen Mitgliedern der omanischen Gesellschaft auftrat und zu diesem Zweck einen Schleier tragen wollte, obwohl Schleier sie eigentlich krank machen, meinte ihre Familie: „Lass das sein, das bist nicht Du“ – und sie trat in westlicher Kleidung unverschleiert auf – eine Sensation, die ihr bis heute Bewunderung unter vielen Frauen einbringt: Bei einer Umfrage an der Sultan Qaboos Universität in Muscat unter Studentinnen nannten viele als ihr Vorbild: Nadira Mahmoud, nicht nur wegen der Kleidung, sondern auch wegen ihrer mutig vertretenen Lebensphilosophie. Viele würden es ihr gern gleich tun, wagen jedoch nicht die Rebellion gegen tief verwurzelte Familien- und Stammestraditionen, obwohl sie unter dem Regime ihrer Väter und Brüder oft täglich leiden.

Nadira Mahmoud hat die Entwicklung Omans erlebt. Noch vor 40 Jahren gab es keine Schulen, ihre Eltern entschieden sich aus diesem Grund für ein Leben in Irak. Bagdad war damals sehr zivilisiert. Nachdem Sultan Qaboos im Jahr 1970 die Macht übernommen hatte, lud er alle Omanis, die im Ausland weilten, ein, nach Oman zurückzukommen – ein Aufruf, dem die Familie ein Jahr später folgte. Nadira fand ein Land vor, in dem das Mittelalter herrschte: es gab weder Schulen, Hospitäler, Straßen, Elektrizität noch fließendes Wasser. So gut wie alles war von Sultan Said bin Taimur, dem Vater von Sultan Qaboos, während seiner Regentschaft verboten gewesen: Sonnenbrillen, Rauchen, Radio hören, etc. Um zu studieren musste sie wieder ihre Heimat verlassen. An der Universität in Beirut (wo auch Bruder und Schwester studierten) schloss sie ihr Jura-Studium ab und kam nur in den Semester-Ferien nach Hause. Dann machte sie die Erfahrung, dass der Fortschritt seinen Lauf nahm, nur die Menschen blieben, wie sie waren. Selbst Omanis, die im Ausland studiert hatten, blieben den Traditionen verhaftet und eine Frau musste das omanische Gewand tragen, wollte sie respektiert werden. Die vielen Kulturen, Sekten, Stämme in dem relativ großen Land zusammenzubringen, verlangte einen weisen Mann, als der sich Sultan Qaboos erwies.

Nadira stammt aus einer großen Familie. Obwohl die Mehrzahl der Al-Lawatis streng gläubige Schiiten sind, war ihre in der Mittelschicht angesiedelte Familie nie extrem religiös. Ihre Eltern, vor allem die starke Mutter, legten Wert darauf, dass die acht Kinder (Nadira hat vier Brüder und drei Schwestern) eine gute Bildung bekamen. Die Kinder erfuhren viel Liebe und eine gute Erziehung, Moral spielte eine wichtige Rolle. Die Mutter war sehr wohlhabend,  kulturell interessiert, sie besaß eine große Bibliothek und als sie starb, ging ihr gesamtes Vermögen an die Fatima Wohltätigkeitsstiftung (das hatte die Familie vorher gemeinsam beschlossen). Die Stiftung WAQF wird heute von der Familie geleitet. Dem Vater lag das Thema Gesundheit am Herzen. Er versorgte die Kinder mit guten Ratschlägen. Noch bis kurz vor seinem Tod mit 95 Jahren ging er zu Fuß, weil er die Natur liebte. Er war Geschäftsmann und übte sich in freiem Handel – weitgehend unabhängig von Regierung oder Banken.

Aus Nadiras Ehe mit Abbas, der aus Bahrain stammt, stammen ihre Tochter Dina, die am St. Martin College in London studiert hat und heute bekannte Innenarchitektin ist und Sohn Faisal, der an der Universität Miami Computerwissenschaften studiert hat. Beide leben in Muscat. Die Leidenschaft für Kunst haben sie von ihrer Mutter nicht geerbt: Immer, wenn Künstler, wie Dichter und Maler zu Besuch kamen, hatten die Kinder andere Interessen – sie waren jedoch höchst kreativ und diese Eigenschaft haben sie von beiden Elternteilen geerbt. Ihren Mann Abbas lernte Nadira 1974 kennen. In Oman gab es kein Fernsehen, also auch keine Fernsehmoderatoren. Also wurde von der Regierung eine Gruppe von 3 Frauen und 12 Männern zusammengestellt, die hochoffiziell einen dreimonatigen Fernsehmoderatoren-Kurs in Kairo absolvierten. Offenbar waren die Gruppenmitglieder gut gewählt. Später stellten sie den Informationsminister, Bildungsminister und einige Botschafter. Abbas – Dichter, Autor und über 30 Jahre lang Chefredakteur des Magazins OPD News (Oman Petroleum Development Company) – war Leiter dieser Gruppe. Nadira beschreibt ihn als Hippie Typ, er sah aus wie ein Zigeuner und trug langes Haar, mit anderen Worten: er war anders als alle anderen. Er war gebildet, klug, offen und äußerst sympathisch – damals eine schillernde Figur, die mit Charme das Herz der jungen Nadira eroberte, die von ihm begeistert war. Ein Jahr später war sie mit ihm verheiratet.

Ihre künstlerische Entwicklung ist konsequent. Die Anfänge lagen in der gegenständlichen Malerei, die sie perfekt beherrscht. Das empfindet sie als Voraussetzung für Abstraktheit. Der Grad der Abstraktheit war früher bereits sehr hoch – aber die kräftigen Farben Omans dominierten damals noch. Das wird deutlich, wenn man z. B. abstrakte Gemälde, in denen man Masken zu erkennen glaubt, vergleicht: früher malte sie diese in kräftigen Farben, spätere Gemälde bestechen durch ihre Transparenz und eine kompliziert erscheinende Schlichtheit, von dezenter Farbgebung unterstrichen. In zunehmendem Maße verzichtet die Künstlerin ganz auf jede Farbe. In einer speziellen (Relief)-Technik entstehen Werke in Weiß auf weißem Hintergrund, die durch die Rahmung mit dicken, weißen Rahmen, auf denen das Glas aufliegt und somit einen bis zu 10 cm tiefen Abstand zum Werk schaffen, mit fast dreidimensionalem Eindruck: ein starker Appell an die Phantasie des Betrachters. Auch ganz andere Wege hat sie beschritten. Seit 2008 erschafft sie Skulpturen, wie sie findet, ein weiterer Schritt in einem langen Entwicklungsprozess. Ausgangsmaterial sind Baumstämme, gern auch solche, die sich verzweigen. Die Skulpturen vor ihrem Haus sind in einer Aktion zusammen mit Kindern und Jugendlichen entstanden. Die von Nadira geschaffenen Skulpturen sind schlicht, sie hat die Baumstämme mit weißer Kordel verkleidet und einige scheinen dicht an dicht mit schwarzen Pailletten besät zu sein, die sich bei näherer Betrachtung als Nägel erweisen. Die Skulpturen sind inzwischen von einem Blütenmeer von Bougainvillea eingerahmt.

Dem Verzicht auf Farben in ihren Kunstwerken steht ein regelrechter Farbhunger auf anderen Gebieten gegenüber. In ihrem Haus hat sie die Innendekoration im Laufe des Jahres 2010 vollständig verändert. Weiß ist die dominierende Farbe. An den Wänden kommen die Gemälde ihrer Kunstsammlung von Werken vorrangig arabischer Künstler besonders gut zur Geltung. Die Kunstsammlung ist in 30 Jahren stetig angewachsen und darunter sind Werke so berühmter Künstler wie Fateh Al Moudarres (Syrien), Ismail Fatah (Irak), Shaker Hassan Al Said (Irak), Paul Guiragossian (Libanon), Eteel Adnan (Libanon). In vielen beleuchteten Vitrinen sind auf ihren Reisen oder auf dem jährlichen Muscat Festival erworbene, erlesene, kunsthandwerkliche Gegenstände zu sehen:  Korbwaren aus Jemen, handgearbeitete  Textilien in leuchtenden Farben aus Syrien, Teegläser aus Marokko, etc.

Wenn sie auch im eigenen Land nicht immer so verstanden wird, wie sie sich das wünscht, so ist ihre Situation im Ausland eine ganz andere. Dort ist sie mit ihren Werken gefragt. Die Liste der Einzelausstellungen in arabischen Staaten, wie Kuwait, Bahrain, Ägypten, und in der übrigen Welt, wie Iran und Mexiko, um nur einige Länder zu nennen, ist lang. Noch viel länger ist die Liste der Gruppenausstellungen – die Länder reichen von USA bis China.  In Deutschland waren 70 ihrer Bilder 2002 in einer Ausstellung im Theater an der Ruhr in Mülheim zu sehen, bevor sie in andere deutsche Städte weiter wanderten. „Abstrakter Hauch Orient“ titelte die deutsche Presse in etwas romantischer Verklärung. Sie hat viele Auszeichnungen erhalten und ihre Gemälde sind in Privatbesitz von  Königshäusern, wohlhabenden Scheichs, Emiren und Familien in der gesamten Arabischen Welt, in USA und Europa. Auch die Kulturministerien in Tunesien und Syrien haben ihre Bilder erworben, neben dem Nationalmuseum Jordanien, dem Staatsrat für Kunst und Kultur in Kuwait, dem Kunstmuseum in Qatar, u.v.m.

„Mein Werk spiegelt meine Seele“ ist ein Zitat in einer Überschrift einer der vielen Presseartikel über Ausstellungen im Ausland. Nach langen Gesprächen in ihrem Haus in Muscat stellt man fest: das trifft zu in allen Stadien, die sie während ihres rebellischen künstlerischen und privaten Lebens erlebte:

Frage: Wie kamen Sie zur Malerei?
Nadira: Ich habe diese Gabe schon seit meiner Kindheit. Wenn ich früher meine Gemälde malte, war  ich in einer anderen Welt und konnte nach Fertigstellung des Bildes kaum glauben, dass ich selbst dies alles geschaffen habe. Ähnlich geht es mir bei meinen heutigen Werken, die man nicht als Malerei beschreiben kann, obwohl es Arbeiten sind, die üblicherweise gerahmt Wände schmücken.

Frage: Blieben Sie früher zum Malen in der Hauptstadt?
Nadira: So oft wie möglich, besonders gern im Winter und im Frühling, habe ich Muscat verlassen und mich aufs Land oder in kleinere Städte begeben, um im Freien zu malen. Die Felslandschaft mit den üppigen, tropischen Pflanzen, Palmen und Bäumen und die Lehmdörfer mit den traditionell gekleideten Bewohnern, vor allem die Beduinenfrauen in ihren bunten Kleidern, inspirierten mich – genauso wie z. B. die schneeweiße Hafenstadt Sohar, die Stadt Sindbad des Seefahrers. Im Unterbewusstsein hat sich vielleicht in Sohar bereits meine spätere Vorliebe für weiß gebildet. Bei der Arbeit an meinen Werken höre ich am liebsten Beethoven, Chopin, aber auch gern arabische Musik.

Frage: Können Sie etwas zur Technik Ihrer Werke sagen?
Nadira: Ich habe während der letzten Jahre, als ich noch Farben benutzte, meine eigene Technik entwickelt und erfand eine spezielle Farbmischung. Ich malte zuerst auf Papier, das eine besondere Zusammensetzung hatte und später auf speziellem Material: das möchte ich jedoch geheim halten. Für meine heutigen Werke wähle ich ebenfalls spezielle Materialien aus, deren Vorbereitung den Einsatz körperlicher Kraft erfordert.

Frage: Welche Rolle spielten früher die Farben in Ihrer Malerei?
Nadira: Früher habe ich alle Farben, die in der Natur um mich herum vorkommen, verwendet, bis hin zu den Farben in den Tiefen des Meeres: es gibt unglaublich farbenfrohe Korallenfische und Meerespflanzen, und die Natur selbst nutzt diese Farbenpracht und schafft Zeichnungen, Gravuren und Muster unbegrenzter Vielfalt und Schönheit. Ich bemühte mich um genaue Beobachtung: Das Meer zeichnet Wellen und Wogen, der Wind zeichnet Spuren in den Sand, Sonnenstrahlen zeichnen Licht und Schatten – und dies alles geschieht in der Umgebung aller nur erdenklichen Farben. Heute nehme ich mich in der Farbgebung sehr zurück.

Frage: Warum malen Sie – von wenigen Ausnahmen abgesehen, wie ein realistisches Porträt Ihrer Tochter in omanischer Kleidung zeigt – abstrakt?
Nadira: Auch ich bin, genauso wie die Besucher Omans, überwältigt von der Schönheit der Natur und von der in der Natur vorkommenden Farbenvielfalt von Meer, Wüste – wie z. B. der rote Sand der Wahiba Sands -, Erde, Felsen und nicht zuletzt der Kleidung der Menschen, insbesondere der Beduinen-Frauen in den verschiedenen Provinzen, die sich sehr farbenprächtig kleiden. Die Landschaften Omans präsentieren sich sozusagen in immer wechselnden Gemälden von intensiver Farbenpracht, je nach Tageszeit und Sonnenlichteinstrahlung. Der Lichteinfall in den alten Burgen und Forts, bei den Türmen, durch Türen und Fenster, die wunderschönen alten Häuser mit ihren holzgeschnitzten Türen und Fenstern, die traditionellen, kunsthandwerklichen Gegenstände, omanische, traditionelle Gewänder bis hin zum Khanjar (Dolch), der wie selbstverständlich zur Kleidung der Männer gehört, dem Schild und den alten Waffen. Es gehört alles dazu, wie auch die Bäume und Pflanzen, insbesondere der knorrige Weihrauchstrauch in der Provinz Dhofar im Süden, die Tiere – allen voran die in der Wüste allgegenwärtigen Kamele – , die Spuren des Windes im feinen Wüstensand – alles dies zusammen sehe ich und genieße ich, aber ich verarbeite das Gesehene in einer ganz bestimmten Weise auf sehr abstrakter Ebene. Ich bin weder Orientalist noch Surrealist, ich sehe die Welt aus meinem eigenen Blickwinkel. Ich glaube, meine Erfahrung ist eine Verknüpfung von erlebnisreicher Kindheit und fortgeschrittenem abstrakten Bewusstsein. Ich bin eine Träumerin, würde aber eine halb gefüllte Tasse immer als halbvoll bezeichnen und nicht als halbleer, daraus ersehen Sie meine positive Einstellung. Wenn ich durch mein Land fahre, dann konzentrieren sich Farben und Flächen zu abstrakten Mustern aus Linien und Punkten – und diese finden Ausdruck in meinen Werken.

Frage: Warum haben Sie die Farben und Formen so stark zurück genommen, dass Ihre Kunstwerke heute weiß sind und nur noch aus Punkten und Linien bestehen?
Nadira: Wir sind von Farben umgeben, ob in den Städten, der Natur oder im Fernsehen. Farbe dominiert und das Auge wird müde, alle diese Farben wahrzunehmen. Als ich mit dem Malen begann, nutzte ich voller Begeisterung viele Farben, dann nahm ich die Farben stark zurück und konzentrierte mich auf Naturfarben wie grau, braun und vor allem beige-Töne, die Farben der Wüste, bis ich auch diese Farben aufgab und nur noch weiß benutzte. Das ist das schwierigste Stadium, das ein Künstler erreichen kann. Ich reduziere damit alles – nicht nur die Farbe, sondern konsequenterweise auch die Formen: auf Linien und Punkte. Ich habe eine spezielle Rahmung meiner Werke erfunden. Die weißen, breiten Holz-Rahmen sind etwa 10 cm dick und das Glas wird oben auf dem Rahmen angebracht, d. h. der Abstand von Werk und Glas beträgt etwa 10 cm. Dadurch wird ein besonderer, räumlicher Effekt erzielt. Meine Werke folgen bestimmten Regeln: Ändert sich ein Punkt oder eine Linie, dann ändert sich das Ganze. Wenn wir arbeiten, erfolgt dies auch nach bestimmten Regeln. Es gibt viele Gefühle und Leidenschaften, aber zur gleichen Zeit gibt es eine Idee. Wenn ein Punkt in meinem Werk entfällt, ist die Idee zerstört. In meiner Kunst ist es wie in der Poesie, wo oft mit wenigen Worten viel gesagt wird: weniger ist oft mehr.

Frage: Wie entsteht ein Werk der „weißen Kunst“?
Nadira: Es gibt keinen Plan. Eine weiße Fläche liegt vor mir. Ich sitze manchmal tagelang vor der Leere, die erste Aktivität ist sehr schwer. Nach dem Start geht es schnell – meine Gedanken explodieren und dann brauche ich Pausen, in denen ich ein Gedicht oder ein Buch lese, manchmal schaue ich TV, das gibt mir dann wieder Kraft und Energie, weiterzumachen. Motivation ist nötig, die kreiere ich selbst. Ein Künstler braucht eine spezielle Atmosphäre, um arbeiten zu können. Ich arbeite an mehreren Werken gleichzeitig, zumal auch die unterschiedlichen Techniken sehr viel Kraft erfordern. Derzeit arbeite ich mit verschiedenen Materialien und Papieren aus China und Japan, stelle aber auch mein eigenes Papier her – mit sehr rauer Oberfläche, ein schwieriger Prozess, der den Umgang mit Chemikalien erfordert und mich manchmal krank macht.  Mich haben auf meinen Reisen nach Mexiko, Japan, Korea und China die dortigen Künstler tief beeindruckt, die typische Materialien ihrer Umwelt nutzen. In China habe ich eine Papierfabrik besucht, die einem chinesischen Künstler gehört. Ich kam in ein Wunderland und habe viel Neues entdeckt. Ich gebe zu, dass mich der Kontakt mit Künstlern anderer Länder, der Besuch in ihren Ateliers und in Kunstgalerien sehr beeinflusst hat. Ich habe ganz spezielle Erfahrungen gemacht und fühlte mich Picasso sehr nahe, der auch viel gereist ist, aber trotz aller Einflüsse immer Picasso blieb. Mein Motto lautet: Sei offen für alles, behalte Deinen eigenen Stil, nehme und gebe. Vor einiger Zeit habe ich damit begonnen, Materialien der Natur zu nutzen, also z. B. Blätter von Bäumen. Bei meiner Reise nach Indien habe ich entdeckt, dass man Gewürze zum Malen verwenden kann, auch Tee und Kaffee. In Iran und in der Türkei war ich magisch von den Märkten angezogen. Ich habe alle Eindrücke in meiner Erinnerung gespeichert, denn die künstlerische Verarbeitung des Gesehenen, Gefühlten, Erlebten erfolgt derzeit nur in meinem Studio. Meine Situation möchte ich mit der folgenden Geschichte erläutern: Ein Mann fragt einen berühmten Dichter, wie er Dichter werden kann. Der Dichter sagt ihm: Geh und lerne 10.000 Gedichtzeilen. Der Mann folgt diesem Rat und dann sagt ihm der Dichter: Nun geh und vergesse alles, nur dann wirst Du ein Poet.

Frage: Wie sehen Sie selbst die Entwicklung Ihrer Kunst in den letzten 30 Jahren?
Nadira: Nach 30 Jahren Arbeit muss es eine Entwicklung geben. Ich sehe mein bisheriges Leben wie die Gemälde in verschiedenen Stadien. Eine große Herausforderung ist die rasch vergehende Zeit und ich glaube, dass ich jetzt ein wichtiges Stadium erreicht habe. Viele Künstler machen heutzutage Videos oder kreieren Computerkunst. Für meine Arbeit kann ich mir das nicht vorstellen, ich sehe darin ein Kopieren der Westlichen Welt. Mit der zunehmenden, weltweiten Verbreitung des Internet wird Kopieren immer einfacher. Ich bin in den letzten 12 Jahren in der Welt gereist, habe mehr als 17 Länder besucht, sogar bis nach Alaska hat es mich verschlagen. Überall habe ich Kunstgalerien, Künstler und Kunstmuseen besucht, weil ich wissen wollte, wie Kunst sich in anderen Ländern entwickelt und um Anregungen für meine eigene Kunst zu bekommen. In Korea sah ich, wie ein dortiger Künstler ein Kunstexperiment in London kopierte. Überall wird gestohlen von Ideen bis zu konkreten Umsetzungen. Vor diesem Hintergrund ist mir meine eigenständige Entwicklung umso wichtiger. Auch die Beschäftigung mit Skulpturen geht in diese Richtung und vor allen Dingen lege ich in diesem Bereich Wert auf die Verwendung von natürlichen Materialien, die ich dann sparsam mit Farbe und Nägeln bearbeite. Die Nägel symbolisieren die Restriktionen, von denen die Menschen umgeben sind: Es gibt Mauern, politische und gesellschaftliche Hindernisse. Meine Skulpturen haben keine speziellen Namen, ich nenne sie alle „Nägel“.

Frage: Die neuen Entwürfe in Ihrem Studio sind fast ausnahmslos zwar immer noch weiß, aber nun sind sie dreidimensional. Welches Konzept steht dahinter?
Nadira: Ich sehe dies als logische Entwicklung der zweidimensionalen „Reliefarbeiten“. Punkte und Linien bleiben nicht mehr in einer Ebene, sondern sie streben in die dritte Dimension. Dazu sind wiederum andere Materialien erforderlich und da die einzelnen Werke meist großformatig ausfallen und ich mich um Naturmaterial bemühe, bedeutet das einen besonderen Aufwand – angefangen von der Auswahl des Materials bis hin zum entsprechenden Arrangement.

Frage: Kümmern Sie sich selbst um die Organisation Ihrer Ausstellungen?
Nadira: Nein, die großen, namhaften Galerien kümmern sich darum, denen kann man vertrauen. Ständig sind etwa 35 bis 40 Werke irgendwo auf der Welt unterwegs zu Ausstellungen. Im Sommer verstärke ich die Tätigkeit für eigene Ausstellungen. Nach mehr als 20 Jahren plane ich bald wieder eine Ausstellung in Muscat.

Frage: Würden Sie sich als emanzipierte Frau bezeichnen?
Nadira: Ohne Frage – ja! In Oman mit seiner politischen und wirtschaftlichen Stabilität haben wir ein ausgezeichnetes Bildungswesen und sehr gute Universitäten. Frauen können genauso wie Männer ihrem Wunsch entsprechend studieren und einen Beruf ausüben. Dies wird auch von Seiner Majestät Sultan Qaboos stark unterstützt. Wer will und die Möglichkeit dazu hat, kann Karriere machen und ein den persönlichen Wünschen entsprechendes Leben führen, übrigens egal, ob in der Öffentlichkeit verschleiert oder nicht verschleiert. Ich trage meist Kleidung europäischen Stils und bin nicht verschleiert. So konnten Sie mich in den letzten Jahren stets antreffen. Das heißt aber nicht, dass das immer so bleiben muss. Vielleicht entscheide ich mich irgendwann einmal für den Schleier. Ich will damit sagen: Es gibt keine Vorschriften, Schleier tragen zu müssen. Jede Frau entscheidet ganz persönlich für sich allein. Kleidung und Mode spielen für mich im Übrigen keine so wesentliche Rolle; mir ist vor allem meine Kunst wichtig.

Frage: Wie sehen Sie die Rolle und Entwicklung der zeitgenössischen bildenden Künste und Künstler und der Kunstgesellschaft in Oman?
Nadira: Zunächst einmal glaube ich, dass man keinen Vergleich zum Beispiel mit Europa und seiner langen, künstlerischen Tradition anstellen kann. In der Arabischen Welt haben wir nur gut 100 Jahre Erfahrung mit Kunst. In islamischen Ländern war fotografieren und malen Jahrhunderte lang verboten, allerdings gibt es die reiche Geschichte der Islamischen Kunst und Architektur. Bemerkenswert ist die Renaissance der Kunst in den Golfstaaten. In Oman haben sich in den letzten Jahrzehnten Künstler wie Anwar Sonia und Hassan Meer einen internationalen Namen gemacht, wir sind befreundet. Die Kunstgesellschaft leistet sicherlich wichtige Arbeit mit ihren laufenden Ausstellungen und der Förderung von Nachwuchstalenten. Ich war dort allerdings nie Mitglied und pflege auch keine Kontakte, weil ich mich selbst als Institution betrachte und diese Art Kunstbetrieb nicht brauche. Außerdem lege ich größten Wert auf vollständige Unabhängigkeit. Die künstlerische Arbeit reflektiert kulturelle, nationale und soziale Umstände und ist in jedem Fall ständige Suche und ständiges Leiden. Wichtig ist, dass der Künstler seine eigene Kreativität ausleben kann. Wo dies nicht dem Publikumsgeschmack entspricht, wird es immer Probleme geben, wenn es für den Künstler darum geht, von seiner Arbeit leben zu müssen. Für solche Fälle erwarte ich staatliche Unterstützung. Wenn die zeitgenössische Kunst zur „Normalkost“ für alle Menschen würde, dann könnte sie entscheidend zum kulturellen Fortschritt beitragen, wobei sie eine erzieherische und ästhetische Rolle spielen und sogar Lebensqualität und gewisse Trends positiv verändern könnte.

Frage: Wo wollen Sie in Zukunft Ihren Schwerpunkt setzen?
Nadira: Ich möchte die Arbeit auf internationaler Ebene fortsetzen und mich weiterhin ausschließlich der Kunst widmen. Ich sehe den Schwerpunkt meiner Interessen und meiner Arbeit im künstlerischen Bereich. Bis vor 18 Jahren war ich Rechtsanwältin im Justizministerium. Diese Tätigkeit habe ich aufgegeben, weil ich mich ausschließlich der Kunst widmen wollte, was ich bisher nicht bereut habe. Die Konzentration auf die Kunst wird jeden Tag stärker, inzwischen stört es mich schon, wenn ich mich um Alltagsdinge kümmern muss oder um Organisatorisches im Zusammenhang mit internationalen Ausstellungen. Ich verbringe den ganzen Tag mit künstlerischer Tätigkeit und Lesen, wobei ich auch deutsche Schriftsteller lese, z. B. Heine und Kafka – in arabischer Übersetzung. In zunehmendem Maße ist meine Kunst vom Sufismus beeinflusst. Je mehr ich mich von materiellen Dingen befreie, desto leichter fühle ich mich. Das Leben ist heutzutage von Materialismus geprägt. Kunst ist mit dem Leben verbunden, je mehr ich mich dem Materialismus widme, desto mehr verliere ich den Kontakt zur Kunst. In dem Maße, in dem ich mich vom Materialismus entferne, wird meine Kunst transparenter. Mir geht es um Ehrlichkeit in der Kunst. Viele Künstler schaffen Werke, die bestimmten “Kunstmäzenen“ oder Regierungen gefallen sollen, damit sie sie kaufen. Sie verleugnen sich selbst, verdienen für kurze Zeit Geld und werden dann vergessen. Ich habe in den letzten Jahrzehnten viele Künstler kommen und gehen sehen. Als Künstler sollte man für sich leben und nicht für andere und man sollte von Institutionen unabhängig sein. Meine abstrakte Kunst ist in meinem eigenen Land umstritten. Die Menschen wollen Gemälde von Kamelen oder Pferden – auf jeden Fall wollen sie das Motiv des Bildes gleich erkennen. Die Zeit meines realistischen Malstils gehört lange der Vergangenheit an. Auch wenn es oft nicht verstanden wird, ich werde weiter abstrakt malen, auch wenn das für mich Leiden bedeutet, aber ich bin fest davon überzeugt, dass die Zeit für mich arbeitet. Vielleicht versteht mich die nächste Generation besser. In meiner Kunst spiegelt sich meine ureigene Auffassung vom Sufismus. Ich bin in einer religiösen Familie aufgewachsen. Ich bin eine omanische Frau, Muslimin und Künstlerin und kann aus meiner Haut nicht heraus. In der Islamischen Welt wird manchmal nur schwer verstanden, dass wirkliche Künstler oft so denken wie ich.“

Frage: Wovon träumen Sie?
Nadira: Meine Träume gehören mir. Niemand kann Nägel (da sind sie wieder!) auf meine Träume nageln. Ich kann aber sagen, dass ich von einem besonderen Werk träume, dass ich bisher noch nicht geschaffen habe. Und an der Verwirklichung eines weiteren Traums arbeite ich: Meine eigene Galerie für meine Kunstwerke. Ich hätte die Galerie gern bereits 2006 eröffnet, als Muscat Kulturhauptstadt der Arabischen Welt war, aber es ist nicht einfach, ein gutes Grundstück für eine Kunstgalerie zu finden. Vor einiger Zeit konnte ich das meinem Haus benachbarte Grundstück in Hanglage erwerben und will nun dort die Galerie bauen lassen.

Frage: Was bedeutete das 1. Internationale Kunst-Symposium in Oman für Sie?
Nadira: Ich hatte schon lange die Idee für ein Kunst-Symposium in Muscat. Im März 2011   habe ich in meiner Eigenschaft als Künstlerin einen schriftlichen Projektplan persönlich beim Kulturministerium und bei der Muscat Municipality übergeben und leider keine Antwort bekommen, was mich sehr entmutigt und enttäuscht hat. Im September 2011 wagte ich einen zweiten Versuch und übergab meinen Projektplan persönlich an Abdulmalik Al Khalili, einem Abteilungsdirektor im Tourismusministerium, der aus guter Familie mit bestem Bildungshintergrund stammt. Ich bekam volle Unterstüzung für das Projekt. „Gebt ihr alles, was sie für die Realisierung des Symposiums braucht“, lautete die Anweisung des Ministers, der mir vertraute, weil er mich aus früheren Zeiten kannte, als ich 1996 finanzielle Unterstützung in Form von 100.000 Omani Rial (ca. 200.000 Euro) für die Galerie im Hotel Intercontinental abgelehnt hatte, genauso wie ein Angebot als Kunstberaterin zu arbeiten. Ich hatte die Ablehnung damals damit begründet, dass ich kein Geld brauchte, sondern nur für die Kunst leben wollte. Als im November 2011 Muscat zur Hauptstadt des Tourismus der Arabischen Welt 2012 gekürt wurde, hat das Tourismusministerium umgehend  beschlossen, das Kunstsymposium in das offizielle Programm aufzunehmen mit Datum vom 10.-24. März 2012. Ich hatte also nur drei Monate Zeit, das Symposium zu organisieren und nahm als erstes Kontakt mit den Künstlern auf, die ich aus dem Internet kannte, nur die wenigsten kannte ich persönlich. Ursprünglich dachte ich an 16 internationale  Künstler: 8 Bildhauer und 8 Maler, es wurden dann 5 Bildhauer, 9 Maler und 2 Journalisten. Außerdem nahmen 15 omanische Künstler teil, die von der Veranstaltung stark profitierten. Von der Formulierung der offiziellen Einladung durch das Tourismusministerium über die Organisation von Begleitveranstaltungen im Cultural Club und an der Sultan Qaboos Universität,  Ausflügen nach Nizwa und in die Wahiba Wüste mit einer Übernachtung im Arabian Oryx Wüstencamp bis hin zur Beschaffung des Materials für die Künstler, inkl. 3 m hoher Marmorblöcke für die Bildhauer und deren Arbeitswerkzeug, lag alles in meiner Hand. Das Tourismusministerium hat zwar die Finanzierung des Symposiums übernommen, das Hotel Muscat Intercontinantal stellte seinen Park für die Arbeiten der Künstler zur Verfügung, aber die gesamte Organisation war mir überlassen. Trotz der vielen Arbeit hoffe ich, dass es auch in Zukunft – vielleicht alle zwei Jahre – ein solches Kunstsymposien in Muscat geben wird, denn es hat nicht nur für mich große Bedeutung, sondern für das ganze Land. Das Kunst-Symposium ist Teil eines weiteren Wunschtraums von mir: Ich möchte, dass Kunst als „tägliches Brot“ angesehen wird. Ich setze mich für Kunstunterricht an den Schulen ein, ich kämpfe für ein Kunst Programm im Fernsehen und für Bibliotheken in jeder Gemeinde. Es gibt bisher keine öffentlichen Bibliotheken und wenn welche geplant werden, dann denkt niemand an den Bereich der Kunst. Ich weiß, wie wichtig Lesen ist, schließlich habe ich selbst mein Wissen durch vieles Lesen erworben. Am traurigsten macht mich jedoch, dass Muscat, das durch seine dutzend Museen im Hinblick auf die Museumslandschaft in den Hauptstädten der Arabischen Welt recht gut abschneidet, bisher kein Kunstmuseum hat.

Je länger man Nadira Mahmoud kennt, desto weiter geht die Entdeckungsreise. Nadira ist immer für neue Überraschungen gut und nach jedem Gespräch bleibt etwas Geheimnisvolles, genau wie in ihrer wunderschönen Heimat, in der es auch nach vielen Besuchen in der Vergangenheit bei neuen Reisen in das Sultanat immer Interessantes, Neues und Unerwartetes zu entdecken gibt.

Muscat im Januar 2013

 

---

Biographie de Nadra Mahmoud

Si quelqu’un me questionnait sur les motifs profonds qui ont fait de moi une peintre abstraite, je répondrais que ce sont les mêmes raisons qui poussent un poète à écrire un en vers et un autre à écrire en prose. Je trouve dans l’abstraction une liberté à la fois plus ample et plus difficile. C’est aussi parce que je trouve que la personnification est relative à une époque antérieure et à une vue antique du monde ; la discipline y est très souvent formelle.

•J’ai toujours pensé que j’étais une enfant différente des autres enfants, et c’est  effectivement ce que j’ai découvert ultérieurement. J’ai été traitée différemment de mes pairs à l’école et à la maison et j’ai toujours l’impression que je suis différente. Je garde encore mes dessins d’enfance, lorsque j’étais à l’école élémentaire. Quand j’y reviens, je m’étonne : comment ai-je pu les dessiner à ce jeune âge ? Ces dessins pourraient avoir une signification, petite ou grande, sur ce que je deviendrais plus tard.
J’avais dessiné des visages d’hommes et de femmes. Bien sûr, ces dessins n’étaient pas abstraits, mais je les avais faits d’une manière disciplinée ; avec un peu d’exagération,  je pourrais même dire qu’ils étaient peints avec un style presque ‘Académique’…

• Notre école se trouvait près de la maison ; elle se nommait : « l’école exemplaire ». J’y allais tous les jours à pied avec deux de mes frères. C’était une école mixte. On y commençait le matin et on y restait jusqu’à quatre heures de l’après-midi. La mixité était une chose naturelle ; c’est ainsi que j’ai été élevée. Mes parents étaient des gens ouverts sur le monde ; même ceux qui nous entouraient, les amis et les voisins, étaient des gens éclairés. Lorsque j’entends aujourd’hui certaines idées obscurantistes étonnantes concernant la femme, le voile et d’autres controverses inutiles qui n’ont aucun contenu et auxquelles je n’étais pas accoutumée durant ma première éducation, je constate que la conscience sociale dans les années 1970 était vraiment illuminée et ouverte. Dans le climat culturel actuel, j’ai l’impression de venir d’un autre monde. J’éprouve un éloignement terrible, comme si je n’étais pas encore capable de m’entendre avec quelqu’un, de sorte qu’aujourd’hui, je n’échange des visites qu’en fonction de choix déterminés et stricts. Une fois, j’avais invité chez moi un groupe de poètes, d’artistes et d’intellectuelles Omanaises avec lesquelles j’ai essayé de tisser des liens d’amitié ; cependant, je n’y ai pas réussi à cause de l’hégémonie d’un climat fermé et d’idées reçues. Alors, j’ai préféré ma solitude. Je ne peux voir mes concitoyennes couvertes de noir, de la tête jusqu’aux doigts des pieds. Je me suis sentie comme étranglée. Ma physionomie était étrange parmi elles ; en fin de compte, je n’ai pas réussi à créer une harmonie avec elles. C’est pourquoi j’invite souvent des amis qui ne sont pas d’Oman ; mon dernier invité était le poète Saadi Youssef.

• Aujourd’hui, je me demande : Est-ce que j’étais plus inclinée aux couleurs ou aux figures ? Je réponds : les deux. C’est en effet ce qui m’a aidée plus tard, car cela m’a octroyé un fondement solide. Dans mes dessins précoces, une obsession des couleurs n’était pas nécessairement présente. Je n’avais pas non plus une tendance spontanée. Je construisais mon tableau d’une manière solide. Mes œuvres ne ressemblaient pas à celles de mes pairs. La première différence, c’est que je maîtrisais parfaitement mes outils. Aujourd’hui, je ne peux pas dessiner de la même manière, ni avec une pareille habilité. J’ai aujourd’hui une humeur différente, une vue différente du tableau.

• J’appartiens à une famille attachée à la science et à la lecture, dont les enfants ont étudié plus tard dans des universités à l’étranger. À Oman, il existait une seule école, Al-Saïdieh, située au centre de Mascate. Dans ma famille, on a eu l’opportunité d’aller à l’école primaire en Irak, puis à Beyrouth… En effet, il n’y avait pas d’écoles primaires à Oman avant les années 1970. Tout était difficile. La ville était entourée de murailles. Nos parents nous ont envoyés étudier en Irak car plus qu’aucun autre pays, c’était alors le pays qui nous garantissait la possibilité d’étudier. J’ajoute que l’accent y est proche de celui de Mascate. Les études en dehors d’Oman étaient réservées aux garçons et aux enfants de l’élite.

• Je suis la fille d’Oman ; il ne fait aucun doute que le milieu de Mascate, sa géographie et sa nature ont laissé un impact significatif et des souvenirs visuels dans ma mémoire. Nous savons que la culture du pays et de l’endroit laissent un effet certain chez tout être humain. Je parle surtout de l’impact de la mer et des maisons. Il était interdit de peindre les murs des maisons avec une couleur autre que le blanc. Cette couleur s’étendra dans mon for intérieur et deviendra plus tard une obsession permanente. À cause du blanc, je suis devenue une obsédée de la propreté. Le style omanais antique des maisons me plait. Le blanc est resté dans ma mémoire, à tel point que mes yeux sont très souvent fatigués de voir les autres couleurs, mais il y est resté aussi de manière inconsciente. Pour moi, la maison doit être blanche. Mes vêtements sont presque tous blancs.

• Cette sincérité est l’élément le plus important dans tout travail créatif. Cette sincérité nous manque avec la répétition et le temps.
• Je n’ai aucun mauvais souvenir de mon enfance. Je suis d’une famille nombreuse, composée de quatre garçons, dont l’aîné est décédé, et de trois filles, dont je suis la cadette. Ma famille est très religieuse et mystique. Lorsque nous étions jeunes, nous avions l’habitude de prier ensemble à la maison ; malheur à celui qui en abandonnait les obligations. Aujourd’hui encore, la prière est importante pour mes enfants. Le jeûne était également essentiel à la maison. Nous avons reçu une éducation religieuse stricte dont nous n’avons échappé en partie qu’au Liban plus tard.

• Dans l’art, les choses ne viennent pas facilement. L’art est le bilan des expériences, la vérité profonde de la vie. Cette vieille expérience de douleur a été mon problème majeur pour suivre les leçons, d’abord en Irak et ultérieurement lorsque je fus traitée à Beyrouth.

• J’ai rencontré les poètes Saadi Youssef et Fadel Al-Azzawi très tôt. Lorsqu’Al-Azzawi s’est rendu à Oman 20 ans plus tard, c’est de moi qu’il s’est informé avant tout le monde, car c’est lui qui m’a découverte. Il a écrit sur moi lorsque j’avais 12 ans. Je faisais mes études en Irak parce qu’à Oman, il n’y avait pas d’écoles. Il avait écrit sur moi dans l’hebdomadaire « Alef Ba’a » dont il était le rédacteur en chef à l’époque. Je garde toujours ce numéro. Ensuite, d’autres ont parlé de moi, comme Nazih Khater par exemple. Quant à la nouvelliste Salima Saleh, l’épouse d’Al-Azzawi, elle avait fait avec moi une interview pour le même magasine ; j’avais alors 14 ans. Mes réponses à ses questions étaient mûres ; j’avais parlé de liberté et d’esclavage. Je dessinais des portraits ; si quelqu’un me demande pourquoi, je répondrais que le portrait, c’est le monde, c’est le résumé du monde. Curieusement, mes idées n’ont pas changé depuis 40 ans.

• Retour à l’enfance ; je me souviens que nous passions la plupart de notre temps à l’école. Je me souviens de sa grande cour, des leçons de musique et du cours d’histoire.

• Maintenant, que reste-t-il dans ma mémoire de tout cela? Le jardin de notre maison, l’école, les monuments, puis mes frères. Mes frères n’étaient pas proches de moi. Ils craignaient parce que j’étais gâtée, notamment parce que j’étais la cadette. À l’époque, la sieste était un rite important en été. Mais mes frères sautaient comme des diables au beau milieu de la journée parce qu’ils voulaient jouer dans le jardin au lieu de dormir. Je leur courais après et ils me chassaient.

• J’ai quitté Bagdad au début des années 1970, en 1972, puis je l’ai visitée en 1976, je pense ; cette visite était brève et je n’y suis jamais retournée depuis. J’ai fait mes études de collège et de lycée à Mascate. En cette époque-là, je n’ai pas été influencé par l’un de mes professeurs, mais j’aimais déjà les travaux du défunt Shaker Hassan Al-Saïd ; je respectais également ses idées concernant la religiosité. Ultérieurement, j’ai été attirée par quelques œuvres de l’artiste syrien défunt Fateh Al-Moudarress et par ses idées. Mes premiers tableaux sont largement influencés par Shaker Al-Saïd. Ensuite, j’ai rencontré ces deux artiste, et entre nous s’est nouée une grande relation spirituelle. Al-Moudarress aimait et appréciait mon travail. Il m’avait invitée en Syrie, où j’ai fait une exposition à Damas en 1992, si ma mémoire ne me trahit pas. C’était la première exposition que je faisais en dehors d’Oman après celle de Sharjah en 1989. Certains ont exprimé leur surprise face à la présence d’une artiste Omanaise qui fait des tableaux abstraits. L’idée en vigueur, c’était que la femme Omanaise met la Bourka et qu’elle dessine des chameaux. En Syrie, j’ai visité les artistes chez eux, comme par exemple, Nazir Ismail, Nazih Ismail et Nasir Shora.  Je me souviens encore de l’étrange escalier de la maison de Nazir Ismail. Il y a quelque temps, j’ai demandé à une amie syrienne si Nazir Ismail habitait toujours dans la même maison. Elle m’a assurée qu’il y habitait toujours, mais qu’il s’arrête maintenant pour se reposer lorsqu’il monte cet escalier. Il est célèbre, cet escalier de Nazir ; car il est tellement rude que celui qui le monte risque d’avoir de graves problèmes s’il est cardiaque. Je me souviens aussi de Shalabia, son épouse égyptienne. J’ai beaucoup de beaux souvenirs de la Syrie.

• Je crois que je suis un mélange de cultures multiples, d’expériences, de sectes, de dogmes et de doctrines. C’est ce dont a parlé et à quoi c’est intéressé Roberto Celli… j’aime beaucoup lire sur ce problème existentiel. Lorsque je suis revenue d’Irak à Mascate en 1972, la ville n’était pas comme elle est maintenant ; elle a vécu beaucoup de changements, architecturaux, humains et culturels.

Cette année là, au début des années 1970, il n’y avait qu’une seule école pour les filles. Il y avait une seule rue. Nous nous déplacions dans des ‘Jeeps’ car les routes s’étendent dans des montagnes montueuses. Il y avait aussi une seule station radio à Mascate, constituée de quelques salles construites en bois. La même personne jouait plusieurs rôles et remplissait plusieurs fonctions. Elle rédigeait les nouvelles et les lisait. Bien sûr, il n’y avait pas de télévision. Lorsque plus tard la télévision a été lancée, j’y ai travaillé en tant que présentatrice et décoriste.

• Ce dont je me souviens le plus, ce sont les femmes de Mascate. Elles mettaient des vêtements aux couleurs chaudes et joyeuses, parsemés de fleurs et de roses. Elles étaient resplendissantes, comme des papillons colorés. Je pourrais même dire qu’elles jouissaient de la liberté de s’habiller à leur gré. Leurs vêtements omanais les distinguaient de manière spectaculaire. De beaux vêtements, qu’on appelait Maxi et Couette. La couette est ce qui est posé sur la tête. Le tissu était léger. On pouvait entrevoir les cheveux à travers la couette, non pas comme il est le cas actuellement.

• La plupart des maisons de Mascate étaient bâties en terre et en pierres. Elles étaient simples et argileuses. L’électricité n’existait pas avant 1970. La vie était très dure et avait un rythme ennuyeux. La nourriture était également non saine, car elle arrivait de l’étranger. Tout était congelé à l’exception du poisson qui provenait directement de la mer. Le poisson était frais et bon marché, surtout pour les familles comme la mienne qui habitaient en face de la mer. Aujourd’hui, j’habite sur une montagne à Mascate, dans une région élevée. Je ne suis plus en face de la mer, mais elle est seulement à 5 minutes en voiture. À plusieurs occasions, j’ai parlé de la muraille de Mascate, gravée dans ma mémoire…

• Mon voyage et mon séjour au Liban méritent un long attardement. Lorsque je suis rentrée dans la capitale omanaise, la classe de huitième n’existait pas, ce qui a poussé ma famille à me joindre à une délégation scolaire à Beyrouth via l’UNICEF, dans le cadre d’un programme scolaire spécial. Nous étions deux filles et quelques garçons.

• J’ai été hébergée avec ma copine dans une maison d’étudiantes. La personne qui était chargée de nous était antipathique, nous ne l’aimions pas… Partout où l’on allait, on la trouvait en face de nous, tel un diable ; on sentait que son premier but consistait à étouffer nos souffles. Mais nous ne lui prêtions aucune attention ; nous utilisions mille ruses pour échapper à son autorité.

• Lorsque les affrontements ont commencé entre les fédayins et l’armée, nous avons déménagé pour vivre derrière la rue Hamra, du côté de l’Université Américaine, tandis que la région de l’Université était restée telle qu’elle était. Je me souviens de la rue Hamra, du café Horse Shoe, du Strand, du cinéma Strand, et de la libraire dans laquelle nous nous rendions en descendant des escaliers. Lorsque j’ai revisité tout cela après vingt années l’occasion de mon exposition tenue au Horse Shoe, les rues et les trottoirs étaient saccagés, les photos de Khomeiny et de Hassan Nasrallah remplissaient les rues. Cependant, la situation était un peu meilleure lors de ma dernière visite, au moins, les photos et les affiches étaient moins nombreuses. Là bas, j’ai rencontré quelques anciennes connaissances. Je reviendrai sur ce sujet ultérieurement.

• À Beyrouth, on avait conçu un programme intensif spécial pour nous, les étudiants omanais, comportant tout ce qui vient à l’esprit : des programmes de scouts, des voyages, des cours de cuisine, de musique, la danse Dabké et toutes sortes de divertissements ; le programme comportait également des visites aux écoles d’orphelins et d’handicapés. On appelait les écoles d’orphelins ‘la mère alternative’ : on choisissait un groupe d’enfants et on leur faisait office de mère. Ils suscitaient la douleur, mais ils se réjouissaient de nos visites. Ils nous attendaient impatiemment chaque semaine, vêtus de leurs plus beaux vêtements, pour recevoir les cadeaux que nous leur apportions. Ils habitaient dans la « montagne », entre les pins et les cerisiers. La scène était merveilleuse, pleine de senteurs, du parfum des herbes sauvages que nous cueillions des bords de la route dans les bois, sur le chemin de retour. Pendant ce temps, le chauffeur choisissait des chansons de Ferouz,  de Wadi’ Al-Safi et de Sabah. La radio ne se taisait pas une seule seconde.

• Lorsque nous revenions pendant les vacances à Mascate, le retour devenait un véritable cauchemar. L’ordre était formel : nos parents nous imposaient de revenir à Mascate le lendemain de la fin des cours ; il ne pouvait y avoir aucun débat ou aucun retardement… leur propos était clair et net : il ne nous était pas permis de rester un seul jour à Beyrouth après la fin du semestre scolaire.

• En 1975, on nous avait une fois demandé d’assister à un événement, où j’ai rencontré le poète Bahreïni Qassim Haddad. Il sortait tout juste de prison, et il a parlé de son expérience. Il paraissait maigre. Comme je n’aime pas la politique, je me concentrais, pendant le temps que j’ai passé à Beyrouth, sur l’art, les livres et la poésie.

À cette période, on n’était jamais rassasiés de cinéma. Les cinémas de Beyrouth se faisaient la course pour présenter les derniers films. J’étais une adolescente ; elles étaient belles, les chansons d’antan, les discothèques. Je dirais presque que tout était plus beau. On vivait « la belle époque ».

J’ai passé deux ans à Beyrouth, j’avais 15 ans. Lorsque la guerre civile libanaise avait éclaté, nous avons fui vers Mascate. Malheureusement, notre année scolaire n’avait pas été comptée.

• Après Beyrouth, je me suis rendue au Caire avec un groupe d’étudiants afin de faire des études dans le domaine de la télévision. J’étais avec deux jeunes femmes et quelques jeunes garçons, dont quelques-uns sont rentré au pays mariés. L’un des boursiers est devenu ministre de l’Information, un autre est devenu ministre de l’Éducation. En vérité, la majorité de ceux qui étaient avec moi sont devenus des ambassadeurs et des ministres. Nous avons habité la région de Masr al-Guidida, puis à Doukki. Un cours intensif nous avait été destiné… De ma part, j’ai préféré étudier le décor car il correspondait vaguement à mes préoccupations.

• Après mon retour à Oman,  j’ai travaillé à la télévision comme animatrice de liaison et décoratrice. Il n’y avait pas de décor au sens propre du mot. En réalité, notre travail se limitait à faire les arrières plans que les téléspectateurs voyaient. Je faisais moi-même la conception du décor, parce que je travaillais seule. Le voile n’existait pas. En 1975, il y avait trois animatrices omanaises, et elles ne se couvraient pas la tête. Tel était le cas dans la plupart du monde arabe. Nous ne connaissions pas la mante.

• Mon ex-mari était mon collègue dans la mission du Caire. Il était beau, avec ses cheveux longs et son caractère libéral. Il a fait ses études à Moscou puis il est rendu à Londres où il a fait des études de journalisme ; ensuite, il est devenu rédacteur en chef d’un magasine en arabe et en anglais, publié par la société pétrolière d’Oman. Il y est resté 30 ans. À présent, il travaille pour son propre compte dans la conception des livres. Il est très intéressé par l’environnement, malgré ses difficultés corporelles actuellement. Il a connu des expériences traumatisantes durant sa vie. C’est un homme honnête et désintéressé, bien qu’il ait été un peu bohême dans le passé.

• Après avoir travaillé à la télévision d’Oman, j’ai poursuivi mes études en droit puis j’ai travaillé comme chercheuse juridique auprès du ministère de la Fonction Publique d’Oman. Pourquoi le droit ? Ce n’était pas juste un choix ; on avait trois options, dont le droit, et je l’ai choisi. J’ai eu une fille et un garçon. J’ai continué à travailler au ministère jusqu’à ce que j’aie ouvert la première galerie d’art plastique dans le hall d’un hôtel, à Mascate.

• Je considère la période où j’étais fonctionnaire comme des plus difficiles de ma vie. J’étais à la fois fonctionnaire et mère de deux enfants, et je poursuivais également mes études ; simultanément, ma vie conjugale était troublée, je portais pratiquement seule la responsabilité. Ces jours là étaient difficiles. L’idée de la galerie est venue par hasard. Une fois, j’ai rencontré un responsable de l’hôtel. Les responsables des hôtels achetaient des tableaux d’artistes étrangers pour décorer les murs… j’avais demandé à ce responsable : pourquoi n’achetez-vous pas les tableaux des artistes omanais ? Alors il m’a suggéré d’ouvrir une galerie.

• Cette galerie était la première à Oman ; elle a porté le nom « Galerie d’Oman ». Nous y avons exposé des œuvres des artistes arabes les plus importants, comme Fateh Al-Moudarress, Shaker Hassan Al-Saïd, Ismaïl Fattah Al-Turk et la marocaine Shaïbieh. À présent, je considère cette galerie une véritable aventure. Je me disais que personne ne connaîtrait ces noms, mais j’ai été surprise par l’affût des pensionnaires de l’hôtel où logeaient les hôtes du pays, venant de tous les pays arabes et étrangers. J’étais surprise des hôtes de tous niveaux : des personnalités connues, politiques, artistiques et littéraires. Je garde toujours un registre où ces personnalités ont laissé leurs impressions concernant les œuvres exposées. Elles étaient surprises par les noms des artistes exposés. Certaines n’auraient pas pensé que j’exposerais des œuvres de Shaker Hassan, par exemple. Une fois, j’ai reçu la visite d’une dame koweïtienne qui était étonnée du grand nombre de personnalités prestigieuses dont j’avais exposé les œuvres. Pour elle, la galerie était un trésor artistique car c’était une femme riche. Elle m’a acheté un grand nombre d’œuvres importantes.

• Aujourd’hui, je regrette un peu d’avoir vendu certaines œuvres, surtout les tableaux de Shaker Hassan Al-Saïd.

• Après la guerre qui a secoué la région en 1980 et dont les effets s’étaient reflétés sur l’ensemble de l’activité culturelle et humaine, la période de la galerie était la plus importante de ma vie sur le plan personnel. J’y ai rencontré des personnages de toutes sortes, certains d’entre eux étaient passionnés de mon travail en art plastique, notamment les Japonais et les Allemands. C’était une époque merveilleuse, pendant laquelle j’ai vendu une grande partie de mes œuvres et je ne sais pas dans quelle région du monde elles sont aujourd’hui. Je recevais une grande estimation et une grande admiration de la part de ces visiteurs-acheteurs ; pour eux, mes œuvres étaient hautement considérées. Quelques-uns m’envoyaient des lettres de remerciements ; ils photographiaient mes tableaux attachés sur les murs de leurs maisons et exprimaient une grande fierté. Ceci me rendait heureuse et remontait mon moral. D’autre part, certains me rendaient perplexe, pour ne pas trop dire ; parmi eux, des amis qui détestaient le succès des autres.
La plupart de mes clients étaient des étrangers, certains faisaient partie du personnel d’une ambassade ou appartenaient à la communauté française ou allemande… Je changeais les tableaux chaque semaine, car tous les jeudis, un groupe de Français et d’Américains présents dans le pays arrivait. La visite de la galerie faisait dorénavant partie de leur programme.
• Conserver l’amour de ces gens-là pour cette récente galerie dans une ville comme Mascate était une grande responsabilité. La galerie est la plus importante œuvre de ma vie. Je l’ouvrais à 10 heures du matin et n’en finissait qu’à 10 heures du soir. Elle était devenue toute ma vie. J’y rencontrais mes amis, qui faisaient partie des intellectuels les plus prestigieux. J’y ai rencontré toutes les personnalités qui peuvent passer à l’esprit. Certains étaient surpris que je sois d’Oman. On m’avait dit que la galerie et moi étions la façade civilisée d’Oman.

• Je me souviens qu’une fois, un étranger qui avait une cinquantaine d’années m’avait rendu visite, accompagné de son épouse. Il était habillé simplement et portait des jeans. J’avais immédiatement remarqué son intérêt pour les tableaux. Il m’avait dit qu’il connaissait bien les artistes dont des œuvres étaient alors exposées, Nouri Al-Rawi, Rafe’ Al-Nasseri, Ali Taleb, ainsi que d’autres peintres irakiens. Lorsque je lui avais demandé son nom, j’ai été surprise d’apprendre qu’il était « Gulbenkian ». Il m’a raconté que c’était sa famille qui avait créé le musée d’Art Moderne de Bagdad et que c’était lui qui avait octroyé des bourses à ces artistes pour étudier le dessin. Il m’a raconté beaucoup d’histoires pareilles.

• Également, le cheikh Hassan, de Qatar, visitait régulièrement la galerie. C’est lui qui avait créé plus d’une collection, transformées en musées à Doha. C’était un homme doux, modeste. Il se plaisait à s’assoir dans la galerie, ou bien il nous invitait dans sa suite à l’hôtel. Et chaque fois, il achetait des œuvres de la galerie. Parfois, le cheikh était accompagné par l’artiste Dia Azzawi.

• Malheureusement, la galerie a été fermée en raison de problèmes qu’il n’y a pas lieu de citer ici, durant le mandat de la ministre du Tourisme et présidente du conseil d’administration de l’hôtel où était située la galerie, que Dieu ait son âme. L’hôtel été affilié au ministère du Tourisme. Ils avaient voulu agrandir un bureau consacré aux services informatiques, alors ils ont ajouté la galerie au bureau. Ainsi, tout simplement, prit fin la vie de l’une des plus importantes galeries dans la région du Golfe.

• La fermeture de la galerie m’a radicalement poussée à me consacrer au travail artistique. Désormais, je dessinais d’une manière intensive et voyageais beaucoup. Bien sûr, je rêve toujours d’avoir une galerie, parce que j’avais aimé ce travail vital, à travers lequel j’avais rencontré beaucoup d’artistes et d’intellectuels arabes. J’ai découvert que certains d’entre eux n’avaient rien à voir avec le domaine artistique et avec toute sa profondeur. D’autres ne pouvaient faire la différence entre l’abstraction et le surréalisme. Un poète célèbre m’avait dit : vous êtes surréaliste ; une critique bien connue avait indiqué que mes œuvres contenaient des explosions de couleurs, alors que mes œuvres sont très économes en couleurs…

• J’ai découvert que la relation de certains intellectuels arabes avec les femmes est mélangée de bien de choses critiquables. L’un d’eux méprisait ouvertement la femme. Je n’avais pas l’impression d’être, parmi eux, une femme au sens traditionnel. J’étais plutôt une amie, ou une sœur. Je n’avais pas de séduction. J’avais pris la décision de laisser une certaine distance convenable avec les autres et de ne participer à aucune des scènes théâtrales connues. Il était dégoutant de voir certains s’enivrer, de voir quelqu’un insultant son copain. Les hommes me craignaient parce que j’étais ferme pour ces choses-là. On me surnommait : ‘la sœur des hommes’. Une fois, un jeune-homme était entré dans la galerie, m’avait donné une enveloppe et m’avait demandé de l’ouvrir. L’enveloppe contenait un poème de galanterie, destiné à me faire la cour. Je l’ai déchiré devant lui, l’ai remis dans l’enveloppe et la lui ai rendue. Je sais que c’était rude de ma part, mais c’est ce que je devais faire dans des conditions culturelles et sociales comme les nôtres.

• Certains que j’ai rencontrés au séminaire de Paris ne savaient pas où se trouve Oman. L’anecdote, c’est que lorsque j’ai dit à Mounir Makki, l’ambassadeur d’Oman à Paris, que certains de ces gens ne savaient rien sur Oman, il répliqua, d’un ton combinant l’humour avec le sérieux, que c’était parce que nous n’avons pas de problèmes, et c’est pourquoi ils ne nous connaissent pas. Là-bas, j’ai rencontré beaucoup de femmes, comme Nawal Saadawi, que je respecte beaucoup, ainsi qu’Ahlam Mostaganemi, avant qu’elle ne soit devenue une célébrité. Il y avait aussi avec nous Mayssoun Sakr Al-Qassimi, qui était alors responsable à l’Institut Culturel d’Abu Dhabi, ainsi que la palestinienne Léana Badr. À cette occasion, je me souviens de Fawzia Abu Khaled qui était mon amie à Beyrouth en 1973, d’Étel Adnan et de son amie Simone. Malheureusement, je n’ai rencontré Étel que deux fois à Paris, mais nous avons exposé ensemble nos œuvres dans des États américains. Je possède aujourd’hui un court-métrage sur nous. Elle m’avait dit que c’était la première fois qu’elle était filmée. Nous apparaissons dans le film que je publierai sur mon site électronique, parlant de choses communes entre nous, comme la propreté ; quant à Simone, elle explique dans le film sa vie, qui me plait : pas de responsabilités, pas d’enfants ; elle voyage beaucoup comme les oiseaux migrateurs. Son appartement est calme et joli. Comme je l’ai déjà dit, j’ai rencontré Étel à l’Institut du Monde Arabe à Paris, dans le cadre du séminaire sur la créativité des femmes en 1994. Aujourd’hui, je suis surprise lorsque je vois des femmes réclamer leur liberté en portant le niqab ou le cache-nez. Quelle liberté se trouve derrière ? Je ne comprends pas.

• Comme je l’ai déjà dit, je n’ai rien fait après l’expérience de la galerie, à part le dessin et les voyages. J’ai visité de nombreux musées d’art du monde et les plus grandes galeries ; j’ai pris connaissance des expériences modernes ; je suis restée figée devant les grandes œuvres de l’histoire de l’art mondial. Tate Gallery à Londres, le Metropolitan à New York, le Louvre, le British Museum, les musées d’art en Suisse que j’ai visité tous, Barcelone, le musée Picasso, l’Autriche, Amsterdam, le Norvège, la Suède, le Danemark, la Finlande, Saint-Pétersbourg et Moscou. J’ai beaucoup apprécié la Russie, où j’ai vu des merveilles dans les musées nationaux, comme les bijoux qui sont un travail esthétique distingué. J’ai également visité le Japon, la Corée, la Malaisie, la Chine, Hong-Kong, Bangkok, Shanghai et les Philippines. Puis je suis allée de Londres à New York à bord du navire (Queen Mary). C’était un voyage merveilleux, sept jours de suite au beau milieu de l’océan. Après, je suis allée à Vancouver au Canada, puis à San Francisco, Los Angeles, Hollywood et Las Vegas. Enfin, je me suis rendue à l’endroit le plus éloigné en Alaska, où j’ai constaté la fonte des glaciers.
• Dans l’un de mes voyages, le navire était parti de Barcelone vers Paris, puis l’Italie, ensuite aux Iles Capri, Rome, la Grèce et ensuite la Croatie. De Londres, je suis partie vers tous les pays scandinaves pour arriver à Moscou. Mon troisième voyage était de Londres aux Amériques. Dans un autre voyage, je suis partie de la Turquie vers l’Iran, l’Inde puis vers le Pakistan.

• Dans certains pays d’Asie du Sud Est, vous pouvez constater que beaucoup de choses sont manifestement faussées. Aujourd’hui, lorsque je vois une œuvre d’art, je sais facilement quand elle est faussée. J’ai photographié tous les pays et les endroits que j’ai visité. Toutes les photographies sont dans les tiroirs de mon bureau. C’est une fortune photographique précieuse qui pourrait donner naissance à un gros livre. Lors de ces voyages, j’ai visité la plupart des plus beaux théâtres du monde.

• Lorsqu’on revient de ces voyages, on éprouve une sorte de déséquilibre culturel dû à ce qu’on a vu et aux comparaisons avec ce qui existe dans nos pays. Je me demande toujours où nous en sommes par rapport à ce monde, à ces grandes réalisations dans tous les domaines, épistémologique, architectural, urbaniste, et en particulier plastique.  Lorsque nous nous tournons vers les artistes de notre région, nous ne savons pas comment ils ont intégré le champ artistique. En effet, alors que nous savons que certains d’entre eux n’ont rien à faire avec l’art, leurs œuvres sont commercialisées par des galeries qui, à leur tour, ne s’y connaissent pas beaucoup dans l’art. Par conséquent, ils croient qu’ils sont effectivement des artistes. Puis ils sont classés dans le cadre d’un certain statut social afin qu’ils puissent suggérer des prix élevés pour leurs œuvres. Ici, le véritable artiste est perdu. Lorsque j’étais jeune, on m’avait conseillée de ne pas fréquenter les semi-talentueux, les semi-artistes, ou les semi-intellectuels. J’avais assimilé le conseil et je m’en souviens encore.

• En élevant mes enfants, je leur ai ouvert la porte pour qu’ils expérimentent la vie ; nous avions pris soin qu’ils fassent leurs études à l’étranger et qu’ils vivent leur expérience individuelle. À mon avis, une personne moderne doit l’être dans tout ce qui concerne sa vie, dans sa pensée, sa manière de vivre, ses vêtements, sa maison, car ces différents aspect sont étroitement liés les uns aux autres.

• J’ai eu la bonne chance de visiter les musées après la cristallisation de mon expérience dans le domaine de l’art. Sinon, je pense que j’aurais été perdue au milieu de ce monde esthétique et stylistique, renchérissant de créativité.
• Mes voyages en Asie du Sud Est m’ont révélé un autre monde. La relation des peuples de cette région avec la modernité et la post modernité, leur profond intérêt pour l’art et les musées d’art, et la prolifération de livres d’art et de la traduction est quelque chose d’extraordinaire. J’ai été frappée par les files de gens devant les musées et les galeries ; l’empressement vers l’innovation et l’acquisition des chefs d’œuvres artistiques font du phénomène artistique là-bas un fait vital et existentiel. Ce sont des peuples qui aiment profondément l’art, comme si leur relation avec l’art y était inhérente ; en effet, l’art est une composante de leur vie. Ils excellent également dans la production d’objets artisanaux. On ressent que la nature des hommes là-bas est fondée sur l’éclosion, l’ouverture à la vie, l’acceptation du nouveau. Cette acceptation de toute innovation est un phénomène qui ne pourrait être limité par les tabous entravant l’énergie créatrice humaine. En même temps, j’ai remarqué que beaucoup de jeunes tiennent à leurs croyances religieuses et spirituelles et les pratiquent dans leurs emplacements abondamment répandus dans les pays de l’Asie de l’Est. Que l’on aime Adonis on non, il a peut-être raison lorsqu’il dit que nous sommes des peuples exterminés.

• J’entretiens également une relation étroite avec le monde végétal. Actuellement, j’ai dans mon jardin un citronnier que j’ai planté moi-même, ainsi qu’un figuier, un papayer, des citronniers doux et des bananiers. Je m’intéresse moins aux fleurs qu’aux arbres.

• Pour moi, le jardin est très important. Je passe la plupart de mon temps dans cet espace vert. Un petit jardin, derrière lequel se situe mon atelier artistique, au sommet de la montagne qui donne sur un immense espace ouvert. Je ne peux travailler dans des endroits fermés, je me sens asphyxiée. La majeure partie de mon travail se fait en dehors de l’atelier ; je ne peins à l’intérieur que lorsque la chaleur de l’été me force d’entrer.

• Je ne travaille pas sur un seul tableau, mais sur une série de tableaux, et en plusieurs étapes : une première étape, une deuxième, une troisième et ainsi de suite. Je dessine et j’efface en couches, en plusieurs couches ; il y a beaucoup de raclements… Il arrive que je quitte le tableau pour y revenir plus tard. Je sais que le tableau est terminé par expérience, non par intuition, l’expérience qui s’est formée chez moi après toutes ces années de travail artistique. Je suis professionnelle, non pas au sens littéral du mot, mais dans le sens où je sais ce que je fais. Dans le travail plastique, la technique est plus présente que les démons des poètes. Plus on avance dans l’âge, plus on perd cette intuition. Heureux sont ceux qui réussissent à la maintenir. Si j’efface ici une ligne ou si j’en ajoute une là, soit j’ajoute au travail son équilibre soit je le lui fais perdre… C’est une question extrêmement délicate et précise. Il n’y a pas de désordre, mais des lois que nous respectons et dont on doit rendre compte au critique installé dans notre for intérieur, surtout au regard de ma méthode de travail.

• Que le critique dans votre for intérieur soit fort et dur ; il doit être dur, pour l’intérêt de l’œuvre.

• Une fois, j’ai visité un village à l’extrémité du monde en Alaska. Dans ce village de 200 personnes, il y avait un musée d’arts. Il est regrettable qu’un pays dont la population a dépassé 2 millions d’habitants ne possède ni une galerie, ni même un musée.